Anton Kaestner - #486 - M - " Paysage #2 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#486 - M - " Landschaft #2 ".

Sprüh-Acryl auf 3 mm Plexiglasplatte (UV-Schutz).
Dieses Gemälde ist keine Druckreproduktion. Es handelt sich um ein originales Werk in mehreren Schichten, dessen glänzende Oberfläche "glossy" einer Resinauftragung nahekommt und einzigartig ist.

Abmessungen: Zoll 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hoher Qualität der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 520 Ahorn Weiß furniert (Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 90€ inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor, mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden überall in Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung - Genf, Januar 2027.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meines Heimatlandes auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was schließlich zur Leidenschaft meines Lebens werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in Notizbüchern im A4- und dann A3-Format – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, dominierend und einschüchternd, während kleine Arbeiten viel mehr Zuneigung inspirieren können. Zunächst zog mich nicht-figurative Malerei und abstrakter Expressionismus an.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung menschlicher Existenz und der tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz standen.

Der Weg zum eigentlichen Künstlersein war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die ganze Welt führte – von den USA bis Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Überall, wohin ich ging, tauchte ich in lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftstätigkeit war Kunst immer Teil von mir, still vor sich hin köchelnd. Fast dreißig Jahre lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, sich von der Welt zu lösen und sich auf mein innerstes Selbst zu konzentrieren.

Ich habe stets große Zufriedenheit im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst habe ich immer gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit zu sehen, die Welt aus einer anderen Perspektive zu betrachten und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich vollständig dem Malen verschrieben. Ich gründete mein Atelier in Paris und widmete mich fortan ganz meiner Kunst. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand Heime in Privatsammlungen in ganz Europa, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Atelier in einer freien Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Werdegang

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen markanten Ansatz zur Kunst, fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprühdosen auf der Rückseite recycelten extrudierten Plexiglases (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles geht, um den Verstand zu überlisten! – den Ausgang, die Schichten & Spiegelungen leiten und Raum für Offenbarung und Entdeckung lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber Klartext: In meinen Bildern entscheidet niemals der Zufall; höchstens fragt der Zufall die Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, yet jedem Werk eine „asketische“ Qualität verliehen: Ich bin zufrieden, wenn ich „unverzichtbare Notwendigkeiten“ erkenne, also das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und hell bleiben.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Gefühl“ noch „theoretische Konzeption“, sondern die Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten, meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, für das, was Alain Damasio „le vif“ nennt. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte an sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein noch Ziel haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas zu erahnen scheint, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Außerdem bietet Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette sehen kann — jedem neuen Betrachter verschieden. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird der Dialog zwischen „Details für das Nahsehen“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Entfernung zum Ganzen“ die Betrachter dazu ermutigen, auf eigene introspektive Reisen zu gehen.

Ich beanspruche nicht, alle Antworten zu haben, und möchte demütig bleiben in dem, was erreicht werden kann. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu zwingt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich schaffen kann. Malerei bedeutet mir tägliches Handwerk, eine Entdeckungsreise, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche zu führen, eine Suche nach einer Farbe, die perfekt ist und die uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Der tägliche Praxis multipliziert die Leidenschaft für das Sehen."

Zur Kohärenz in meiner Praxis

Im Panorama der zeitgenössischen Kunst, in der Konzept und Form gleich viel Gewicht haben, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Gewichtung, sondern durch Präsenz definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht in Plexiglas – sind die ruhigen Ergebnisse einer langen und rigorosen Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als im stillen Spiel von Gedanke und Prozess, das es entstehen lässt.

Diese Praxis beruht auf drei aufeinander abgestimmte Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus Zwangsdeutung. Indem ich die Werke als „ohne Gegenstand“ beschreibe und sie „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ haben lasse, hoffe ich, die Erwartung einer Erzählung sanft zu lockern. Es ist eine Einladung, sich vom Entschlüsseln zu lösen und zu einer direkteren Art des Anschauens zu finden.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Primärität gelebter Erfahrung. In diesen offenen Raum setze ich, was ich für ein „Erleben des Seins“ halte. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch schimmerndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegeln des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft festhalte, „lebt, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist dort, wo Idee und Hand zusammentreffen: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite des Plexiglases, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle im Schaffen. Ich setze Bedingungen, aber verzichte auf das Ergebnis und lasse das Gemälde zu dem werden, was ich als eigenständiges „Objekt an sich“ bezeichne, das erst vollständig offenbart wird, wenn es abgeschlossen ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten halten einige sanfte Paradoxien aufrecht, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von „sinnvollen ‚Zufällen’“, doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein gern gesehener Gast, aber die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, etwas zu „kommunizieren“ durch Werke, die ich sinnlos nenne. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie bleibt in der Arbeit, richtet sich jedoch merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverzichtbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert gleichbleibende Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis, das autonom wirkt, als sei es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem angezogen, was sich als völlig unvermeidlich anfühlt.
In diesem Sinn habe ich das Gefühl entwickelt, dass das „Zeitalter des Informellen“ erst begonnen hat. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, wenn auch vielleicht mit weniger Qual und mehr Gelassenheit – eine Informalität, in der Zufall keine Unterbrechung ist, sondern ein stiller Mitstreiter.

Im Kern ist dies eine Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Der oft gewählte überschaubare Maßstab soll Intimität statt Spektakel fördern.
Am Ende ist dies einfach der Weg eines Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die in stillen Paradoxien verwurzelt ist, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner