Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Unikat, Originalgemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#484 - M - " Landschaft #2 ".

Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte (UV-beständig).
Dieses Bild ist keine Druckreproduktion. Es handelt sich um ein originales Werk "multi-layer" dessen glänzende, resinenähnliche Oberfläche einzigartig ist.

Abmessungen: 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von Qualitätsmarke Nielsen (deutschland) aus Aluminium, Referenz 34 520 Eichenholz Weiß (inches 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) empfohlen und bei Versand für zusätzlich 90€ brutto erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Die Lieferung ist versichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung - Genf Januar 2027.

Biografie

In Genf, Schweiz geboren, wuchs ich in der natürlichen Schönheit und kulturellen Fülle meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen für dessen Lebensleidenschaft legte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – ich habe stets das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf dich zukommen, prall und einschüchternd, während kleine Arbeiten viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst zog mich nicht-figurative Malerei und abstrakter Expressionismus an.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich selbst als Atheisten betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung des menschlichen Daseins und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz standen.

Der Weg, wirklich ein Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort da.
Mehr als drei Jahrzehnte lang verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um den Globus führte – von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko, Belgien, durch Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wohin ich auch ging, vertiefte ich mich in die lokale Kunstszene und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, leise unter der Oberfläche kochend. Seit fast 30 Jahren wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, aus der Welt auszubrechen und mein inneres Selbst zu fokussieren.

Ich habe in der Malerei stets immense Befriedigung gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, in der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen leben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine ehrliche Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über ihr eigenes Leben nachzudenken.

2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich vollständig der Malerei verschrieben. Ich habe mein Studio in Paris gegründet und mich ganz meiner Kunst gewidmet. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit schnell Anerkennung und fand Zuhause in Privatsammlungen in ganz Europa, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", am Ende des Jahres 2024 in Paris zeigte einen distinktiven Ansatz zur Kunst, fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite recycelten extrudierten Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entwicklung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse "willkürliche Experimente" – alles darf geschehen, um den Verstand zu überlisten – die Gestalt, die Schichten und Spiegelungen zu lenken, und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Werk schließlich ausgestellt wird. Aber klar gesagt: In meinen Bildern trifft Zufall keine Entscheidungen; höchstens fragt der Zufall nach Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenlegungs-/Fixierungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich freue mich, wenn ich unverrückbare Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder "Emotion" noch "theoretische Konzeption", sondern das Erleben des Seins. Weder "schneller Konsum" noch "intellektualisierung / intellektueller Besitz", sondern Bewusstseinserweiterung und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten – meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Kern des Lebens“, dem, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Gegenstand. Wie alle Objekte sind sie Objekte an sich. Sie haben weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls keinen Grund zum Sein, kein Ende und keinen Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas heraufbeschwört, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas der Malerei eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erahnen kann – von jedem neuen Betrachter verschieden. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur sowie auch die fehlenden Teile erfordert nur Empathie. Hoffentlich regt das Spiel zwischen „Details für Nahsicht“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz für das Ganze“ die Betrachter zu eigenen introspektiven Reisen an.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte demütig bleiben in Bezug darauf, was erreicht werden kann. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Hinterfragens und Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich leisten kann. Malerei ist für mich eine tägliche Beschäftigung, eine Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche zu entfachen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.“

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Landschaftsbild der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleichwertiges Gewicht haben, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Überlegenheit, sondern durch Gegenwart definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Farb- und Lichtfelder im Plexiglas – sind ruhige Ergebnisse einer langen und bedachten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger auf dem endgültigen Bild als auf dem stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es entstehen lässt.

Diese Praxis fußt auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus vorgegebenem Sinn. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und sie „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ haben, hoffe ich sanft, die Erwartung einer Narration zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und zu einer direkteren Art des Hinsehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: die Vorrangstellung gelebter Erfahrung. In diesem offenen Raum versuche ich, das, was ich als „Erlebnis des Seins“ bezeichne, hineinzulegen. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Farbschichten und das schwache Spiegeln des Betrachters, der seinen eigenen Blick trifft. Wie ich oft feststelle, „lebt, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist der Moment, in dem Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malerei auf der Rückseite des Plexiglases, Arbeiten ohne visuelles Feedback, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle beim Machen. Ich setze Bedingungen, übergebe aber das Ergebnis, lasse das Gemälde zu dem werden, was ich als eigenständiges „Objekt an sich“ bezeichne, das erst when vollständig offenbart wird. Es ist ein stiller Parallel zum fotografischen Entwickeln – ein geduldiges Abwarten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten halten einige sanfte Paradoxien, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufällen“, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich meaningless nenne, etwas zu kommunizieren. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Präsenz, eine spürbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, zielt jedoch merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unabdingbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert beständige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als habe es sich „aus eigenem Antrieb entwickelt“. Ich fühle mich zu dem hin, was sich als vollkommen unausweichlich anfühlt.
In diesem Sinn habe ich das Gefühl entwickelt, dass das „Zeitalter des Informellen“ gerade erst begonnen hat. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel zu verdanken, vielleicht mit weniger Schmerz und mehr Ruhe – einer Informalität, in der Zufall keine Unterbrechung, sondern ein stiller Mitwirkender ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die bescheideneFormat der von mir oft gewählten Größe soll Intimität statt Spektakel fördern.
Am Ende ist dies einfach der Weg eines Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Jagd. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die auf stillen Paradoxien basiert, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner