Anton Kaestner - #496 - S - " Earth ".

#496 - S - „Erde“.
Ein Unikat, ein Originalwerk von Anton Kaestner, direkt aus dem Pariser Atelier.

Sprühacryl auf 3 mm starkem Plexiglas (UV-beständig).
Dieses Bild ist kein Druck. Es handelt sich um ein Originalwerk, das in mehreren Farb- und/oder Sprühschichten gemalt wurde und dessen einzigartige glänzende „Glossy“-Oberfläche an den Auftrag von Kunstharz erinnert.

Maße: Inch 15,2 * 12,1 * 0,12 / 36,8 * 30,8 * 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Bild wird ohne Rahmen geliefert.
Ein hochwertiger Aluminiumrahmen der deutschen Marke Nielsen, Modell 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm), wird empfohlen und kann beim Versand gegen einen Aufpreis von 80 € mitbestellt werden.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat liegt bei.
Der Versand ist versichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und eine größere Auswahl finden Sie unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, Januar 2027.


„Biografie

Ich wurde in Genf in der Schweiz geboren und wuchs umgeben von der natürlichen Schönheit und dem kulturellen Reichtum meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, legte mit seinem Einfluss den Grundstein für das, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich, privat zu malen und mit unzähligen Acrylfarben in Notizbüchern im Format A4 und später A3 zu experimentieren. Zunächst fühlte ich mich zur nicht-gegenständlichen Malerei und zum abstrakten Expressionismus hingezogen. Im Laufe der Zeit entwickelte ich – obwohl ich mich als Atheisten betrachte – auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie meiner Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz, der Melancholie und den tieferen Wahrheiten der Natur und des Lebens entgegenkamen.
Der Weg, tatsächlich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte hinweg verfolgte ich eine internationale Karriere in der Wirtschaft, die mich rund um den Globus führte: von den Vereinigten Staaten nach Marokko und Belgien sowie durch Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und eröffneten mir eine Vielzahl kultureller Einflüsse. Wo immer ich hinkam, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und ließ mich auf die kreative Energie des jeweiligen Ortes ein.
Trotz meiner Konzentration auf die berufliche Laufbahn war die Kunst immer ein Teil von mir und glomm still unter der Oberfläche weiter. Fast 30 Jahre lang wurde das Malen für mich zu einer Art heimlicher Meditation – ein Weg, mich von der Welt zu lösen und mich auf mein Inneres zu konzentrieren.
Das Malen hat mir immer große Zufriedenheit bereitet. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität erproben, neue Techniken entdecken und echte Erfahrungen machen kann. Mit meiner Kunst wollte ich anderen stets eine aufrichtige Begegnung mit der Schönheit ermöglichen, ihnen die Gelegenheit geben, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über ihr eigenes Leben nachzudenken.
2021, nach meinem Rückzug aus der Wirtschaft, widmete ich mich ganz der Malerei. Ich richtete mein Atelier in Paris ein und begann, mich ausschließlich meiner Kunst zu widmen. Ende 2023 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung fand meine Arbeit rasch Anerkennung und ein Zuhause in Privatsammlungen in ganz Europa, insbesondere in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.


Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, präsentierte einen eigenständigen Zugang zur Kunst, der sich von traditionellen Maltechniken unterscheidet: Ich male mit Acrylfarben, Metallpigmenten und Sprühfarben auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas, einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal empfindlichen Oberfläche.
Bei diesem Verfahren kann ich das Werk während seiner Entstehung nicht sehen. Während des Prozesses habe ich keinerlei visuelle Rückmeldung und keine Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft auszuschalten! – den Ausgang, die von mir geschaffenen Schichten und Spiegeleffekte leiten und Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Werk schließlich sichtbar wird. Dieser Ansatz, der an den Entwicklungs- und Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist zugleich herausfordernd und befreiend. Die Komposition gewinnt durch Schichten und Transparenzen an Ausdruckskraft und verleiht jedem Werk zugleich eine „asketische“ Qualität: Ich freue mich, wenn ich „unverzichtbare Notwendigkeiten“ erkenne, also das, was wir vermutlich entdecken, wenn wir in Stille und im Licht innehalten.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Nicht „Emotion“ und auch nicht „theoretische Konzeption“, sondern die Erfahrung des Seins. Nicht „schneller Konsum“ und auch nicht „Intellektualisierung / intellektuelle Aneignung“, sondern die Erweiterung des Bewusstseins und die Erkundung der Wirklichkeit, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten: Meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, nach dem „le vif“, wie es der französische Science-Fiction-Meister Alain Damasio nennen würde.
Auch wenn meine Arbeit manchmal an die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erinnern mag, bleibt sie nahezu vollständig abstrakt. Darüber hinaus verleiht Plexiglas dem Bild eine schimmernde Haut, in der sich die eigene Silhouette erahnen lässt – für jeden neuen Betrachter eine andere. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur sowie auch der fehlenden Teile erfordert lediglich Empathie. Hoffentlich regt das Wechselspiel zwischen „Details aus der Nähe“ und „Abstand für das Ganze“ die Betrachter dazu an, sich auf ihre eigenen introspektiven Reisen zu begeben.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte bescheiden bleiben, was sich erreichen lässt. Zufriedenheit finde ich schlicht im fortwährenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung ist eine Konfrontation mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter auszuloten, was ich erreichen kann. Malen ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung und eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft für das Sehen.“

Anton Kaestner“