Anton Kaestner - #502 - L - " Grounded ".

#502 - L - " Grounded ".
Einzelstück, originales Werk von Anton Kaestner, direkt aus dem Pariser Atelier.

Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte (UV-Schutz).
Dieses Gemälde ist keine Drucksache. Es handelt sich um ein originales, gemaltes Werk, dessen glänzende Oberfläche "glossy" nahe der Anwendung von Harz einzigartig ist.

Abmessungen: 61,5 cm x 44 cm x 0,3 cm (waagrechte Maße) / Inch 24,2 * 17,3 * 0,12 ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hochwertiger deutscher Marke Nielsen aus Aluminium (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) empfohlen und bei der Versendung gegen Aufpreis von 120 € erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch Versicherung abgedeckt.

Anton Kaestner ist ein schweizerischer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden überall in Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, Januar 2027.

"Biographie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in der Naturpracht und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität war in meiner Familie von Wert, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was letztlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, probierte unzählige Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern aus. Zunächst zog mich nicht-figurative Malerei und der abstrakte Expressionismus an. Mit der Zeit, obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung des menschlichen Daseins, der Melancholie und den tieferen Wahrheiten der Natur und des Lebens resonierten.
Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte – von den USA über Marokko, Belgien, durch ganz Asien bis nach Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wo immer ich war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und suchte den kreativen Puls des Ortes.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war die Kunst immer Teil von mir, leise am Rand brodelnd. Fast drei Jahrzehnte lang wurde Malerei zur Form stiller Meditation – ein Weg, der mir half, mich von der Welt zu lösen und mich auf mein Innerstes zu konzentrieren.
Ich habe immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffte ich stets, anderen eine ehrliche Begegnung mit Schönheit zu bieten, ihnen die Welt aus einer anderen Perspektive sehen zu lassen und über ihr eigenes Leben nachdenken zu können.
Im Jahr 2021, nach dem Ausscheiden aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich dem Malen vollständig. Ich gründete mein Atelier in Paris und begann, mich ganz meiner Kunst zu widmen. Ende 2023 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und überraschenderweise gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand Platz in Privatsammlungen in ganz Europa, insbesondere in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Werdegang

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen unverwechselbaren Ansatz der Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas – einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche.
Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während seiner Entstehung sehe. Während des Entstehungsprozesses habe ich kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Erlaubt man mir "zufällige Experimente" – alles, was die Vernunft umgeht – das Ergebnis, die Schichten und Spiegelungen zu lenken, und lässt Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Dieser Ansatz, der an den Offenlegungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, verleihen jedem Werk jedoch eine "asketische" Qualität: Ich freue mich, wenn ich irreduzible Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir vermutlich entdecken, wenn wir still und im Licht innehalten.
Mein Ansatz bleibt bewusst einfach. Weder "Emotion" noch "theoretische Konzeption", sondern Erfahrung des Seins. Weder "schneller Konsum" noch "Intellektualisierung / intellektueller Besitz", sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erkundung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten – meine Kunst ist eine Suche nach dem "Leben im Herzen des Lebens", le vif, wie es der französische SF-Meister Alain Damasio auszudrücken pflegte.
Obwohl meine Arbeiten manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglasscheiben heraufbeschwören, bleiben sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erahnen kann – bei jedem neuen Betrachter anders. Jedes Werk wirkt wie ein dezenter Spiegel: es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Spiel von Licht, Farbe und Textur, auch das Fehlen bestimmter Teile, erfordert nur Einfühlungsvermögen. Hoffentlich wird das Wechselspiel zwischen "Detailbetrachtung aus der Nähe" und "Distanz zum Ganzen" die Betrachter dazu anregen, sich auf eigene introspektive Reisen zu begeben.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte demütig bleiben in Bezug darauf, was erreicht werden kann. Einfach gesagt finde ich Zufriedenheit im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich leisten kann. Malerei ist für mich tägliches Handwerk, eine Entdeckungsreise, eine Methode, sinnvolle Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis multipliziert die Leidenschaft fürs Sehen."

Anton Kaestner