Anton Kaestner - #510 - M - " Suncub ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#510 - M - "Suncub".

Acrylspray auf 3mm Plexiglasplatte (UV-beständig).
Dieses Gemälde ist keine Druck- reproduction. Es handelt sich um ein originales Werk "Multi-Schichten", dessen glänzendes, resinenähnliches Finish einzigartig ist.

Abmessungen: Zoll 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm, ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ungerahmt geliefert.
Rahmen von der deutschen Qualitätsmarke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 520, Eichenholz Weiß furniert (Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm), empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 90 € brutto verfügbar.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Eine Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz, in Dubai und in Japan ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung - Genf Januar 2027.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität war in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen für jene Lebenspassion legte, die mich schließlich antreibt.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern – ich habe immer gespürt, dass große Bilder einen direkt anfallen, beherrschend und einschüchternd wirken, während kleine Werke viel mehr Liebe wecken können. Zunächst zog mich die abstrakte Malerei und der abstrakte Expressionismus an.
Im Laufe der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben resonierten.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten bis Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont, brachten mich in Kontakt mit einer Vielzahl kultureller Einflüsse. Wo immer ich war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die schöpferische Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer ein Teil von mir, leise unter der Oberfläche köchelnd. Fast 30 Jahre wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, mich von der Welt zu lösen und nach innen zu schauen.

Ich habe immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst habe ich immer gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich ganz dem Malen. Ich gründete mein Studio in Paris und begann, mich vollständig meiner Kunst zu verschreiben. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn und, zu meiner Überraschung, erlangte meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in privaten Sammlungen in ganz Europa Heimat – insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, präsentierte einen eigenständigen Ansatz der Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal brüchigen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse “zufällige Experimente” – alles ist erlaubt, um den Verstand zu überlisten – das Ergebnis, die Schichten und Spiegelungen zu lenken und Platz für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Werk schließlich ausgestellt wird. Aber lassen Sie uns klar sagen: In meinen Bildern trifft Zufall niemals Entscheidungen; höchstens wirft Zufall Fragen auf; sinnvolle “Zufälle” sind nur mit einem großen Maß an Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der sich mit dem Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie verbindet, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, geben jedem Werk jedoch eine asketische Qualität: Ich freue mich, wenn ich irreduzible Notwendigkeiten erkenne, d. h. was wir entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder "Emotion" noch "theoretische Konzeption", sondern Erfahrung des Seins. Weder schneller Konsum noch Intellektualisierung/-Besitz, sondern Bewusstseinsverbreiterung und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Kern des Lebens“, dessen was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Gegenstand. Wie alle Dinge sind auch sie Gegenstände für sich. Folglich besitzen sie weder Inhalt, noch Sinn, noch Bedeutung; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder einen Grund zum Sein noch ein Ende noch Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas hervorrufen mag, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette sehen kann, die sich mit jedem neuen Betrachter unterscheidet. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Einfühlungsvermögen. Hoffentlich wird der Reiz des Verhältnisses von “Detailansicht” – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und “Distanz zum Ganzen” die Betrachter dazu anregen, sich auf eigene introspektive Reisen zu begeben.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, demütig begegnen. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Kreation ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich Handwerk des Täglichen, eine Erkundung, ein Weg, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht mehr braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis multipliziert die Leidenschaft fürs Sehen“.

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Landschaftsbild der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleich viel Gewicht haben, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Prominenz, sondern durch Gegenwart definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht innerhalb des Plexiglasses – sind die stillen Ergebnisse einer langen und absichtlichen Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger auf dem Endbild als auf dem stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das dieses Bild erst zum Entstehen bringt.

Diese Praxis ruht auf drei aufeinander abgestimmten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug von aufgezwungener Bedeutung. Indem ich die Werke als “ohne Objekt” und mit "weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn" beschreibe, hoffe ich, die Erwartung einer Narration sanft zu lockern. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und stattdessen direkter zu schauen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Prämiz der gelebten Erfahrung. In diesen offenen Raum setze ich das, was ich als ein "Erlebnis des Seins" betrachte. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegelbild des Betrachters, der seinen eigenen Blick trifft. Wie ich oft festhalte, “lebt es, es verändert sich, es sieht.”

Der dritte ist der Moment, in dem Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe von Kontrolle beim Schaffen. Ich setze Bedingungen, gebe aber das Ergebnis dem Werk; es wird zu dem, was ich ein unabhängiges "Objekt für sich selbst" nenne, das erst vollständig offenbart wird, wenn es fertig ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt entsteht.

Diese Absichten tragen einige sanfte Paradoxien, die die Arbeit tragen:

Chance und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufällen“, aber sie sind nur innerhalb klarer Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird sorgsam aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich sinnlos nenne, etwas zu "kommunizieren". Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine greifbare Stille.

Nostalgie der Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie zielt merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „irreduziblen Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – ein Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still offering.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert stetige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis, das autonom wirkt, als sei es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem Verhalten hingezogen, das sich als unvermeidlich anfühlt.
In diesem Sinn habe ich das Gefühl gewonnen, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat.“ Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, wenn auch vielleicht mit weniger Schmerz und mehr Ruhe – eine Informalität, in der Zufall kein Bruch ist, sondern ein stiller Mitstreiter.

Im Kern steht die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die oft gewählte bescheidene Größe soll zur Intimität ermutigen, nicht zur Schau.
Am Ende ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe erkannt, dass eine Praxis, die in stillem Paradox ruht, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Widerstandsfähigkeit werden.

Anton Kaestner