Anton Kaestner - #365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Uniek stuk, originele schilderij van Anton Kaestner, rechtstreeks uit de studio.
#365 - S - "Chromatic Cloud MR#6".

Spuit acrylverf op 3 mm plexiglasplaat.
Dit schilderij is geen afdruk. Het is een origineel werk "meerkleurenlaag" waarvan de glanzende, glossy uitstraling, bijna als hars toegepast, uniek is.

Afmetingen : Inch 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm zonder lijst.

Dit schilderij wordt zonder lijst geleverd.
Kwaliteitslijst van het Duitse merk Nielsen in aluminium, referentie 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) aanbevolen en beschikbaar bij verzending tegen een meerprijs van 70€ incl. btw.

Het werk is op de achterzijde gesigneerd.
Een Certificaat van Echtheid gaat ermee mee.
De levering is verzekerd.

Anton Kaestner is een Zwitserse schilder, beeldhouwer en auteur, gevestigd in Parijs. Zijn werken worden tentoongesproken door heel Europa, in Zwitserland en in Dubai. Voor meer informatie en keuzemogelijkheden zie www.antonkaestner.com.

Volgende expositie - Lausanne, mei 2026.

Biografie

Geboren in Genève, Zwitserland, ben ik opgegroeid temidden van de natuurlijke schoonheid en de culturele rijkdom van mijn moederland. Creativiteit werd in mijn familie gewaardeerd, en het was mijn overleden grootvader, een vakman & kunstenaar, wiens invloed het zaadje plantte voor wat uiteindelijk mijn levenslange passie zou worden.
In 1993 begon ik privé te schilderen, experimenteerde ik met ontelbare acrylverven in A4- en daarna A3-notitieboekjes - ik heb altijd het gevoel gehad dat grote beelden recht op je afkomen, overheersend en intimidaterend, terwijl kleine werken veel meer liefde kunnen inspireren. Ik trok me aanvankelijk aan niet-figuratieve schilderkunst en abstract expressionisme aan.
Met de tijd, en terwijl ik mezelf als atheïst beschouw, ontwikkelde ik ook een voorliefde voor spirituele materialen omdat ze resoneerden met mijn verkenning van het menselijke bestaan en de diepere waarheden van de natuur en het leven.

De weg om werkelijk een kunstenaar te worden, was echter niet onmiddellijk.
Drie decennia lang j treatments buitenland carrière die me over de hele wereld bracht, van de Verenigde Staten tot Marokko, België, Azië en Frankrijk. Mijn reizen hebben mijn perspectief verbreed, blootgesteld aan een breed scala aan culturele invloeden. Waar ik ook ging, dook ik onder in de lokale kunstscènes en engageerde ik me met de creatieve energie van elke plek.
Ondanks de focus op mijn zakelijke carrière, was kunst altijd een deel van mij, zachtjes sudderend onder het oppervlak. Bijna 30 jaar lang werd schilderen een vorm van geheime meditatie voor mij—een manier om vrij te breken uit de wereld en me op mijn innerlijke zelf te richten.

Ik heb altijd immense voldoening gevonden in schilderen. Elk nieuw werk is een reis waarin ik mijn creativiteit kan testen, nieuwe technieken kan verkennen en door authentieke ervaringen kan leven. Door mijn kunst hoopte ik altijd anderen een oprechte ontmoeting met schoonheid te bieden, een kans om de wereld vanuit een ander perspectief te zien en na te denken over hun eigen leven.

In 2023, na met pensioen te gaan van mijn zakenleven, wijdde ik mij volledig aan het schilderen. Ik vestigde mijn studio in Parijs en wijdde ik mij geheel aan mijn kunst. Tegen eind 2024 lanceerde ik mijn publieke artistieke carrière, en tot mijn verbazing kreeg mijn werk snel erkenning, found homes in private collecties door heel Europa, met name in Duitsland, Portugal, België, Italië en Nederland.

Aan het einde van 2025 verhuisde ik naar een grotere studio in een leeg sacristie in Lisieux, Normandië.

Artistiek CV

Mijn eerste solo-expositie, "Échos", gehouden in Parijs eind 2024, toonde een onderscheidende aanpak van kunst, weg van traditionele schildertechnieken: ik schilder met acrylverf, metaalpigmenten en spuitbussen op de achterkant van gerecyclede geëxtrudeerde plexiglas (Perpex), een lichte, gladde, glanzende en soms fragiele oppervlakte. Dit proces verhindert dat ik het werk zie zoals het zich ontwikkelt. Ik heb geen visuele feedback of controle tijdens het proces—iets wat ik verwelkom. Ik laat toevallige experimenten—alles kan omrede reden!—mijn uitkomst, de lagen & spiegelingen die ik creëer sturen, en laat ruimte voor openbaring en ontdekking wanneer het stuk uiteindelijk wordt tentoongesteld. Maar laten we duidelijk zijn: in mijn beelden neemt toeval nooit de beslissingen; hoogstens stelt toeval de vragen; zinvolle “toevalligheden” zijn alleen mogelijk met een grote discipline. Deze aanpak die samenvloeit met het onthullings-/fixatieproces van fotografie is zowel uitdagend als bevrijdend. De waarden van de compositie worden verrijkt door lagen en transparanties terwijl elk werk een “ascetische” kwaliteit krijgt: ik ben tevreden wanneer ik de “onmisbare noodzakelijkheden” herken, d.w.z. wat we waarschijnlijk ontdekken wanneer we in stilte en licht stoppen.

Ik houd mijn aanpak bewust eenvoudig. Niemand wil “emotie” of “theoretische voorstelling”, maar ervaring van zijn. Niet “snelle consumptie” noch “intellectualisatie / intellectuele bezit”, maar verruiming van bewustzijn en verkenning van realiteit, van zijn zichtbare en onzichtbare verhalen, mijn kunst is een zoektocht naar “leven in het hart van het leven”, naar wat Alain Damasio "le vif" noemt. Hoewel nostalgie altijd een deel van mijn werk is, zijn mijn schilderijen zonder object. Net als alle objecten zijn ze objecten op zich. Ze hebben dus geen inhoud, geen betekenis, geen zin; ze zijn als dingen, bomen, dieren, mensen, of dagen, die ook geen reden van bestaan, geen eind, geen doel hebben. Hoewel mijn werk soms de transparantie en lichtness van gebrandschilderd glas oproept, blijft het bijna volledig abstract. Bovendien geeft plexiglas het schilderij een schijnbaar huid die iemands eigen silhouet kan onthullen, verschillend voor elke nieuwe kijker. Elk werk fungeert als een discreet spel: het leeft, het verandert, het ziet. De wisselwerking van licht, kleur en textuur, van de ontbrekende delen ook, vereist alleen empathie. Hopelijk zal de speel tussen “details voor de nabije kijk” - een detail van een schilderij is een totaal nieuw beeld - en “afstand voor het geheel” de toeschouwers aanzetten tot hun eigen introspectieve reizen.

Ik claim niet dat ik alle antwoorden heb en wil nederig blijven over wat bereikt kan worden. Simpelweg vind ik voldoening in het voortdurende proces van vragen stellen en groeien. Elk nieuw werk is een confrontatie met mijn grenzen, die me dwingen mijn vaardigheden te verfijnen en verder te verkennen wat ik kan bereiken. Schilderen is voor mij een dagelijks vak, een verkenning, een manier om zinvolle gesprekken op gang te brengen, een zoektocht naar zo’n perfecte verf dat deze geen hulp van ons nodig heeft. Het tijdperk van het informele is pas net begonnen.

Zoals Jean Bazaine zou zeggen: "De dagelijkse praktijk verdubbelt de passie voor zien.

Over de coherentie in mijn praktijk

In het landschap van de hedendaagse kunst, waar concept en vorm even zwaar wegen, streef ik ernaar werk te creëren dat niet gedefinieerd wordt door prominentie, maar door aanwezigheid. Mijn schilderijen—glinsterende velden van kleur en licht in plexiglas—zijn de stille resultaten van een lange en weloverwogen zoektocht. Voor mij staat de ware focus minder op de eindafbeelding dan op de stille wisselwerking van gedachte en proces die het mogelijk maakt.

Deze praktijk rust op drie op elkaar afgestemde intenties.

De eerste is een Terugtrekking uit opdring Meaning. Door de werken te beschrijven als “zonder object” en “noch inhoud, noch betekenis, noch zin” te laten hebben, hoop ik vriendelijk de verwachting van narratief los te maken. Het is een uitnodiging om afstand te nemen van decoderen, en naar een directere manier van kijken.

Dit leidt tot de tweede intentie: de Primacy van Gepromoveerde Ervaring. In die open ruimte probeer ik wat ik beschouw als een “ervaring van zijn” te plaatsen. Het werk wordt minder een object om geïnterpreteerd te worden dan een stille gebeurtenis die gevoeld moet worden—vormgegeven door veranderend licht, translucent lagen en de vage reflectie van de kijker die haar eigen blik ontmoet. Zoals ik vaak opmerk, leeft het stuk, het verandert, het ziet.

De derde is waar idee ontmoet hand: Proces als Belichaamde Denkactie. Schilderen op de achterzijde van plexiglas, zonder visuele feedback, is een fysieke praktijk van loslaten. Het is een bewuste ontspanning van controle bij het maken. Ik stel omstandigheden, maar geef de uitkomst op, waardoor het schilderij een op zichzelf staand “object van zichzelf” wordt dat pas volledig onthuld wordt als het af is. Het is een stille parallel aan fotografische ontwikkeling—een geduldige wachttijd voor wat hier en nu arriveert.

Deze intenties worden onderhouden door enkele zachte paradoxen die het werk dragen:

Toeval en Discipline
Ik spreek van “zinvolle toevalligheden”, maar ze zijn slechts mogelijk binnen zorgvuldige grenzen. Toeval is een verwelkomde gast, maar de structuur wordt met zorg gebouwd.

Communicatie zonder boodschap
Ik hoop iets te communiceren door werken die ik betekenisloos noem. Misschien is wat gedeeld wordt geen verklaring, maar een toestand—aangeduide licht, een stille aanwezigheid, een tastbare kalmte.

Nostalgie voor het Heden
Een zachte nostalgie blijft in het werk hangen, maar richt zich merkwaardig op het nu: een verlangen naar de “onmisbare noodzakelijke dingen” gevonden in stilte en licht—een wens naar pure aanwezigheid die het werk zelf stilletjes biedt.

Inspanning en Inspanningloosheid
Het proces vereist constante aandacht, maar streeft naar een resultaat dat autonoom voelt, alsof het “uit eigen beweging is ontstaan.” Ik trek aan wat volkomen onvermijdelijk aanvoelt.
In deze geest ben ik tot de overtuiging gekomen dat “het tijdperk van het informele pas net is begonnen.” Mijn praktijk is schatplichtig aan de geest van Art Informel, hoewel misschien met minder kwetsing en meer rust—een informalisme waarin toeval geen ruptuur is, maar een stille medeplichtige.

In de kern ligt een zoektocht naar “le vif”—de levende kern. Het werk neigt naar directe ervaring in plaats van intellectualisering. De bescheiden schaal die ik vaak kies, is bedoeld om intimiteit aan te moedigen, geen spektakel.

Uiteindelijk is dit simpelweg het pad van één kunstenaar. Mijn biografie, mijn proces en mijn reflecties zijn geen aparte draden, maar delen van één streven. Ik heb ontdekt dat een praktijk verankerd in stille paradox geen fragiel hoeft te zijn. Door discipline en helderheid kunnen die spanningen, naar mijn overtuiging, een bron van veerkracht worden.

Anton Kaestner