Anton Kaestner - #67 - XXL - " Jubili ".

Unikat, Originalgemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#67 – „Jubili“ – Größe XXL.
Sehr großes Format.

Acrylspray auf 3 mm starker Plexiglasplatte (UV-beständig).
Dieses Gemälde ist kein Druck. Es handelt sich um ein in mehreren Schichten mit Farbe und/oder Spray gemaltes Werk, dessen einzigartiger glänzender „Glossy“-Effekt an den Auftrag von Kunstharz erinnert.

Bitte berücksichtigen Sie bei Ihren Geboten, dass dieses Werk im sehr großen Format gerahmt und fertig zum Aufhängen geliefert wird. Der Rahmen allein hat einen Wert von 250 € inkl. MwSt.

Maße: Zoll 47,2 * 34,3 * 0,12 / 120 * 87 * 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird mit einem Aluminiumrahmen der deutschen Marke Nielsen verkauft (Ausführung nach Wahl aus der Serie 34 oder 34 N) – Zoll 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat liegt bei.
Der Versand ist versichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz, in Dubai und in Japan ausgestellt. Weitere Informationen und eine Auswahl finden Sie unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, Januar 2027.


„Biografie

Ich wurde in Genf in der Schweiz geboren und wuchs umgeben von der Naturschönheit und dem kulturellen Reichtum meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und mein verstorbener Großvater, Handwerker und Künstler, legte mit seinem Einfluss den Grundstein für das, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich, privat zu malen und mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern zu experimentieren. Zunächst fühlte ich mich zur nicht-gegenständlichen Malerei und zum abstrakten Expressionismus hingezogen. Im Laufe der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheisten betrachte, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz, der Melancholie und den tieferen Wahrheiten der Natur und des Lebens im Einklang standen.
Der Weg dazu, tatsächlich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über mehr als drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Karriere in der Wirtschaft, die mich rund um den Globus führte – von den Vereinigten Staaten nach Marokko, Belgien, durch Asien und nach Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und machten mich mit einer Vielzahl kultureller Einflüsse vertraut. Wo immer ich hinkam, tauchte ich in die örtliche Kunstszene ein und ließ mich auf die kreative Energie des jeweiligen Ortes ein.
Trotz des Fokus auf meine berufliche Karriere war die Kunst immer ein Teil von mir und köchelte still unter der Oberfläche. Fast 30 Jahre lang wurde das Malen für mich zu einer Art geheimer Meditation – eine Möglichkeit, mich von der Welt zu lösen und mich auf mein Inneres zu konzentrieren.
Das Malen hat mir schon immer große Freude bereitet. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität erproben, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen machen kann. Mit meiner Kunst wollte ich anderen stets eine aufrichtige Begegnung mit der Schönheit ermöglichen, ihnen die Gelegenheit geben, die Welt aus einer anderen Perspektive zu betrachten und über ihr eigenes Leben nachzudenken.
2021, nach meinem Rückzug aus dem Berufsleben, widmete ich mich ganz der Malerei. Ich richtete mein Atelier in Paris ein und begann, mich voll und ganz meiner Kunst zu widmen. Ende 2023 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn. Zu meiner Überraschung fand meine Arbeit schnell Anerkennung und ein Zuhause in Privatsammlungen in ganz Europa, insbesondere in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.


Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, präsentierte einen eigenständigen Zugang zur Kunst, der sich von traditionellen Maltechniken abhebt: Ich male mit Acrylfarben, Metallpigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas – einer leichten, glatten, glänzenden und bisweilen empfindlichen Oberfläche.
Durch dieses Verfahren kann ich das Werk während seiner Entstehung nicht sehen. Während des Prozesses habe ich weder visuelle Rückmeldung noch Kontrolle – und genau das begrüße ich. Ich lasse mich vom „Zufallsexperimentieren“ leiten – alles ist erlaubt, um die Vernunft kurzzuschließen! –, das das Ergebnis, die von mir geschaffenen Schichten und Spiegeleffekte lenkt und Raum für Offenbarung und Entdeckung lässt, wenn das Werk schließlich sichtbar wird. Dieser Ansatz, der an den Entwicklungs- und Fixierprozess in der Fotografie erinnert, ist anspruchsvoll und befreiend. Die kompositorischen Werte werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk zugleich eine „asketische“ Qualität: Ich freue mich, wenn ich „unverzichtbare Notwendigkeiten“ erkenne, also das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und im Licht innehalten.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern die Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung/intellektueller Besitz“, sondern die Erweiterung des Bewusstseins und die Erkundung der Wirklichkeit, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten. Meine Kunst ist eine Suche nach „dem Leben im Herzen des Lebens“, nach „le vif“, wie es der französische Science-Fiction-Meister Alain Damasio ausdrücken würde.
Auch wenn meine Arbeit manchmal an die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erinnern mag, bleibt sie nahezu vollständig abstrakt. Darüber hinaus verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, in der man die eigene Silhouette erahnen kann – bei jedem Betrachter eine andere. Jedes Werk wirkt wie ein dezenter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur – auch der fehlenden Teile – verlangt lediglich Einfühlungsvermögen. Hoffentlich ermutigt das Wechselspiel zwischen „Details aus der Nähe“ und „Abstand für das Ganze“ die Betrachter dazu, sich auf ihre eigene Reise nach innen zu begeben.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu kennen, und möchte bescheiden bleiben, was sich erreichen lässt. Ich finde schlicht Freude am fortwährenden Prozess des Hinterfragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter auszuloten, was ich erreichen kann. Malen ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung und eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft des Sehens.“

Anton Kaestner“.