Anton Kaestner - #374 - L - " Ashes to Ashes ".

#374 - L - „Ashes to Ashes“.
Ein Unikat, Originalwerk von Anton Kaestner, direkt aus dem Pariser Atelier.

Sprühacryl auf 3 mm starker Plexiglasplatte (UV-beständig).
Dieses Bild ist kein Druck. Es handelt sich um ein gemaltes Originalwerk mit einer einzigartigen glänzenden „glossy“-Oberfläche, die an den Auftrag von Kunstharz erinnert.
Nehmen Sie sich Zeit, die Details zu betrachten.

Maße: Zoll 24,2 * 17,3 * 0,12 / 61,5 * 44 * 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Bild wird ohne Rahmen geliefert.
Empfohlen wird ein hochwertiger Aluminiumrahmen der deutschen Marke Nielsen, Ausführung Mattschwarz (Zoll 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm), der beim Versand gegen einen Aufpreis von 120 € erhältlich ist.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat liegt bei.
Der Versand ist versichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz, in Dubai und in Japan ausgestellt. Weitere Informationen und Werke finden Sie unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Genf, Januar 2027.


„Biografie

Ich wurde in Genf in der Schweiz geboren und wuchs umgeben von der natürlichen Schönheit und dem kulturellen Reichtum meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, legte mit seinem Einfluss den Grundstein für das, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich, für mich zu malen und mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern zu experimentieren. Zunächst fühlte ich mich zur gegenständnislosen Malerei und zum abstrakten Expressionismus hingezogen. Im Laufe der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheisten betrachte, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Auseinandersetzung mit der menschlichen Existenz, der Melancholie und den tieferen Wahrheiten der Natur und des Lebens in Einklang standen.
Der Weg dazu, tatsächlich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte lang verfolgte ich eine internationale Karriere in der Wirtschaft, die mich rund um den Globus führte: von den Vereinigten Staaten nach Marokko und Belgien sowie durch Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und machten mich mit vielfältigen kulturellen Einflüssen vertraut. Wo immer ich war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und ließ mich von der kreativen Energie des jeweiligen Ortes anstecken.
Trotz meines beruflichen Schwerpunkts war die Kunst immer ein Teil von mir und glomm still unter der Oberfläche. Fast 30 Jahre lang wurde das Malen für mich zu einer Art geheimer Meditation – eine Möglichkeit, mich von der Welt zu lösen und mich auf mein Inneres zu konzentrieren.
Das Malen hat mir stets große Freude bereitet. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität erproben, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen machen kann. Mit meiner Kunst wollte ich anderen immer eine aufrichtige Begegnung mit der Schönheit ermöglichen, ihnen die Gelegenheit geben, die Welt aus einer anderen Perspektive zu betrachten und über ihr eigenes Leben nachzudenken.
2021, nach meinem Rückzug aus dem Berufsleben, widmete ich mich ganz der Malerei. Ich richtete mein Atelier in Paris ein und begann, mich vollständig meiner Kunst zu widmen. Ende 2023 startete ich meine öffentliche Künstlerkarriere, und zu meiner Überraschung fand meine Arbeit schnell Anerkennung und ein Zuhause in Privatsammlungen in ganz Europa, insbesondere in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.


Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, präsentierte einen besonderen Zugang zur Kunst, fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, Metallpigmenten und Sprühfarben auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas, einer leichten, glatten, glänzenden und mitunter empfindlichen Oberfläche.
Bei diesem Verfahren kann ich das Werk während seiner Entstehung nicht sehen. Während des Prozesses habe ich keinerlei visuelle Rückmeldung oder Kontrolle – und genau das begrüße ich. Ich lasse „Zufallsexperimente“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft kurzzuschließen! – den Ausgang, die von mir geschaffenen Schichten und Spiegeleffekte leiten und Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Werk schließlich zum Vorschein kommt. Dieser Ansatz, der an den Entwicklungs- und Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist anspruchsvoll und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk zugleich eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich „unverzichtbare Notwendigkeiten“ erkenne, also das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern die Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern eine Erweiterung des Bewusstseins und die Erforschung der Wirklichkeit, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten: Meine Kunst ist eine Suche nach „Leben im Herzen des Lebens“, nach „le vif“, wie es der französische SF-Meister Alain Damasio ausdrücken würde.
Auch wenn meine Arbeit mitunter an die Transparenz und Leuchtkraft von Glasmalerei erinnern mag, bleibt sie nahezu vollständig abstrakt. Darüber hinaus verleiht Plexiglas dem Bild eine schimmernde Haut, in der sich die eigene Silhouette erahnen lässt – bei jedem neuen Betrachter eine andere. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, aber auch der fehlenden Teile, erfordert lediglich Empathie. Hoffentlich regt das Wechselspiel zwischen „Details aus der Nähe“ und „Abstand für das Ganze“ die Betrachter dazu an, sich auf ihre eigenen introspektiven Reisen zu begeben.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte bescheiden bleiben, was das Erreichbare betrifft. Zufriedenheit finde ich schlicht im fortwährenden Prozess des Hinterfragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung ist eine Konfrontation mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erkunden, was ich erreichen kann. Malen ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutsame Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft für das Sehen.“

Anton Kaestner“