Anton Kaestner - #481 - M - " Punta del Este #2 ".

Unikate, Originalgemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#481 - M - " Punta del Este #2 ".

Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte (UV-beständig).
Dieses Bild ist keine Druckerei. Es handelt sich um ein originäres Werk der „Multi-Schichten“-Technik, dessen glänzende, glasartige Oberfläche einer Massengehens-Resinauftrag nahekommt und einzigartig ist.

Abmessungen: Inch 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Qualitätsrahmen der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 520, Eiche Weiß furniert (Inch 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 90€ inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist versichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, der Schweiz und Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, Januar 2027.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich inmitten der natürlichen Schönheit und kulturellen Reichtums meines Heimatlandes auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was später einmal zur Leidenschaft meines Lebens werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, große Bilder würden einem direkt entgegenkommen, herrisch und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Zuneigung auslösen können. Zuerst zog mich nicht-figurative Malerei und abstrakter Expressionismus an.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich zudem eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung menschlicher Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz stehen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten bis Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wo immer ich hinging, tauchte ich in die lokalen Kunstszenen ein und ließ mich von der kreativen Energie des Ortes tragen.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war die Kunst immer Teil von mir, ruhig unter der Oberfläche simmernd. Seit fast 30 Jahren wurde Malerei zu einer Form innerer Meditation für mich – ein Weg, aus der Welt auszubrechen und mein inneres Selbst zu fokussieren.

Ich habe stets große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, in der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine ehrliche Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, ihnen zu ermöglichen, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Ausscheiden aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich ganz dem Malen verschrieben. Ich richtete mein Studio in Paris ein und begann, mich vollständig meiner Kunst zu widmen. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere und, zu meiner Überraschung, gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand Heimat in Privatkollektionen in ganz Europa, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Atelier in einer leeren Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, die im späten Jahr 2024 in Paris stattfand, zeigte einen unverwechselbaren Ansatz zur Kunst fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal fragilen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk schon bei der Entstehung sehen kann. Ich habe während des Arbeitsprozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich gestatte „zufälligen Experimenten“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft zu überlisten! – den Verlauf, die Schichten und Spiegelungen zu lenken und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber um es klar zu sagen: In meinen Bildern entscheidet niemals das Zufallsprinzip; höchstens stellt es Fragen; bedeutsame „Zufälle“ sind nur mit großem Disziplinaufwand möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenbarungs-/Fixationsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich erkenne, was wir feststellen, wenn wir still und Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellectualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Bewusstseinsvergrößerung und Erkundung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten. Meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, dem, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde objekthaft. Wie alle Objekte sind sie eigenständige Objekte. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein noch Zweck oder Ziel haben. Während meine Arbeit manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Glasmalerei evoziert, bleibt sie doch fast vollständig abstrakt. Darüber hinaus verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erkennen kann, die sich von jedem neuen Betrachter unterscheidet. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Struktur sowie von fehlenden Teilen erfordert nur Einfühlungsvermögen. Hoffentlich wird der Dialog zwischen „Details für den Nahbereich“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz für das Ganze“ die Betrachter dazu anregen, eigene introspektive Reisen zu beginnen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, demütig begegnen. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im kontinuierlichen Prozess des Hinterfragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung ist eine Konfrontation mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich eine tägliche Handwerkskunst, eine Erkundung, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.“

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Panorama der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleichgestellt sind, strebe ich danach, Arbeiten zu schaffen, die nicht durch Überlegenheit, sondern durch Präsenz definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht innerhalb von Plexiglas – sind die stillen Ergebnisse einer langen und gezielten Forschnung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger auf dem endgültigen Bild als auf dem ruhigen Wechselspiel von Gedanke und Prozess, der es entstehen lässt.

Diese Praxis fußt auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus der auferlegten Bedeutung. Indem ich die Arbeiten als „ohne Objekt“ beschreibe und „weder Inhalt, noch Sinn, noch Bedeutung“ verankere, hoffe ich, sanft die Erwartung einer narrativen Deutung zu lockern. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und einer direkteren Art des Sehens zuzustreben.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Vorrangstellung gelebter Erfahrung. In diesem offenen Raum versuche ich, das, was ich als „Erfahrung des Seins“ betrachte, zu platzieren. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und dem schwachen Spiegel des Zuschauers, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft festhalte, „lebt es, es verändert sich, es sieht“.

Der dritte Punkt ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freisetzung der Kontrolle beim Schaffen. Ich setze Bedingungen, überlasse jedoch dem Ergebnis die Entfaltung und lasse das Gemälde zu einem eigenständigen „Objekt für sich“ werden, das erst vollständig offenbart wird, wenn es abgeschlossen ist. Es ist ein stiller Gleichklang zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt entsteht.

Diese Absichten werden von einigen sanften Paradoxien getragen, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von bedeutsamen „Koinzidenzen“, doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, doch die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, etwas zu kommunizieren durch Werke, die ich sinnlos nenne. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Stille.

Nostalgie der Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie richtet sich merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverzichtbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert ruhige Aufmerksamkeit, strebt jedoch ein Ergebnis an, das autonomen Charakter hat, als ob es „aus eigenem Antrieb entstanden wäre“. Ich fühle mich zu dem angezogen, was sich als unvermeidlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl gewonnen, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat“. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Qual und mehr Ruhe – einer Informalität, in der Zufall keine Unterbrechung, sondern ein stiller Mitarbeiter ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die oft von mir gewählte bescheidene Größe soll Intimität fördern, kein Spektakel.

Letztlich ist dies einfach der Weg eines Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Suche. Ich habe erkannt, dass eine Praxis, die auf stillem Paradox basiert, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner