Anton Kaestner - #445 - S - " Harsh Nature 3/9 ".

#445 - S - " Harsh Nature 3/9 ".
Einzelstück, originales Werk von Anton Kaestner, direkt aus dem Pariser Atelier.

Sprühacryluck auf einer 3 mm Glasplatte.
Diese Malerei ist keine Druckreproduktion. Es handelt sich um ein originales Gemälde, das in mehreren Lagen Farbe und/oder Sprühfarbe entstanden ist, dessen glänzendes Finish "glossy" – vergleichbar mit dem Auftrag einer Harzschicht – einzigartig ist.
Es gehört zu einer Serie von 9 Gemälden (1/9 bis 9/9), von denen 8 noch verfügbar sind für einen Gesamtbetrag von 1700 € (8 gerahmte Gemälde). Bitte richten Sie Ihre Anfrage nach dem Kauf des ersten Gemäldes an.

Maße: 12,6 × 9,1 × 0,12 Zoll / 32 × 23 × 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hochwertiger deutscher Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (in Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen einen Aufpreis von 70 € erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden überall in Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste personale Ausstellung – Genf Januar 2027.

"Biografie

In Genf geboren, Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität war in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was schließlich zur Leidenschaft meines Lebens werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizblättern. Zunächst zog mich die nicht-figurative Malerei und der abstrakte Expressionismus an. Mit der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheist betrachte, auch eine Zuneigung zu spirituellen Materialien, da sie mit meiner Auseinandersetzung mit menschlicher Existenz, Melancholie und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz standen.
Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftslaufbahn, die mich rund um den Globus führte, von den Vereinigten Staaten über Marokko, Belgien, durch ganz Asien bis Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wo immer ich war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Schwerpunkts meiner beruflichen Laufbahn war die Kunst immer Teil von mir, leise unter der Oberfläche simmernd. Fast 30 Jahre lang wurde Malerei zu einer Form geheimer Meditation – eine Möglichkeit, sich von der Welt zu lösen und sich auf das innere Ich zu konzentrieren.
Ich habe stets eine immense Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, eine Gelegenheit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.
Im Jahr 2021, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich dem Malen vollständig. Ich gründete mein Studio in Paris und begann, mich ganz meiner Kunst zu widmen. Bis Ende 2023 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und überraschenderweise gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand ihren Platz in Privatsammlungen in ganz Europa, besonders in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Soloausstellung, "Échos", in Paris Ende 2024, zeigte einen unverwechselbaren Ansatz in der Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite recycelten extrudierten Plexiglases, eine leichte, glatte, glänzende und manchmal zerbrechliche Oberfläche.
Dieser Prozess hindert mich daran, das Werk während der Entstehung zu sehen. Ich habe kein visuelles Feedback oder keine Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft zu überlisten! – den Verlauf, die Schichten und Spiegelungen, die ich schaffe, zu lenken und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs- / Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen angereichert, geben jedem Werk jedoch eine „asketische“ Qualität: Ich bin zufrieden, wenn ich unerkennbare Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir stillstehen und Licht zulassen.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder "Emotion" noch "theoretische Vorstellung", sondern das Erleben des Seins. Weder „rapid consumption“ noch „Intellektualisierung / intellekter Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erkundung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Innersten des Lebens“, le vif, wie der französische SF-Meister Alain Damasio es ausdrücken würde.
Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erinnert, bleibt sie doch nahezu völlig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erblicken kann, bei jedem neuen Betrachter verschieden. Jedes Werk wirkt wie ein dezenter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch die fehlenden Teile, erfordert lediglich Empathie. Hoffentlich wird der Dialog zwischen „Details für Nahansicht“ und „Distanz für das Ganze“ die Betrachter zu eigenen, introspektiven Reisen anregen.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu besitzen, und möchte dem, was erreicht werden kann, Demut entgegenbringen. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im kontinuierlichen Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu treiben, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich leisten kann. Malerei ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Entdeckungsreise, eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche zu entfachen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft zu sehen."

Anton Kaestner