Anton Kaestner - #444 - S - " Harsh Nature 2/9 ".

#444 - S - " Harsh Nature 2/9 ".
Einzelstück, originales Werk von Anton Kaestner, direkt aus dem Pariser Atelier.

Acrylspray auf 3 mm Glasplatte.
Dieses Bild ist keine Reproduktion. Es handelt sich um ein originales Gemälde, das in mehreren Farbschichten und/oder Sprühschichten entstanden ist, dessen glänzendes, glossy Aussehen, das an den Auftrag einer Harz- oder Resinenoberfläche erinnert, einzigartig ist.
Es gehört zu einer Serie von 9 Gemälden (1/9 bis 9/9), von denen 8 noch verfügbar sind, zu einem Gesamtpreis von 1700 € (8 gerahmte Gemälde). Bitte wenden Sie sich nach dem Kauf des ersten Bildes an uns, wenn Sie weitere Informationen wünschen.

Dimensionen: Inch 12,6 x 9,1 x 0,12 / 32 x 23 x 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen der deutschen Qualitätsmarke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) empfohlen und bei Versand für zusätzlich 70€ erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein in Genf geborener Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden europaweit, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf Januar 2027.

"Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfältigkeit meines Heimatlandes umgeben auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Keim dafür legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen und experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern. Zunächst zog mich die nicht-figurative Malerei und der abstrakte Expressionismus an. Mit der Zeit entwickelte ich, auch wenn ich mich selbst als Atheisten sehe, eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie meiner Erforschung menschlicher Existenz, Melancholie und der tieferen Wahrheiten von Natur und Leben Rechnung tragen.
Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort gefunden.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um den Globus führte – von den USA über Marokko, Belgien, durch ganz Asien bis nach Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und führten zu einer Vielzahl kultureller Einflüsse. Wohin ich auch ging, tauchte ich in die lokalen Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, still in mir keimend. Seit fast 30 Jahren wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation – ein Weg, aus der Welt auszubrechen und mich meinem Inneren zu widmen.
Ich habe stets große Befriedigung beim Malen empfunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, in der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine ehrliche Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.
2021, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich vollständig dem Malen. Ich gründete mein Atelier in Paris und begann, mich ganz meiner Kunst zu widmen. Ende 2023 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in privaten Sammlungen in ganz Europa Aufnahme, insbesondere in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, präsentierte einen unverwechselbaren künstlerischen Ansatz, fernab herkömmlicher Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, Metallpigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas – einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche.
Dieser Prozess hindert mich daran, das Werk während der Entwicklung zu sehen. Ich habe während des Schaffens keinen visuellen Rückmeldungen oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse "zufällige Experimente" – alles ist erlaubt, um die Vernunft zu kappen! – den Ausgang, die Schichten und Spiegelungen, die ich schaffe, zu lenken und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Dieser Ansatz, der mit dem Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie resoniert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, und verleihen jedem Werk eine "asketische" Qualität: Ich freue mich, wenn ich unabdingbare Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.
Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder "Emotion" noch "theoretische Konzeption" – sondern Erfahrung des Seins. Weder "schneller Konsum" noch "Intellectualisierung / intellektueller Besitz", sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem "Leben im Herzen des Lebens", dem vif wie der französische SF-Meister Alain Damasio es ausdrücken würde.
Vielleicht erinnert meine Arbeit manchmal an die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglasfenstern, bleibt dabei aber fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erahnen kann, die sich mit jedem neuen Betrachter unterscheidet. Jedes Werk wirkt wie ein dezenter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Spiel aus Licht, Farbe und Textur, auch die fehlenden Teile, erfordert nur Einfühlungsvermögen. Hoffentlich ermutigt das Spiel zwischen "Details nah" und "Distanz zum Ganzen" die Betrachter, sich auf eigene introspektive Reisen zu begeben.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber demütig bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu anspornt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich tägliches Handwerk, eine Entdeckungsreise, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagte: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft des Sehens."

Anton Kaestner