Tijs Dragtsma (1992) - Leonardo in Vitruvian Light

Leonardo in Vitruvian Light platziert den Künstler in seiner eigenen Erfindung. Der Kreis und das Quadrat, die einst den idealen menschlichen Körper vermessen, umgeben nun einen alten Mann, der mit offenen Armen dasteht, als habe er sich in das Diagramm hineingetreten, das er der Welt gegeben hat, und werde wiederum von ihm vermessen.

Hier trägt die Geometrie das Licht. Der Kreis und das Quadrat werden von einem Feld feiner Kratzer gehalten, hell und durchgehend, während die Figur in ihnen größtenteils im Schatten bleibt. Sein Gesicht und sein langer weißer Bart fangen das Licht als leises Glühen ein, eine Gegenwart statt eines Abbilds, und seine Hände erscheinen kurz, dort wo die ausgebreiteten Arme am Rand des Kreises treffen.

Der Mantel, der Körper, das Gewicht des Mannes – all das wird in die Dunkelheit abgegeben. Was bleibt, ist Proportion selbst, die Idee, dass ein menschliches Wesen durch Zahl und Form gelesen werden kann. Leonardo verbrachte sein Leben auf der Suche nach dieser Ordnung. In diesem Werk wird er Teil davon, fast von dem Maß absorbed, das er einst verwendet hat, um die Welt zu erklären.

Kein Malerei. Keine Druckgrafik. Keine Tinte. Das Bild entsteht durch kontrollierte Oberflächenbeschädigung auf Acrylglas, ein Feld einzelner Spuren, die Kreis, Quadrat und alten Mann zusammenhalten. Das Bild ist stets präsent, es braucht kein direktes Licht, um zu existieren. Licht schafft es nicht. Es schärft es, vertieft den Kontrast zwischen der leuchtenden Geometrie und dem Mann, der darin zu verschwinden scheint.

Aus der Ferne lesen sich das Werk als einzige leuchtende Diagramm, monumental und still. Nahe daran wird es zu einer Oberfläche, aufgebaut aus einem Feld feiner Kratzer, von denen jeder Teil einer größeren Struktur ist, dieselbe Spannung zwischen Ordnung und Zerbrechlichkeit, die sich durch Leos Viertes Streben nach dem perfekten Verhältnis des Menschen zieht.

Leonardo in Vitruvian Light setzt die Reihe Art with Scratch fort von Tijs Dragtsma, in der Bilder durch kontrollierte Oberflächenbeschädigung statt durch Pigment oder Druck entstehen. Dieses Werk ist einzigartig.

„Eine visuelle Sprache, in der Schaden nicht Zerstörung, sondern Struktur bedeutet.“

Über Art with Scratch

Art with Scratch ist eine Bilderserie, in der das Bild nicht gezeichnet, sondern freigesetzt wird. Von Hand Zeile um Zeile in eine tiefe schwarze Oberfläche hineingehauen, entsteht jedes Werk durch unzählige präzise Kratzer, die das Licht fangen und aus der Dunkelheit Form hervorgebracht wird.

Aus der Ferne wirkt das Bild fast fotografisch. Mächtig, erkennbar und voller Gegenwart. Doch im Nahmen löst es sich in ein dichtes Feld einzelner Spuren auf. Fein, zerbrechlich und nahezu schwerelos. Was fest schien, offenbart sich als zartes Netz aus Linien, jede eine absichtsvolle Geste, jede wesentlich für das Ganze.

Licht schafft das Bild nicht. Es schärft es. Die schwarze Oberfläche absorbiert, während die zerkratzten Linien reflektieren. Wenn Licht über die Oberfläche wandert, atmet das Bild. Aus einem Blickwinkel steht die Figur klar und definiert. Aus einem anderen mildert sie sich und kehrt in die Dunkelheit zurück, aus der sie gekommen ist, ohne jemals zu verschwinden. Unter einem fokussierten Spotlight vertieft sich der Kontrast und das Bild erhält eine skulpturale, fast leuchtende Qualität.

Was dieses Medium so fesselnd macht, ist seine stille Spannung. Der Kratzerakt ist direkt und unumkehrbar. Jede Linie ist eine Entscheidung, die sich nicht rückgängig machen lässt. Doch das Ergebnis ist nicht hart. Es ist intim, atmosphärisch und lebendig von Bewegung. Härte wird zu Weichheit. Zerstörung wird zu Schöpfung. Abwesenheit wird Gegenwart.

In Werken wie diesem Porträt ist die Figur nie vollständig fixiert. Durch das Spiel von Linie, Licht und Schatten verschiebt sich das Bild mit Perspektive und Atmosphäre. In bestimmten Momenten scheint der Protagonist aus dem Schwarzen hervorzutreten. Zu anderen Zeiten senkt es sich wieder in die Stille. In dieser Bewegung, zwischen Schärfe und Ruhe, erwacht das Werk zum Leben.

Wie alle Materialien, die von der Zeit berührt werden, trägt die Oberfläche ihr eigenes stilles Leben. Jede Kratzer hält einen Moment, einen Atemzug, eine Geste fest. Gemeinsam bilden sie nicht nur ein Bild, sondern eine Gegenwart, die sich mit jeder Lichtänderung weiter offenbart.

Über den Künstler

Mein Name ist Tijs Dragtsma, Gründer von TD Fine Art Studio.

Als Künstler treibt mich ein ständiges Verlangen an, neue visuelle Sprachen zu erkunden. Ich sehe Kunst nicht als festen Stil, sondern als sich entwickelndes Erkenntnisfeld, in dem Material, Struktur, Licht und Emotion zusammenkommen.

Meine Arbeit beginnt oft mit einer einfachen Frage. Wie kann ein Material auf neue Weise sprechen. Wie kann Härte Intimität werden. Wie kann Präzision Emotion erzeugen. Diese Suche liegt dem Kern dessen, was ich schaffe.

Innerhalb von TD Fine Art Studio wird jede Arbeitenreihe wie eine eigene Welt betrachtet, mit eigener Logik, Atmosphäre und visueller Identität. Einige Werke entstehen durch Rhythmus, Wiederholung und Struktur. Andere entstehen durch Abwesenheit, Schatten, Reflexion oder Spannung. Was sie verbindet, ist ein gemeinsames Engagement für Originalität, Klarheit und emotionale Gegenwart.

Ich bin fasziniert von Kontrast. Zwischen Stärke und Zerbrechlichkeit. Zwischen Kontrolle und Gefühl. Zwischen dem Sichtbaren und dem dem Interpretationsspiel offener Gelegenheiten. Mein Ziel ist nicht nur, ein Bild zu schaffen, sondern ein Werk, das Aufmerksamkeit bindet, zum Nachdenken einlädt und sich im Laufe der Zeit weiter offenbart.

TD Fine Art Studio ist der Ort, an dem sich diese Erkundungen vereinen. Es ist nicht nur ein Studio, sondern ein sich entwickelndes künstlerisches Universum, geprägt von Neugier, Präzision und dem Bestreben, Arbeiten zu schaffen, die sich eigenständig, absichtlich und lebendig anfühlen.