Anton Kaestner - #109 - XXL - " Cantique #3 ".

Einzelstück, Originalgemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#109 – „Cantique #3“ – Größe XXL.
Sehr großes Format.
Eines meiner Lieblingsbilder von 2024: https://antonkaestner.com/collections/best-of-2024/BO24

Acrylspray auf 3 mm starker Plexiglasplatte (UV-beständig).
Transparenz auf Print.
Dieses Bild ist kein Druck. Es handelt sich um ein in mehreren Schichten mit Farbe und/oder Spray gemaltes Werk, dessen einzigartige glänzende „Glossy“-Oberfläche an den Auftrag von Kunstharz erinnert.

Bitte berücksichtigen Sie bei Ihren Geboten, dass dieses Werk im sehr großen Format gerahmt und fertig zum Aufhängen geliefert wird. Der Rahmen allein hat einen Wert von 250 € inkl. MwSt.

Maße: Zoll 47,2 * 34,3 * 0,12 / 120 * 87 * 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Bild wird mit einem Aluminiumrahmen der deutschen Marke Nielsen verkauft (Oberfläche nach Wahl aus der Serie 34 oder 34 N) – Zoll 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat liegt bei.
Der Versand ist versichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz, in Dubai und in Japan ausgestellt. Weitere Informationen und eine größere Auswahl finden Sie auf www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, Januar 2027.


„Biografie

Ich wurde in Genf in der Schweiz geboren und wuchs umgeben von der natürlichen Schönheit und dem kulturellen Reichtum meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, legte mit seinem Einfluss den Grundstein für das, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen und experimentierte in Notizbüchern im Format A4 und später A3 mit unzähligen Acrylfarben. Zunächst fühlte ich mich zur gegenstandslosen Malerei und zum abstrakten Expressionismus hingezogen. Mit der Zeit entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, obwohl ich mich als Atheisten betrachte, da sie mit meiner Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz, der Melancholie und den tieferen Wahrheiten der Natur und des Lebens in Einklang standen.
Der Weg, tatsächlich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über mehr als drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um den Globus führte – von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko und Belgien sowie durch Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und machten mich mit einer Vielzahl kultureller Einflüsse vertraut. Wo immer ich hinkam, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und ließ mich auf die kreative Energie des jeweiligen Ortes ein.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war die Kunst immer ein Teil von mir und köchelte still unter der Oberfläche. Fast 30 Jahre lang wurde das Malen für mich zu einer Art geheimer Meditation – eine Möglichkeit, mich von der Welt zu lösen und mich auf mein Inneres zu konzentrieren.
Das Malen hat mir immer große Befriedigung verschafft. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität erproben, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen machen kann. Mit meiner Kunst wollte ich anderen stets eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit ermöglichen, ihnen Gelegenheit geben, die Welt aus einer anderen Perspektive zu betrachten und über ihr eigenes Leben nachzudenken.
2021, nach meinem Rückzug aus der Geschäftswelt, widmete ich mich ganz der Malerei. Ich richtete mein Atelier in Paris ein und begann, mich vollständig meiner Kunst zu widmen. Ende 2023 startete ich meine öffentliche Laufbahn als Künstler und war überrascht, wie schnell meine Arbeit Anerkennung fand und ihren Platz in Privatsammlungen in ganz Europa fand, insbesondere in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, präsentierte einen eigenständigen künstlerischen Ansatz, der sich von traditionellen Maltechniken unterscheidet: Ich male mit Acrylfarben, Metallpigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem, extrudiertem Plexiglas – einer leichten, glatten, glänzenden und mitunter empfindlichen Oberfläche.
Bei diesem Verfahren kann ich das Werk während seiner Entstehung nicht sehen. Während des Prozesses habe ich keinerlei visuelle Rückmeldung oder Kontrolle – und genau das begrüße ich. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft kurzzuschließen! – das Ergebnis lenken, ebenso die Schichten und Spiegeleffekte, die ich erzeuge, und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Werk schließlich zum Vorschein kommt. Dieser Ansatz, der an den Entwicklungs- und Fixierprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die kompositorischen Werte werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk zugleich eine „asketische“ Qualität: Ich bin zufrieden, wenn ich „unvermeidliche Notwendigkeiten“ erkenne – also das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Nicht „Emotion“ oder „theoretische Konzeption“, sondern die Erfahrung des Seins. Nicht „schneller Konsum“ oder „Intellektualisierung / intellektuelle Besitzergreifung“, sondern die Erweiterung des Bewusstseins und die Erkundung der Wirklichkeit, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten. Meine Kunst ist eine Suche nach „Leben im Herzen des Lebens“, nach „le vif“, wie es der französische SF-Meister Alain Damasio ausdrücken würde.
Auch wenn meine Arbeit manchmal an die Transparenz und Leuchtkraft von Glasmalerei erinnern mag, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Darüber hinaus verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, in der man die eigene Silhouette erahnen kann – für jeden Betrachter eine andere. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur – auch der fehlenden Teile – erfordert nur Einfühlungsvermögen. Hoffentlich wird das Wechselspiel zwischen „Details aus der Nähe“ und „Abstand für das Ganze“ die Betrachter dazu anregen, sich auf ihre eigenen introspektiven Reisen zu begeben.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte bescheiden bleiben, was das Erreichbare angeht. Ich finde schlicht Befriedigung im fortwährenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung ist eine Konfrontation mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter auszuloten, was ich erreichen kann. Malen ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis steigert die Leidenschaft für das Sehen.“

Anton Kaestner“.