Anton Kaestner - #497 - M - " Djebel ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#497 - M - " Djebel ".

Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte (UV-beständig).
Dieses Bild ist keine Druckware. Es handelt sich um ein originales Werk in mehrschichtiger Technik, dessen glänzende, resin-ähnliche Oberfläche einzigartig ist.

Abmessungen: Zoll 19,7 × 15,4 × 0,12 / 50 × 39 × 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hochwertiger deutscher Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 524, Eichenfurnier (Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) oder andere empfohlene Finishs, erhältlich beim Versand gegen zusätzlichen Betrag von 90 € brutto.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Eine Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung - Genève Januar 2027.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Grundstein für das legte, was schließlich zur Leidenschaft meines Lebens werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – ich habe mich immer so gefühlt, dass große Bilder einem direkt begegnen, dominierend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zuerst zog mich nicht-figurative Malerei und abstrakter Expressionismus an.
Mit der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheisten betrachte, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben resonierten.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort klar.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte, von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko, Belgiе, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wo immer ich hingehe, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und suchte die schöpferische Energie jedes Ortes.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, still in der Tiefe brieselnd. Fast 30 Jahre lang wurde Malerei zu einer Art heimlicher Meditation – ein Weg, sich von der Welt zu lösen und sich auf das innere Selbst zu konzentrieren.

Ich habe immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich ganz dem Malen verschrieben. Ich habe ein Studio in Paris eingerichtet und mich vollständig meiner Kunst gewidmet. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit schnell Anerkennung und fand Aufnahme in private Sammlungen in ganz Europa, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leeren Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", Ende 2024 in Paris, zeigte einen eigenständigen Ansatz zur Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perspex), eine leichte, glatte, glänzende und manchmal zerbrechliche Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk beim Entstehen sehe. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft zu überlisten – das Ergebnis, die Schichten & Spiegelungen zu lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber um es klar zu sagen: In meinen Bildern entscheidet nicht der Zufall; höchstens stellt er Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie resoniert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und geben jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich bin zufrieden, wenn ich die „unzerstörbaren Notwendigkeiten“ erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und im Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder "Emotion" noch "theoretische Konzeption", sondern Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellekter Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten. Meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, für das, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte überhaupt. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Männer oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein noch ein Ende noch Sinn haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas evoziert, bleibt sie fast ganz abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erahnen kann, die sich mit jedem neuen Betrachter unterscheidet. Jedes Werk wirkt wie ein disksreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel aus Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird das Spiel zwischen „Details für Nahsicht“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz zum Ganzen“ die Betrachter zu eigenen introspektiven Reisen anregen.

Ich beanspruche nicht, alle Antworten zu haben und bleibe demütig gegenüber dem, was erreicht werden kann. Einfach gesagt finde ich Zufriedenheit im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachstums. Jedes neue Schaffen ist eine Konfrontation mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutsame Gespräche zu entfachen, eine Suche nach einer Farbe so perfekt, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis multipliziert die Leidenschaft zu sehen."

Zur Kohärenz in meiner Praxis

Im Gefüge der Gegenwartskunst, in der Konzept und Form gleichermaßen Gewicht haben, suche ich nach Arbeiten, die nicht durch Vorherrschaft, sondern durch Präsenz definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Farb- und Lichtfelder im Plexiglas – sind stille Ergebnisse einer langen und sorgfältigen Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als im stillen Wechselspiel von Gedanken und Prozess, das dessen Entstehung ermöglicht.

Diese Praxis ruht auf drei aufeinander ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus aufgedrängter Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und sie „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ haben lasse, hoffe ich, die Erwartung narrativer Deutung sanft zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren abzuwenden und zu einer direkteren Art des Hinsehens überzugehen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Primacy der gelebten Erfahrung. In diesen offenen Raum lege ich das, was ich als eine „Erfahrung des Seins“ betrachte. Das Werk wird weniger zu einem Objekt zur Interpretation, sondern zu einem stillen Ereignis zum Fühlen – geformt durch wandelndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegelbild des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft bemerke, „lebt das Stück, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, Arbeiten ohne visuelles Feedback, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle beim Schaffen. Ich setze Bedingungen, aber lasse das Ergebnis los, sodass das Gemälde zu dem werden kann, was ich ein unabhängiges „Objekt an sich“ nenne, das erst vollständig offenbart wird, wenn es fertig ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten halten ein paar sanfte Paradoxien, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufällen“, doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke zu „kommunizieren, was bedeutungslos“ ist. Vielleicht besteht das Gemeinte nicht in einer Aussage, sondern in einem Zustand – einer Textur aus Licht, einer stillen Gegenwart, einer palpabelen Stille.

Nostalgie der Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie zielt merkwürdig auf das Hier und Jetzt: Eine Sehnsucht nach den „unzerstörbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – dem Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst leise bietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert konstante Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis, das autonom wirkt, als wäre es aus eigenem Antrieb entstanden. Ich fühle mich zu dem berufen, was sich als vollkommen unabwendbar anfühlt.
In diesem Geiste habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat.“ Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, wenn auch vielleicht mit weniger Qual und mehr Gelassenheit – eine Informalität, in der Zufall kein Bruch, sondern stiller Mitgestalter ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Das oft gewählte bescheidene Format soll Intimität statt Spektakel fördern.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die in stiller Paradoxie verankert ist, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen meiner Meinung nach zu einer Quelle der Widerstandsfähigkeit werden.

Anton Kaestner