Anton Kaestner - #108 - XL - " Cantique #2 ".

#108 - XL - „Cantique #2“.
Ein Unikat, ein Originalwerk von Anton Kaestner, direkt aus dem Pariser Atelier.
Eines meiner Lieblingsbilder aus dem Jahr 2024 – https://antonkaestner.com/collections/best-of-2024/BO24

Acrylspray auf 3 mm starker Plexiglasplatte (UV-beständig).
Transparenz auf Print.
Dieses Bild ist kein Druck. Es handelt sich um ein in mehreren Schichten gemaltes Originalwerk, dessen einzigartiger glänzender „Glossy“-Effekt an den Auftrag von Harz erinnert.

Maße: Zoll 34,2 * 24,2 * 0,12 / 87 * 61,5 * 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Bild wird ohne Rahmen geliefert.
Ein hochwertiger Aluminiumrahmen der deutschen Marke Nielsen, Referenz 34 oder 34N (Zoll 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm), wird empfohlen und kann beim Versand gegen einen Aufpreis von 150 € mitgeliefert werden.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat liegt bei.
Der Versand ist versichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz, in Dubai und Japan ausgestellt. Weitere Informationen und eine größere Auswahl finden Sie auf www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, Januar 2027.


„Biografie

Ich wurde in Genf in der Schweiz geboren und wuchs umgeben von der natürlichen Schönheit und dem kulturellen Reichtum meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, legte mit seinem Einfluss den Grundstein für das, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich, privat zu malen und mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern zu experimentieren. Zunächst fühlte ich mich zur nicht-gegenständlichen Malerei und zum abstrakten Expressionismus hingezogen. Mit der Zeit entwickelte ich – obwohl ich mich als Atheisten betrachte – auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz, der Melancholie und den tieferen Wahrheiten der Natur und des Lebens in Einklang standen.
Der Weg dahin, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über mehr als drei Jahrzehnte hinweg verfolgte ich eine internationale Karriere in der Geschäftswelt, die mich rund um den Globus führte, von den Vereinigten Staaten nach Marokko, Belgien, durch Asien und nach Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und eröffneten mir vielfältige kulturelle Einflüsse. Wo immer ich hinkam, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und ließ mich auf die kreative Energie des jeweiligen Ortes ein.
Trotz meiner Konzentration auf die Geschäftswelt war die Kunst immer ein Teil von mir und schwelte still unter der Oberfläche. Fast 30 Jahre lang wurde das Malen für mich zu einer Art geheimer Meditation – eine Möglichkeit, mich von der Welt zu lösen und mich auf mein Inneres zu konzentrieren.
Das Malen hat mir immer große Freude bereitet. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität erproben, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen machen kann. Mit meiner Kunst wollte ich anderen stets eine aufrichtige Begegnung mit der Schönheit ermöglichen, ihnen die Gelegenheit geben, die Welt aus einer anderen Perspektive zu betrachten und über ihr eigenes Leben nachzudenken.
2021, nach meinem Rückzug aus der Geschäftswelt, widmete ich mich ganz der Malerei. Ich richtete mein Atelier in Paris ein und begann, mich vollständig meiner Kunst zu widmen. Ende 2023 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung fand meine Arbeit schnell Anerkennung und einen Platz in Privatsammlungen in ganz Europa, insbesondere in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.


Künstlerischer Werdegang

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, präsentierte einen eigenständigen Zugang zur Kunst, der sich von traditionellen Maltechniken unterscheidet: Ich male mit Acrylfarben, Metallpigmenten und Sprays auf die Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas, einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal empfindlichen Oberfläche.
Bei diesem Verfahren kann ich das Werk während seiner Entstehung nicht sehen. Während des Prozesses habe ich weder visuelle Rückmeldung noch Kontrolle – etwas, das ich willkommen heiße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft kurzzuschließen! – das Ergebnis, die von mir geschaffenen Schichten und Spiegeleffekte leiten und Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Werk schließlich zum Vorschein kommt. Dieser Ansatz, der an den Entwicklungs- und Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist anspruchsvoll und befreiend. Die Bildkomposition gewinnt durch Schichten und Transparenzen an Tiefe und verleiht jedem Werk zugleich eine „asketische“ Qualität: Ich bin zufrieden, wenn ich „unverzichtbare Notwendigkeiten“ erkenne, also das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und im Licht innehalten.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Nicht „Emotion“ und auch nicht „theoretische Konzeption“, sondern die Erfahrung des Seins. Nicht „schneller Konsum“ und auch nicht „Intellektualisierung / intellektuelle Aneignung“, sondern Bewusstseinserweiterung und die Erforschung der Wirklichkeit, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten: Meine Kunst ist eine Suche nach „Leben im Herzen des Lebens“, nach „le vif“, wie es der französische Science-Fiction-Meister Alain Damasio ausdrücken würde.
Auch wenn meine Arbeit bisweilen an die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erinnern mag, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Darüber hinaus verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, in der sich die eigene Silhouette erahnen lässt – bei jedem neuen Betrachter eine andere. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur – ebenso wie das der fehlenden Teile – erfordert lediglich Einfühlungsvermögen. Hoffentlich regt das Wechselspiel zwischen „Details aus der Nähe“ und „Abstand für das Ganze“ die Betrachter dazu an, sich auf ihre eigenen introspektiven Reisen zu begeben.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte bescheiden bleiben, was das Erreichbare angeht. Zufriedenheit finde ich schlicht im fortlaufenden Prozess des Hinterfragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung konfrontiert mich mit meinen Grenzen und fordert mich heraus, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter auszuloten, was ich erreichen kann. Malen ist für mich tägliches Handwerk, Erkundung und eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft des Sehens.“

Anton Kaestner“