Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#485 - M - "Landschaft #1".

Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte (UV-beständig).
Dieses Bild ist keine Druckreproduktion. Es handelt sich um ein originales Werk der „Multi-Schichten“-Technik mit einem glänzenden, fast resin-ähnlichen Finish, das einzigartig ist.

Abmessungen: 17,3 x 12,6 x 0,12 Zoll / 44 x 32 x 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Bild wird rahmenlos geliefert.
Rahmen von der deutschen Qualitätsmarke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 520, Eiche Weiß furniert (Zollmaße 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 90 € inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Die Lieferung ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden überall in Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, Januar 2027.

Biography

Geboren in Genf, Schweiz, bin ich in der natürlichen Schönheit und kulturellen Reichtum meiner Heimat aufgewachsen. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft wurde.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder einem direkt entgegenkommen, beherrschend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Zuneigung inspirieren können. Zunächst zog mich nicht-figurative Malerei und abstrakter Expressionismus an.
Mit der Zeit entwickelte ich – obwohl ich mich als Atheisten betrachte – auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung des menschlichen Daseins und der tieferen Wahrheiten von Natur und Leben resonierten.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.

Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um den Globus führte, von den Vereinigten Staaten über Marokko, Belgien, durch Asien bis Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und setzten mich einer Vielzahl kultureller Einflüsse aus. Egal, wohin ich ging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer ein Teil von mir, still vor sich hin köchelnd. Fast drei Jahrzehnte lang wurde das Malen zu einer Form stiller Meditation – ein Weg, der Welt zu entfliehen und sich auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.

Ich habe stets große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, bei der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtiges Erlebnis von Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rückzug aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich dem Malen vollständig verschrieben. Ich gründete mein Atelier in Paris und begann, mich ganz meiner Kunst zu widmen. Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch an Anerkennung und fand ihren Platz in Privatkollektionen in ganz Europa, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen eigenständigen Ansatz in der Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehen kann. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles darf passieren, um den Verstand zu überlisten! – den Ausgang, die Schichten & Spiegelungen zu lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber klar gesagt: In meinen Bildern entscheidet Zufall nie; höchstens stellt Zufall Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und geben jedem Werk dennoch eine „asketische“ Qualität: Ich freue mich, wenn ich „unverrückbare Notwendigkeiten“ erkenne, d. h. was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern das Erleben des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „intellektualisieren / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, für das, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich selbst. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein noch Ende noch Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Bleiglasfenstern heraufbeschwört, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erkennen kann, jedes neue Betrachterbild anders. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur sowie der fehlenden Teile erfordert nur Einfühlungsvermögen. Hoffentlich wird der Reiz des Spiels zwischen „Detail nah“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz zum Ganzen“ die Betrachter zu eigenen introspektiven Reisen anregen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Schaffen ist eine Konfrontation mit meinen Grenzen, die mich dazu treibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Für mich ist Malerei eine tägliche Handwerkskunst, eine Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutsame Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, die perfekt ist und keine von uns braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft des Sehens.“

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Gefüge der zeitgenössischen Kunst, in der Konzept und Form gleichwertig sind, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Dominanz, sondern durch Gegenwart definiert werden. Meine Gemälde – schimmernde Farbfelder und Licht im Plexiglas – sind die stillen Ergebnisse einer langen und überlegten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als im stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es ermöglicht, zu entstehen.

Diese Praxis ruht auf drei aufeinander ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus imposiertem Sinn. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und ihnen „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ zuschreibe, hoffe ich, die Erwartung einer Erzählung sanft zu lockern. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und zu einer direkteren Form des Sehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Vorrangstellung gelebter Erfahrung. In diesem offenen Raum versuche ich, das, was ich als „Erlebnis des Seins“ bezeichne, hineinzustellen. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das faintes Spiegelbild des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft festhalte, „lebt, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle im Akt des Schaffens. Ich setze Bedingungen, aber lasse das Ergebnis los und lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein unabhängiges „Objekt für sich selbst“ nenne, vollständig offenbart erst, wenn es fertig ist. Es ist eine stille Paralle zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten halten einige sanfte Paradoxien aufrecht, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufällen“, doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich sinnlos nenne, etwas zu „kommunizieren“. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Stille.

Nostalgie der Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schimmert in der Arbeit, doch sie richtet sich seltsamerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverrückbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, den die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit

Der Prozess erfordert beständige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis, das autonom wirkt, als sei es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem hingezogen, was sich als vollkommen unvermeidlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat“. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Qual und mehr Ruhe – eine Informalität, in der Zufall kein Bruch, sondern ein stiller Mitwirkender ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Der oft von mir gewählte bescheidene Maßstab soll Intimität fördern, nicht Spektakel.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Suche. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die auf stillem Paradox basiert, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Widerstandsfähigkeit werden.

Anton Kaestner