Anton Kaestner - #474 - XXL - " On ".

Unikat, Originalgemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#474 – „On“ – Größe XXL.
Sehr großes Format.
Eines meiner Lieblingsbilder 2026: https://antonkaestner.com/collections/2026/BO26

Acrylspray auf 3 mm starker Plexiglasplatte (UV-beständig).
Dieses Bild ist kein Druck. Es handelt sich um ein Werk, das in mehreren Schichten mit Farbe und/oder Spray gemalt wurde und durch seinen einzigartigen, glänzenden „Glossy“-Effekt an eine Harzbeschichtung erinnert.

Bitte berücksichtigen Sie bei Ihren Geboten, dass dieses Werk im sehr großen Format gerahmt und fertig zum Aufhängen geliefert wird. Wert des Rahmens allein: 250 € inkl. MwSt.

Maße: Zoll 47,2 × 34,3 × 0,12 / 120 × 87 × 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Bild wird mit einem Aluminiumrahmen der deutschen Marke Nielsen verkauft (Ausführung nach Wahl aus der Serie 34 oder 34 N) – Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat liegt bei.
Der Versand ist versichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz, in Dubai und in Japan ausgestellt. Weitere Informationen und eine Auswahl finden Sie auf www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, Januar 2027.


„Biografie

Ich wurde in Genf in der Schweiz geboren und wuchs umgeben von der natürlichen Schönheit und dem kulturellen Reichtum meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, pflanzte mit seinem Einfluss den Samen für das, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich, privat zu malen und mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern zu experimentieren. Zunächst fühlte ich mich zur nicht-gegenständlichen Malerei und zum abstrakten Expressionismus hingezogen. Mit der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheisten betrachte, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz, der Melancholie und den tieferen Wahrheiten der Natur und des Lebens in Resonanz standen.
Der Weg dazu, tatsächlich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über mehr als drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Karriere in der Wirtschaft, die mich rund um den Globus führte – von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko, Belgien, durch Asien und nach Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und eröffneten mir eine Vielzahl kultureller Einflüsse. Wohin ich auch kam, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und ließ mich auf die kreative Energie des jeweiligen Ortes ein.
Obwohl meine berufliche Laufbahn in der Wirtschaft im Mittelpunkt stand, war die Kunst immer ein Teil von mir und köchelte still unter der Oberfläche. Fast 30 Jahre lang wurde das Malen für mich zu einer Art geheimer Meditation – eine Möglichkeit, mich von der Welt zu lösen und mich auf mein Inneres zu konzentrieren.
Das Malen hat mir immer große Freude bereitet. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität erproben, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen machen kann. Mit meiner Kunst wollte ich anderen stets eine aufrichtige Begegnung mit der Schönheit ermöglichen, eine Gelegenheit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.
2021, nach meinem Rückzug aus dem Berufsleben, widmete ich mich ganz der Malerei. Ich richtete mein Atelier in Paris ein und begann, mich ausschließlich meiner Kunst zu widmen. Ende 2023 startete ich meine öffentliche Künstlerkarriere, und zu meiner Überraschung erlangten meine Werke rasch Anerkennung und fanden ihren Platz in Privatsammlungen in ganz Europa, insbesondere in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.


Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, präsentierte einen eigenständigen Zugang zur Kunst, der sich von traditionellen Maltechniken löst: Ich male mit Acrylfarben, Metallpigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas – einer leichten, glatten, glänzenden und mitunter empfindlichen Oberfläche.
Bei diesem Verfahren kann ich das Werk während seiner Entstehung nicht sehen. Während des Prozesses habe ich keine visuelle Rückmeldung und keine Kontrolle – etwas, das ich willkommen heiße. Ich lasse „Zufallsexperimente“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft kurzzuschließen! – das Ergebnis, die von mir geschaffenen Schichten und Spiegeleffekte lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung lassen, wenn das Werk schließlich sichtbar wird. Dieser Ansatz, der an den Prozess der Entwicklung und Fixierung in der Fotografie erinnert, ist anspruchsvoll und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen zugleich jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich freue mich, wenn ich „unabweisbare Notwendigkeiten“ erkenne, also das, was wir vermutlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern die Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektuelle Aneignung“, sondern die Erweiterung des Bewusstseins und die Erkundung der Wirklichkeit, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten: Meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, nach dem „Le vif“, wie es der französische Science-Fiction-Meister Alain Damasio formulieren würde.
Auch wenn meine Arbeit manchmal an die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erinnern mag, bleibt sie nahezu vollständig abstrakt. Darüber hinaus verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, auf der sich die eigene Silhouette erahnen lässt – für jeden Betrachter eine andere. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur sowie auch der fehlenden Teile erfordert lediglich Empathie. Hoffentlich ermutigt das Wechselspiel zwischen „Details aus der Nähe“ und „Abstand für das Ganze“ die Betrachter dazu, sich auf ihre eigenen introspektiven Reisen zu begeben.
Ich erhebe nicht den Anspruch, alle Antworten zu haben, und möchte bescheiden bleiben, was das Erreichbare betrifft. Zufriedenheit finde ich schlicht im fortwährenden Prozess des Hinterfragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung konfrontiert mich mit meinen Grenzen und fordert mich heraus, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter auszuloten, was ich erreichen kann. Malen ist für mich tägliches Handwerk, Erkundung und eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft für das Sehen.“

Anton Kaestner“.