Anton Kaestner - #464 - M - " Villerville #2 ".

#464 - M - " Villerville #2 ".
Einzelstück, originales Werk von Anton Kaestner, direkt aus dem normannischen Atelier.

Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte (UV-beständig).
Dieses Gemälde ist keine Druckreproduktion. Es handelt sich um ein originales, in mehreren Farbschichten und/oder Sprühschichten gemaltes Werk, dessen glänzende, „glossy“ Oberfläche, die an den Auftrag von Harz erinnert, einzigartig ist.

Abmessungen: 17,3 x 12,6 x 0,12 Zoll / 44 x 32 x 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von Qualitätshersteller Nielsen (deutsche Marke) aus Aluminium, Referenz 34 (0,23 x 1,38 Zoll / 0,6 x 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen einen Aufpreis von 90 € erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Originalitätszertifikat liegt bei.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden europaweit, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahlmöglichkeiten unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Genf Januar 27.

"Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, bin ich von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat umgeben aufgewachsen. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später in A3-Notizbüchern. Zunächst zog mich die nicht-figurative Malerei und der abstrakte Expressionismus an. Im Laufe der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz, Melancholie und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz standen.
Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort klar.
Über drei Jahrzehnte hinweg verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten über Marokko, Belgien, Asien bis Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten mich mit einer Vielzahl kultureller Einflüsse in Berührung. Wohin ich auch ging, vertiefte ich mich in die lokale Kunstszene und ließ mich von der kreativen Energie jedes Ortes tragen.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war Kunst immer ein Teil von mir, der leise unter der Oberfläche köchelte. Fast dreißig Jahre lang wurde Malen zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, der Welt zu entfliehen und mein inneres Selbst zu fokussieren.
Ich habe stets große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen leben kann. Durch meine Kunst hoffe ich immer, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.
Im Jahr 2021, nach dem Ausscheiden aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich ganz dem Malen verschrieben. Ich habe mein Studio in Paris eingerichtet und mich fortan ganz meiner Kunst gewidmet. Bis Ende 2023 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit schnell Anerkennung und fand ihren Platz in Privatsammlungen in ganz Europa, insbesondere in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, präsentierte einen einzigartigen künstlerischen Ansatz, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite recycelten extrudierten Plexiglases, einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal fragilen Oberfläche.
Dieser Prozess hindert mich daran, das entstehende Werk zu sehen. Während des Entstehungsprozesses habe ich kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich gestatte „zufälligen Experimenten“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft zu überlisten – die Ergebnisse, die Schichten und Spiegelungen zu lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Dieser Ansatz, der an den Offenlegungs- bzw. Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, verleihen jedem Werk jedoch eine „asketische“ Qualität: Ich bin zufrieden, wenn ich unverrückbare Notwendigkeiten erkenne, also das, was man wahrscheinlich entdeckt, wenn man in Stille und Licht innehält.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern das Erleben des Daseins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, dem „Vivid“ wie der französische SF-Meister Alain Damasio es ausdrücken würde.
Obwohl mein Werk manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erinnern mag, bleibt es fast völlig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, in der man die eigene Silhouette erhaschen kann, für jeden neuen Betrachter einzigartig. Jedes Werk wirkt wie ein dezenter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, von den fehlenden Teilen sogar, erfordert nur Empathie. Möge das Spiel zwischen „Detail für Nahsicht“ und „Abstand fürs Ganze“ die Betrachter dazu anregen, eigene introspektive Reisen zu beginnen.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und bleibe bescheiden darüber, was erreicht werden kann. Einfach gesagt finde ich Zufriedenheit im fortlaufenden Prozess des In-Frage-Stellens und Wachsens. Jedes neue Schaffen ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen bedeutet mir tägliches Handwerk, Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche zu entfachen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.“

Anton Kaestner