Anton Kaestner - #468 - M - " Chrome #2 ".

#468 - M - „Chrome #2“.
Ein Unikat, ein Originalwerk von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier in der Normandie.

Sprühacryl auf 3 mm starker Plexiglasplatte.
Dieses Gemälde ist kein Druck. Es handelt sich um ein Originalwerk, das in mehreren Schichten mit Farbe und/oder Spray gemalt wurde und einen einzigartigen glänzenden „Glossy“-Effekt aufweist, der dem Auftrag von Kunstharz ähnelt.
Transparenz auf Pfingstrosen.

Maße: Inch 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Ein hochwertiger Aluminiumrahmen der deutschen Marke Nielsen, Modell 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm), wird empfohlen und kann beim Versand gegen einen Aufpreis von 90 € mitbestellt werden.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat liegt bei.
Der Versand ist versichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz, in Dubai und in Japan ausgestellt. Weitere Informationen und eine größere Auswahl finden Sie unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Genf, Januar 27.


„Biografie

Ich wurde in Genf in der Schweiz geboren und wuchs umgeben von der natürlichen Schönheit und dem kulturellen Reichtum meiner Heimat auf. Kreativität hatte in meiner Familie einen hohen Stellenwert. Mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, legte mit seinem Einfluss den Grundstein für das, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich, im Privaten zu malen und mit zahllosen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern zu experimentieren. Zunächst fühlte ich mich zur nichtfigurativen Malerei und zum abstrakten Expressionismus hingezogen. Im Laufe der Zeit entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, obwohl ich mich als Atheisten betrachte, denn sie fanden Widerhall in meiner Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz, der Melancholie und den tieferen Wahrheiten der Natur und des Lebens.
Der Weg, tatsächlich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte hinweg verfolgte ich eine internationale Karriere in der Geschäftswelt, die mich rund um den Globus führte – von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko und Belgien sowie durch Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und machten mich mit einer Vielzahl kultureller Einflüsse vertraut. Wo immer ich hinkam, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und ließ mich auf die kreative Energie des jeweiligen Ortes ein.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner beruflichen Laufbahn war die Kunst immer ein Teil von mir, der still unter der Oberfläche weiterglühte. Fast 30 Jahre lang wurde das Malen für mich zu einer Art heimlicher Meditation – eine Möglichkeit, mich von der Welt zu lösen und mich auf mein Inneres zu konzentrieren.
Das Malen hat mir immer große Freude bereitet. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität erproben, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen machen kann. Mit meiner Kunst wollte ich anderen stets eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit ermöglichen, ihnen Gelegenheit geben, die Welt aus einer anderen Perspektive zu betrachten und über ihr eigenes Leben nachzudenken.
2021, nach meinem Rückzug aus der Geschäftswelt, widmete ich mich ganz der Malerei. Ich richtete mein Atelier in Paris ein und begann, mich vollständig meiner Kunst zu widmen. Ende 2023 startete ich meine öffentliche Künstlerlaufbahn. Zu meiner Überraschung fand meine Arbeit rasch Anerkennung und ein Zuhause in privaten Sammlungen in ganz Europa, insbesondere in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, präsentierte einen eigenständigen künstlerischen Ansatz jenseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, Metallpigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas – einer leichten, glatten, glänzenden und bisweilen empfindlichen Oberfläche.
Bei diesem Verfahren kann ich das Werk während seiner Entstehung nicht sehen. Während des Prozesses habe ich keinerlei visuelle Rückmeldung oder Kontrolle – und genau das begrüße ich. Ich lasse mich vom „zufälligen Experimentieren“ leiten – alles ist erlaubt, um die Vernunft zu überlisten! –, das den Ausgang, die von mir geschaffenen Schichten und Spiegeleffekte bestimmt und Raum für Offenbarung und Entdeckung lässt, wenn das Werk schließlich zum Vorschein kommt. Dieser Ansatz, der an den Entwicklungs- und Fixierungsprozess in der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk zugleich eine „asketische“ Qualität: Ich bin zufrieden, wenn ich „unverzichtbare Notwendigkeiten“ erkenne, also das, was wir vermutlich entdecken, wenn wir in Stille und im Licht innehalten.
Ich halte meinen Ansatz bewusst schlicht. Weder „Emotion“ noch „theoretisches Konzept“, sondern die Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektuelle Aneignung“, sondern die Erweiterung des Bewusstseins und die Erkundung der Wirklichkeit, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten – meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben mitten im Leben“, nach „le vif“, wie es der französische Science-Fiction-Meister Alain Damasio ausdrücken würde.
Auch wenn meine Arbeit bisweilen an die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erinnern mag, bleibt sie nahezu vollständig abstrakt. Darüber hinaus verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, in der man die eigene Silhouette erahnen kann – bei jedem Betrachter eine andere. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur sowie auch den fehlenden Teilen verlangt lediglich Einfühlungsvermögen. Hoffentlich regt das Wechselspiel zwischen „Details aus der Nähe“ und „Abstand für das Ganze“ die Betrachter dazu an, sich auf ihre eigenen introspektiven Reisen zu begeben.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte bescheiden bleiben, was das Erreichbare angeht. Zufriedenheit finde ich einfach im fortwährenden Prozess des Hinterfragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung konfrontiert mich mit meinen Grenzen und treibt mich dazu an, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter auszuloten, was ich erreichen kann. Malen ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung und eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis steigert die Leidenschaft des Sehens.“

Anton Kaestner“.