Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Ein Einzelstück, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#484 - M - „Landschaft #2“.

Acrylique en spray sur plaque de plexiglas de 3mm (anti-UV).
Dieses Gemälde ist keine Druckauflage. Es handelt sich um ein originales Werk in Mehrfachschichttechnik, dessen glänzende, resinenah erscheinende Oberfläche einzigartig ist.

Dimensionsangaben: Zoll 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hoher Qualität der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 520, Ahornweiß Furnier (Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm), empfohlen und bei Versand gegen einen Aufpreis von 90€ brutto erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl finden Sie unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, Januar 2027.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich inmitten der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität hatte in meiner Familie einen hohen Stellenwert, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was schließlich zur Leidenschaft meines Lebens werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen und experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in Notizbüchern im Format A4 und später A3 – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder einem direkt entgegenkommen, dominierend und einschüchternd, während kleine Arbeiten viel mehr Liebe hervorrufen können. Zunächst zog mich die nicht-figurative Malerei und der abstrakte Expressionismus an.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich selbst als Atheisten sehe, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie sich mit meiner Erforschung menschlicher Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben deckten.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort offensichtlich.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten über Marokko, Belgien, Asien bis Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und setzten mich vielfältigen kulturellen Einflüssen aus. Wo immer ich hinging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und spürte die kreative Energie jedes Ortes.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer ein Teil von mir, still unter der Oberfläche köchelnd. Fast 30 Jahre lang wurde Malen zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, aus der Welt auszubrechen und zu meinem inneren Selbst zu finden.

Ich habe stets tiefe Zufriedenheit im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität prüfen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst habe ich immer gehofft, anderen eine ehrliche Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich voll dem Malen. Ich gründete mein Atelier in Paris und widmete mich ganz meiner Kunst. Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand Anklang in Privatbesitz in ganz Europa, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Atelier in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen unverwechselbaren Zugang zur Kunst, fernab herkömmlicher Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehen kann. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich gestatte „zufälligen Experimenten“ – alles ist erlaubt, um den Verstand zu überlisten – das Ergebnis, die Schichten und Spiegelungen, die ich kreiere, zu leiten und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber klar gesagt: In meinen Bildern entscheidet ja nie der Zufall; höchstens stellt der Zufall Fragen; sinnvolle „Koinzidenzen“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fiksationsprozess der Fotografie erinnert, ist fordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich irreduzible Notwendigkeiten erkenne, also das, was wir wahrscheinlich finden, wenn wir in Stille und Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „intellektualisierung/intellektuelles Besitzdenken“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erkundung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten. Meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Kern des Lebens“, das, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie schon immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich. Demnach haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die auch kein Daseinszweck, kein Ende oder Zweckmäßigkeit haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erahnen lässt, bleibt sie größtenteils abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erblicken kann – je nach Betrachter neu. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, sogar der fehlenden Teile, erfordert Empathie. Hoffentlich regt das Spiel zwischen „Details für Nahsicht“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Weite für das Ganze“ die Betrachter zu einer eigenen introspektiven Reise an.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und bleibe in Bezug auf das Erreichbare bescheiden. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen bedeutet für mich tägliches Handwerk, eine Erkundung, ein Weg, sinnstiftende Gespräche anzustoßen – eine Suche nach einer Farbe, so perfekt, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.“

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Panorama der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleichwertiges Gewicht haben, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Glanz, sondern durch Gegenwart definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Farbfelder und Licht im Inneren des Plexigels – sind stille Ergebnisse einer langen und bewussten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als in dem stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, der es ermöglicht, zu entstehen.

Diese Praxis ruht auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Zurückziehen aus impose meaning. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und sie als „weder Inhalt noch Sinn“ betrachte, hoffe ich, die Erwartung eines Narrativs sanft zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und zu einer direkteren Art des Hinschauens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Vorrangigkeit gelebter Erfahrung. In diesem offenen Raum versuche ich, das, was ich als „Erlebnis des Seins“ bezeichne, zu platzieren. Das Werk wird weniger zu einem zu interpretierenden Objekt, sondern zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegeln des Betrachters, der in seinen eigenen Blick trifft. Wie oft bemerke ich, lebt, verändert es sich, sieht es.

Die dritte ist, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine körperliche Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle beim Schaffen. Ich setze Bedingungen, gebe aber das Ergebnis auf und lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein eigenständiges „Objekt für sich“ nenne, das erst vollständig freigelegt wird, wenn es fertig ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt entsteht.

Diese Absichten werden von einigen sanften Paradoxien getragen, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Koinzidenzen“, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, doch die Struktur wird behutsam aufgebaut.

Kommunikation ohne Nachricht
Ich hoffe, etwas zu kommunizieren durch Werke, die ich sinnlos nenne. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine greifbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, richtet sich jedoch seltsamerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverrückbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert beständige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als sei es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem angezogen, was sich als völlig unvermeidlich anfühlt.
In diesem Sinn habe ich das Gefühl entwickelt, dass das „Zeitalter des Informellen“ gerade erst begonnen hat. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Schmerz und mehr Gelassenheit – eine Informalität, in der Zufall kein Bruch, sondern ein stiller Mitstreiter ist.

Im Kern suche ich nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt zu direkter Erfahrung statt zur Intellektualisierung. Der oft gewählte bescheidene Maßstab soll Intimität statt Spektakel fördern.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind kein Sammelbegriff von getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Suche. Ich habe erkannt, dass eine Praxis, die auf stillem Paradox basiert, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Widerstandsfähigkeit werden.

Anton Kaestner