Anton Kaestner - #107 - XL - " Cantique #1 ".

#107 - XL - „Cantique #1“.
Ein einzigartiges, originales Werk von Anton Kaestner, direkt aus dem Pariser Atelier.
Eines meiner Lieblingsgemälde aus dem Jahr 2024 - https://antonkaestner.com/collections/best-of-2024/BO24

Acrylspray auf 3 mm starker Plexiglasplatte (UV-beständig).
Transparenz auf Print.
Dieses Gemälde ist kein Druck. Es handelt sich um ein Originalwerk, das in mehreren Schichten gemalt wurde und dessen einzigartiger Glanz an eine Harzbeschichtung erinnert.

Maße: Zoll 34,2 * 24,2 * 0,12 / 87 * 61,5 * 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Ein hochwertiger Aluminiumrahmen der deutschen Marke Nielsen, Modell 34 oder 34N (Zoll 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm), wird empfohlen und kann beim Versand gegen einen Aufpreis von 150 € mitbestellt werden.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat liegt bei.
Der Versand ist versichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz, in Dubai und Japan ausgestellt. Weitere Informationen und eine größere Auswahl finden Sie auf www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung - Genf, Januar 2027.


„Biografie

Geboren in Genf, in der Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und dem kulturellen Reichtum meiner Heimat auf. Kreativität hatte in meiner Familie einen hohen Stellenwert, und mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, pflanzte mit seinem Einfluss den Samen für das, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich, privat zu malen und mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später in A3-Notizbüchern zu experimentieren. Zunächst fühlte ich mich zur nicht-figurativen Malerei und zum abstrakten Expressionismus hingezogen. Im Laufe der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheisten betrachte, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz, der Melancholie und den tieferen Wahrheiten der Natur und des Lebens in Resonanz standen.
Der Weg dahin, tatsächlich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte lang verfolgte ich eine internationale Karriere in der Wirtschaft, die mich rund um den Globus führte: von den Vereinigten Staaten nach Marokko, nach Belgien sowie durch Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und machten mich mit vielfältigen kulturellen Einflüssen vertraut. Wo immer ich war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und ließ mich von der kreativen Energie des jeweiligen Ortes inspirieren.
Trotz meiner Konzentration auf die berufliche Laufbahn war die Kunst stets ein Teil von mir und schwelte still unter der Oberfläche. Fast 30 Jahre lang wurde das Malen für mich zu einer Art geheimer Meditation – eine Möglichkeit, mich von der Welt zu lösen und mich auf mein Inneres zu konzentrieren.
Das Malen hat mir immer große Freude bereitet. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität erproben, neue Techniken erkunden und authentische Erfahrungen machen kann. Mit meiner Kunst wollte ich anderen stets eine aufrichtige Begegnung mit der Schönheit ermöglichen, ihnen die Gelegenheit bieten, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über ihr eigenes Leben nachzudenken.
2021, nach meinem Rückzug aus dem Berufsleben, widmete ich mich ganz der Malerei. Ich richtete mein Atelier in Paris ein und begann, mich vollständig meiner Kunst zu widmen. Ende 2023 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung fand mein Werk rasch Anerkennung und ein Zuhause in Privatsammlungen in ganz Europa, besonders in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.


Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, präsentierte einen eigenständigen künstlerischen Ansatz, der sich von traditionellen Maltechniken abwendet: Ich male mit Acrylfarben, Metallpigmenten und Sprays auf die Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas – eine leichte, glatte, glänzende und bisweilen empfindliche Oberfläche.
Bei diesem Verfahren kann ich das Werk während seiner Entstehung nicht sehen. Während des Prozesses habe ich keinerlei visuelle Rückmeldung oder Kontrolle – und genau das begrüße ich. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft kurzzuschließen! – das Ergebnis, die von mir geschaffenen Schichten und Spiegeleffekte lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung lassen, wenn das Werk schließlich zum Vorschein kommt. Dieser Ansatz, der an den Entwicklungs- und Fixierprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die kompositorischen Werte werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk zugleich eine „asketische“ Qualität: Ich bin zufrieden, wenn ich „unverzichtbare Notwendigkeiten“ erkenne, also das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Nicht „Emotion“ und auch nicht „theoretisches Konzept“, sondern die Erfahrung des Seins. Nicht „schneller Konsum“ oder „Intellektualisierung / intellektuelle Aneignung“, sondern eine Erweiterung des Bewusstseins und die Erkundung der Wirklichkeit, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten: Meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, nach „le vif“, wie es der französische Science-Fiction-Meister Alain Damasio ausdrücken würde.
Auch wenn meine Arbeit manchmal an die Transparenz und Leuchtkraft von Glasmalerei erinnern mag, bleibt sie nahezu vollständig abstrakt. Darüber hinaus verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, in der sich die eigene Silhouette erahnen lässt – bei jeder neuen Betrachterin und jedem neuen Betrachter eine andere. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur – und auch der fehlenden Teile – erfordert nichts weiter als Einfühlungsvermögen. Hoffentlich ermutigt das Spiel zwischen „Details aus der Nähe“ und „Abstand für das Ganze“ die Betrachterinnen und Betrachter, sich auf ihre eigene introspektive Reise zu begeben.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte bescheiden bleiben, was das Erreichbare angeht. Zufriedenheit finde ich schlicht im fortwährenden Prozess des Hinterfragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter auszuloten, was ich erreichen kann. Malen ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft für das Sehen.“

Anton Kaestner“.