Anton Kaestner - #447 - S - " Harsh Nature 5/9 ".

#447 - S - " Harsh Nature 5/9 ".
Einzelstück, originales Werk von Anton Kaestner, direkt aus dem Pariser Atelier.

Sprüh-Acryl auf 3 mm Glasplatte.
Dieses Gemälde ist keine Druckreproduktion. Es handelt sich um ein originales, in mehreren Lagen Farbe und/ oder Sprühnebel gemaltes Werk, dessen glänzende, glossy Oberfläche, ähnlich dem Auftrag einer Harzschicht, einzigartig ist.
Es gehört zu einer Serie von 9 Gemälden (1/9 bis 9/9), von denen 5 noch verfügbar sind, insgesamt 900 € (5 gerahmte Gemälde). Bitte fragen Sie nach, falls Sie es wünschen, nach dem Kauf des ersten Bildes.

Maße: 12,6 × 9,1 × 0,12 Zoll / 32 × 23 × 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hochwertiger deutscher Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (12,0 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 70 € verfügbar.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein Maler, Bildhauer und Autor aus der Schweiz mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz, in Dubai und in Japan ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Genf Januar 2027.

"Biografie
Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meines Heimatlandes auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was schließlich meine Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, probierte unzählige Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern aus. Zuerst fühlte ich mich zur abbildenden Kunst und zum abstrakten Expressionismus hingezogen. Im Laufe der Zeit, obwohl ich mich als Atheisten betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, die mit meiner Auseinandersetzung mit menschlicher Existenz, Melancholie und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz standen.
Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die Welt führte, von den USA über Marokko, Belgien, durch Asien bis Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wo immer ich war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und ließ mich von der kreativen Energie jedes Ortes tragen.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, still köchelnd unter der Oberfläche. Fast dreißig Jahre lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – eine Möglichkeit, mich von der Welt zu lösen und mich auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.
Ich habe immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen erleben kann. Durch meine Kunst habe ich immer gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, eine Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.
2021, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich dem Malen vollständig. Ich gründete mein Atelier in Paris und begann, mich ganz meiner Kunst zu widmen. Ende 2023 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in privaten Sammlungen in ganz Europa Bleiberecht, besonders in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung "Échos", in Paris Ende 2024, zeigte einen unverwechselbaren Ansatz zur Kunst, abseits herkömmlicher Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite recycleter extrudierter Plexiglasplatten, einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal fragilen Oberfläche.
Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles geht –, um das Ergebnis, die Schichten und Spiegelungen zu lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Dieser Ansatz, der an den Offenlegungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, verleihen jedem Werk jedoch eine „asketische“ Qualität: Ich bin zufrieden, wenn ich irreduzible Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir schweigen und lichtvoll innehalten.
Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder "Emotion" noch theoretische Konzeption, sondern die Erfahrung des Seins. Weder "rapid consumption" noch "Intellektualisierung / intellekter Besitz", sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sicht- und unsichtbaren Erzählungen; meine Kunst ist eine Suche nach "Leben im Herzen des Lebens", dem 'vif', wie der französische SF-Meister Alain Damasio es ausdrücken würde.
Während meine Arbeiten manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erinnern mögen, bleiben sie nahezu vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erkennen kann, die sich mit jedem Betrachter ändert. Jedes Werk wirkt wie ein dezenter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert Empathie. Hoffentlich wird das Spiel zwischen "Details für Nahsicht" und "Distanz für das Ganze" die Zuschauer dazu anregen, sich auf eigene introspektive Reisen zu begeben.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber demütig bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Hinterfragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Entdeckungsreise, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche zu entfachen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen."

Anton Kaestner