Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Unik piece, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#485 - M - "Paysage #1".

Acrylsprühfarbe auf 3 mm Plexiglasplatte (UV-beständig).
Dieses Gemälde ist keine Druckware. Es handelt sich um ein originals Werk "Multi-Layer", dessen glänzendes, resin-artiges Finish nahe der Anwendung eines Harzes einzigartig ist.

Dimensionen: Zoll 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ungerahmt geliefert.
Rahmen von hochwertiger deutscher Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 520, Birkenweiß (Eins 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 90€ inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Die Lieferung ist versichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor, mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und eine Auswahl finden Sie unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, Januar 2027.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat umgeben auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was später zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizheften – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf dich zukommen, dominant und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Mir zog es zunächst zum unfigurativen Malen und zum abstrakten Expressionismus.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz stehen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort da.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um den Globus führte, von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko, Belgien, Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine breite Palette kultureller Einflüsse mit sich. Wo immer ich hinging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und suchte die kreative Energie jedes Ortes.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, still vor sich hin köchelnd. Fast 30 Jahre lang wurde Malen zu einer Form stiller Meditation – ein Weg, der Welt zu entfliehen und sich auf mein innerstes Selbst zu konzentrieren.

Ich habe immer große Zufriedenheit im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, in der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen erleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich immer, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, die Möglichkeit zu bieten, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rückzug aus meine Geschäftskarriere, widmete ich mich voll dem Malen. Ich gründete mein Atelier in Paris und widmete mich fortan ganz meiner Kunst. Bis Ende 2024 begann ich eine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand Platz in Privatsammlungen in ganz Europa, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Atelier in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", in Paris Ende 2024 zeigte einen markanten Kunstansatz, der sich von traditionellen Maltechniken entfernte: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal brüchigen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles ist erlaubt, um Vernunft zu überbrücken! – den Ausgang, die Schichten & Spiegelungen zu führen und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber lassen Sie uns klar sein: In meinen Bildern trifft Zufall keine Entscheidungen; höchstens stellt Zufall Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit erheblicher Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenbarungs-/Entwicklungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk dennoch eine asketische Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich irreduzible Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und hell anhalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellekter Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, nach dem, was Alain Damasio „le vif“ nennt. Obwohl Nostalgie schon immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls keinen Grund zum Sein, kein Ende und keinen Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas heraufbeschwört, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erkennen kann, die bei jedem neuen Betrachter anders ist. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Wechselspiel von Licht, Farbe und Textur, von den fehlenden Teilen, erfordert nur Empathie. Hoffentlich ermutigt das Spiel zwischen „Details für die Nahsicht“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz zum Ganzen“, die Betrachter zu ihren eigenen introspektiven Reisen, zu gehen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach gesagt finde ich Zufriedenheit im fortwährenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Schaffen ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche zu entfachen, eine Suche nach einer Farbe so perfekt, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Landschaftsraum der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleich viel Gewicht haben, strebe ich danach, Arbeiten zu schaffen, die nicht durch Bedeutung dominieren, sondern durch Gegenwart definiert werden. Meine Gemälde – schimmernde Farbfelder und Licht im Plexiglas – sind die leisen Ergebnisse einer langen und bewussten Forschung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger auf dem finalen Bild als auf dem stillen Zusammenspiel von Gedanken und Prozess, das es hervortreten lässt.

Diese Praxis ruht auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist eine Rücknahme von aufgezwungener Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und sie als „weder Inhalt, noch Sinn, noch Bedeutung“ darstelle, hoffe ich, die Erwartung einer Narration sanft zu lockern. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und zu einer direkteren Art des Sehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Vorrangstellung gelebter Erfahrung. In diesen offenen Raum versuche ich zu legen, was ich für eine „Erfahrung des Seins“ halte. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegelbild des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft festhalte, „lebt, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite des Plexiglases, ohne visuelles Feedback arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle im Akt des Schaffens. Ich setze Bedingungen, aber überlasse dem Ergebnis, sodass das Gemälde zu dem wird, was ich ein unabhängiges „Objekt an sich“ nenne, das erst vollständig offengelegt wird, wenn es abgeschlossen ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Neben diesen Absichten gibt es einige sanfte Paradoxien, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von „bedeutungsvollen ‘Zufällen’“, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich als bedeutungslos bezeichne, etwas zu kommunizieren. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur von Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Ruhe.

Nostalgie der Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie richtet sich merkwürdig auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverzichtbaren Notwendigkeiten“, die in „Stille und Licht“ gefunden werden – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert beständige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als wäre es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem angezogen, was sich als unvermeidlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat.“ Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, wenngleich vielleicht mit weniger Qual und mehr Ruhe – eine Form von Informalität, bei der Zufall kein Bruch ist, sondern ein stiller Mitstreiter.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zu direkter Erfahrung als zur Intellektualisierung. Das oft von mir gewählte bescheidene Format soll die Intimität fördern, nicht das Spektakel.

Letztlich ist dies einfach der Weg eines Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Überlegungen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe herausgefunden, dass eine Praxis, die auf stillen Paradoxen gründet, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen meiner Überzeugung nach zu einer Quelle der Widerstandsfähigkeit werden.

Anton Kaestner