Tijs Dragtsma (1992) - A Cannon Exhales Doves

Ein Feldkanone steht waagerecht ausgerichtet und bereithalten, jedes Riemenband und Speichenrad gezählt, die ganze Maschine gefangen im halben Sekunde vor dem Abfeuern. Am Mündungsrand des Laufs, dort wo die Ladung Rauch spucken sollte, entlädt sich stattdessen eine Schar Tauben, Flügel bereits ausgebreitet, bereits in die Dunkelheit aufsteigend.

Keine Farbe, kein Druck, keine Tinte. Die Kanone behält ihre Form größtenteils als Schatten, ihre Räder, ihr Lauf, ihre Wagenpritsche im Schwarz versenkt, nur durch ein schmales, nervöses Licht entlang der Felgen und Speichen hervorgehoben, ein Feld feiner Kratzer, direkt in die Oberfläche des Acrylglases gearbeitet, statt darauf aufgetragen.

Noch seltsamer ist der Boden, auf dem sie steht. Der Schatten, den die Kanone über die Erde wirft, ist keineswegs düster, er ist der hellste Passagier unter der Waffe, ein Feld einzelner Spuren, das mehr Licht einfängt als die Waffe, die es wirft, als ob der Boden selbst sich an etwas erinnert, das die Kanone bereits losgelassen hat.

Über dem Lauf nehmen die Vögel fast das gesamte Restlicht des Bildes auf. Flügel um Flügel lösen sie sich zu den klarsten Formen der gesamten Komposition, klettern aus einer Maschine, die nur darauf gebaut ist zu zerstören, und tragen das wenigste Leuchten hoch und fort von ihr.

A Cannon Exhales Doves gehört zu No Man's Land, einer Serie in Art with Scratch von Tijs Dragtsma, in der Bilder durch kontrollierte Oberflächenbeschädigung statt durch Pigment oder Druck konstruiert werden, und in der ebendiese Beschädigung zu einer Art wird zu fragen, wofür eine Waffe gut ist, sobald sie nicht mehr befolgt wird.

Das Bild ist immer präsent, bei Tageslicht genauso wie unter einem einzelnen gerichteten Licht. Licht erschafft es nicht, es schärft es, die Speichen gewinnen eine letzte harte Kante und die Tauben einen kurzen zusätzlichen Glanz, bevor das Auge wieder in die Dunkelheit zurückkehrt. Es liest sich aus verschiedenen Blickwinkeln verschieden, ohne jemals das Bild zu verlieren.

Aus einer Distanz gelesen, erscheint das Werk als eine klare Geste, eine Kanone lässt etwas gehen. Nah betrachtet ist es nur ein Feld aus Kratzern, geduldig und exakt, das einen Widerspruch hält, den kein Schlachtfeld je auflösen konnte.

„Sogar die lauteste Maschine kann so verändert werden, dass sie etwas Sanftes ausstößt.“

Über Art with Scratch

Art with Scratch ist eine Bilderserie, in der das Bild nicht gezeichnet, sondern freigesetzt wird. Riefenweise in eine tiefe schwarze Oberfläche eingeschnitten, entstehen die Werke durch unzählige präzise Kratzer, die das Licht fangen und aus der Dunkelheit Form hervortreten lassen.

Aus der Ferne wirkt das Bild fast fotografisch. Kraftvoll, erkennbar und voller Präsenz. Doch von nah lösen sich die Arbeiten in ein dichtes Feld einzelner Spuren auf. Fein, zerbrechlich und fast schwerelos. Was fest schien, offenbart sich als zartes Netz von Linien, jede eine bewusste Geste, jede essenziell für das Ganze.

Licht schafft das Bild nicht. Es schärft es. Die schwarze Oberfläche absorbiert, während die gekratzten Linien reflektieren. Wenn das Licht über die Oberfläche wandert, atmet das Bild. Aus einem Blickwinkel steht die Figur klar und definiert. Aus einem anderen mildert sie sich und kehrt zurück in die Dunkelheit, aus der sie kam, ohne jemals zu verschwinden. Unter fokussiertem Spotlight vertiefen sich der Kontrast und das Bild erhält eine skulpturale, fast leuchtende Qualität.

Was dieses Medium so fesselnd macht, ist seine stille Spannung. Das Kratzen ist direkt und irreversibel. Jede Linie ist eine Entscheidung, die nicht rückgängig gemacht werden kann. Doch das Ergebnis ist nicht hart. Es ist intim, atmosphärisch und voller Bewegung. Härte wird zu Sanftheit. Zerstörung wird zu Schöpfung. Abwesenheit wird Gegenwart.

In Werken wie diesem Porträt ist die Figur nie völlig festgelegt. Durch das Wechselspiel aus Linie, Licht und Schatten verschiebt sich das Bild mit Perspektive und Stimmung. Zu bestimmten Momenten scheint das Subjekt aus dem Schwarzen herauszutreten. An anderen ordnet es sich wieder in Ruhe. In dieser Bewegung, zwischen Schärfe und Gelassenheit, lebt das Werk auf.

Wie alle Materialien, die Zeit berührt, trägt die Oberfläche ihr eigenes ruhiges Leben. Jede Kratzspur hält einen Moment, einen Atemzug, eine Geste. Gemeinsam bilden sie nicht nur ein Bild, sondern eine Gegenwart, die sich mit jeder Lichtwechselanzeige weiter offenbart.

Über den Künstler

Mein Name ist Tijs Dragtsma, Gründer von TD Fine Art Studio.

Als Künstler treibt mich der ständige Wunsch an, neue visuelle Sprachen zu erforschen. Ich sehe Kunst nicht als festen Stil, sondern als sich entwickelndes Feld der Entdeckung, in dem Material, Struktur, Licht und Emotion zusammenkommen.

Meine Arbeit beginnt oft mit einer einfachen Frage. Wie kann ein Material auf neue Weise sprechen. Wie kann Härte Intimität werden. Wie kann Präzision Emotion erzeugen. Diese Suche liegt dem Kern dessen zugrunde, was ich schaffe.

Innerhalb von TD Fine Art Studio wird jedes Werk als eigene Welt behandelt, mit eigener Logik, Atmosphäre und visueller Identität. Manche Arbeiten entstehen durch Rhythmus, Wiederholung und Struktur. Andere entstehen durch Abwesenheit, Schatten, Reflexion oder Spannung. Was sie verbindet, ist ein gemeinsames Engagement für Originalität, Klarheit und emotionale Gegenwart.

Ich bin fasziniert von Kontrast. Zwischen Stärke und Zerbrechlichkeit. Zwischen Kontrolle und Gefühl. Zwischen dem Sichtbaren und dem, was offen für Interpretation bleibt. Mein Ziel ist es nicht einfach, ein Bild zu machen, sondern ein Werk zu schaffen, das Aufmerksamkeit hält, zur Reflexion einlädt und sich mit der Zeit weiter offenbart.

TD Fine Art Studio ist der Raum, in dem diese Erkundungen zusammenkommen. Es ist nicht nur ein Studio, sondern ein sich entwickelndes künstlerisches Universum, geformt von Neugier, Präzision und dem Bestreben, Arbeiten zu schaffen, die sich unverwechselbar, absichtlich und lebendig anfühlen.