Anton Kaestner - #480 - M - " Punta del Este #1 ".

Unikat, Originalbild von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#480 - M - " Punta del Este #1 ".

Acrylspray auf eine 3 mm Plexiglasplatte (UV-beständig).
Dieses Gemälde ist keine Druckreproduktion. Es handelt sich um ein originales Werk "Multi-Schichten", dessen glänzende, glatte Erscheinung, ähnlich dem Auftrag einer Harzschicht, einzigartig ist.

Maße: 17,3 x 12,6 x 0,12 Zoll / 44 x 32 x 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen in hochwertiger deutscher Qualität der Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 520, Eichen-Optik Weiß (0,23 x 1,38 Zoll / 0,6 x 3,5 cm). Empfohlen und verfügbar zum Versand zu einem Aufpreis von 90€ inkl. MwSt.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Es begleitet ein Echtheitszertifikat.
Der Versand ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weiterführende Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, Januar 2027.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich inmitten der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was schließlich zur Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder einem direkt entgegenspringen, dominierend und einschüchternd, während kleine Arbeiten viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst fühlte ich mich von der abstrakten Malerei und dem abstrakten Expressionismus angezogen.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist bezeichne, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung des menschlichen Daseins und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben resonierten.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort sichtbar.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko, Belgien, durch Asien und Frankreich. Die Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wohin ich auch ging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz der Fokussierung auf meine Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, still vor sich hin köchelnd. Fast dreißig Jahre lang wurde das Malen zu einer Form stiller Meditation – ein Weg, sich von der Welt zu lösen und sich auf das innere Selbst zu konzentrieren.

Ich habe immer tiefe Zufriedenheit im Malprozess gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, in der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich stets, anderen eine ehrliche Begegnung mit Schönheit zu bieten, ihnen die Welt aus einer anderen Perspektive zu zeigen und über ihr eigenes Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Ausscheiden aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich vollständig dem Malen. Ich gründete ein Studio in Paris und widmete mich ganz meiner Kunst. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere und, zu meiner Überraschung, gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in privaten Sammlungen in ganz Europa Verbreitung, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", am Ende 2024 in Paris, zeigte einen unverwechselbaren Herangehensweise an Kunst, fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprühfarben auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk bei seiner Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ - alles geht, um die Vernunft zu überlisten! - den Verlauf, die Schichten & Spiegelungen bestimmen, die ich erschaffe, und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber um es deutlich zu sagen: In meinen Bildern trifft Zufall niemals die Entscheidungen; höchstens stellt er Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großem Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der sich mit dem Offenlegungs-/Fixierungsprozess der Fotografie deckt, ist anspruchsvoll und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, geben jedem Werk jedoch eine „enthaltsame“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich „unverrückbare Notwendigkeiten“ erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und hell verharren.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern die Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten – meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Kern des Lebens“, nach dem, was Alain Damasio „le vif“ nennt. Obwohl Nostalgie schon immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich. Folglich besitzen sie weder Inhalt, noch Sinn, noch Zweck; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein, noch Ziel noch Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglasen evoziert, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erahnen kann, bei jedem neuen Betrachter verschieden. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Wechselspiel von Licht, Farbe und Struktur, der fehlenden Teile erfordert ebenfalls Empathie. Hoffentlich wird der Dialog zwischen „Details aus der Nähe“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Weitblick für das Ganze“ die Betrachter dazu anregen, eigene introspektive Reisen anzutreten.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Hinterfragens und Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, ein Weg, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagte: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen."

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Panorama der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleich viel Gewicht haben, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch ihre Stärke, sondern durch ihre Präsenz definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht im Plexiglas – sind die ruhigen Ergebnisse einer langen und bedachten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger auf dem Endbild als auf dem stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es entstehen lässt.

Diese Praxis beruht auf drei aufeinander abgestimmten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus der aufgezwungenen Sinngebung. Wenn ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und sie „weder Inhalt, noch Sinn, noch Bedeutung“ haben lasse, hoffe ich, die Erwartung einer Narration sanft zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und zu einer direkteren Art des Hinsehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Vorrangstellung der gelebten Erfahrung. In diesen offenen Raum setze ich, was ich als eine „Erfahrung des Seins“ bezeichne. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert werden muss, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, transparente Schichten und das schwache Spiegeln des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft feststelle, „lebt, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist dort, wo Idee und Hand sich treffen: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, arbeiten ohne visuelles Feedback, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe von Kontrolle im Schaffensakt. Ich setzte Bedingungen, übergebe aber das Ergebnis, lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein unabhängiges „Objekt an sich“ nenne, das erst dann vollständig offenbart wird. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt auftaucht.

Diese Absichten werden von einigen sanften Paradoxa getragen, die die Arbeit erhalten:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufällen“, doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, doch die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich sinnlos nenne, etwas zu „kommunizieren“. Vielleicht wird nicht eine Aussage geteilt, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwebt in der Arbeit, doch sie zielt merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverrückbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert beständige Aufmerksamkeit, doch zielt er auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als wäre es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem hingezogen, was sich als völlig unvermeidlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat“. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, wenn auch vielleicht mit weniger Schmerz und mehr Gelassenheit – eine Informalität, in der Zufall kein Bruch, sondern ein stiller Mitwirkender ist.

Im Kern steht die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt zu direkter Erfahrung statt zu Intellektualisierung. Das oft geringe Format, das ich wähle, soll Intimität statt Spektakel fördern.
Letztlich ist dies schlicht der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe herausgefunden, dass eine Praxis, die auf stillem Paradoxon beruht, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, zu einer Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner