Volker Rossenbach - Birdland-Gambit

Het Narrativisme van Volker Rossenbach, tussen kunsthistorische referenties en een neiging tot interdisciplinaire uitdrukking

Er bestaan levenslopen en houdingen van enkele vertegenwoordigers van de hedendaagse kunst die tot het inzicht leiden dat de figuratieve benadering niet per se gescheiden hoeft te zijn van de literaire, filosofische, historische en sociologische benadering, zodat ze zich kunnen verenigen en juist door hun onbepaaldheid ten opzichte van een enkele classificatie een ongebruikelijke perspectief bieden. Niet alleen dat: er zijn kunstenaars die bovendien de absolute hedendaagse behoefte toevoegen om zich met minder traditionele, minder orthodoxe middelen te meten – als men zo wil zeggen –, die daardoor duidelijk verschillen van de resulterende schilderachtige stijl en toch ongelooflijk harmonieus zijn en zich in een inmiddels onmiskenbare moderniteit bevinden. De protagonist van vandaag is al dit en nog veel meer, want hij put uit zijn diepe kennis van kunstgeschiedenis en literatuur en mengt beide, waarbij hij de intuïties en theorieën van de avant-gardisten van de twintigste eeuw opneemt.

In de eerste decennia van de twintigste eeuw moest de cultuurmaatschappij tegen weerstand in meemaken hoe alle overtuigingen, de zekerheden en regels die de tot dan toe geldende kunst hadden gevormd, als een beweging genaamd Dadaïsme, die in Zwitserland ontstond maar zich vervolgens over andere Europese landen uitbreidde, begon een ontheiligende, sarcastische en polemische houding tegenover het kunstsysteem van die tijd aan te nemen. Afgezien van de daarmee samenhangende visuele representatie, die berustte op de ironische omzetting van elk object in een kunstwerk, was het innovatieve de invoering dan wel de verbinding van andere disciplines in het experimenteren, dat auteurs als Tristan Tzara, Hans Arp en Marcel Duchamp als cruciaal voor de gehele beweging beschouwden. Theater, fotografie, collage en fotomontage waren de synergieën die door de Dadaïsten waren voorgewährt en later door het Bauhaus, de grote en revolutionaire school voor toegepaste kunst van de Weimarrepubliek in Duitsland, die zich niet beperkte tot het benutten van de intuïties van haar voorgangers van de Zwitserse stroming, maar besloot ook vele andere technieken in te voeren die zich met de kunst konden verbinden, zoals een andere kort daarvoor ontstane fundamentele beweging, die Arts and Crafts, al had aangestipt. Doordat de tijden veranderden en de samenleving een diepgaande transformatie had ondergaan, werd het voor de schoolleider Walter Gropius noodzakelijk vakken als architectuur, theater, grafische vormgeving, reclame, weverij, metaalbewerking en vele andere disciplines in het curriculum op te nemen, die wel als handwerk werden gezien, maar in volle harmonie stonden met de kunst in haar hoogste en meest omvattende zin. Hoewel het Bauhaus formeel aan De Stijl was georiënteerd, onderstreepte zijn weg de betekenis van de versmelting van verschillende uitdrukkingsvormen, waardoor het mogelijk werd die innovaties te verbinden en in te voeren die in de loop der jaren en vooral na het einde van de Tweede Wereldoorlog voet aan de grond kregen. Een daarvan was computerkunst, gemaakt door een wiskundige en een filosoof, Ben Laposki en Manfred Frank, die met behulp van oscilloscopen lichtgolven gebruikten om onbepaalde en abstracte artistieke lijnen te genereren; deze experimenten waren slechts het begin van een digitale kunst die aanvankelijk belemmerd werd en als minderwaardig uitdrukkingsmiddel werd beschouwd omdat het voor iedereen toegankelijk was. Tegenwoordig heeft ze zich echter gemanipuleerd en vereist bijzondere vakmanschap. Ze vindt talloze toepassingsgebieden, van kunst over grafische vormgeving en reclame tot multimediale installaties, met name voor kunstenaars die graag experimenteren en verschillende technieken met elkaar versmelten, en heeft zich daarmee een plek veroverd aan de top van de hedendaagse kunstwereld. De Duitse kunstenaar Volker Rossenbach heeft een professionele loopbaan doorlopen die hem voortdurend met innovaties in aanraking bracht, maar ook met zijn geestelijke en culturele levendigheid, waardoor hij zich niet alleen met kunst, maar ook met literatuur en geschiedenis heeft beziggehouden – gebieden die altijd verweven zijn met een klassieke, bijna renaissancistische beeldtaal die echter gebruikmaakt van digitale techniek. De oneindige mogelijkheden die digitale kunst inmiddels biedt, en de behoefte aan een terugkeer naar een klassieke en traditionele esthetiek – dus enigszins in tegendraadse zin ten opzichte van de beginjaren van de praktische toepassing ervan – bepalen zijn visuele stijl, die ontstaat door een versmelting van tekeningen en foto’s die met filters en structuren zijn verrijkt, vervolgens gescand en met Photoshop en Illustrator tot een beeld zijn samengevoegd; waarop hij vervolgens handmatig met acrylverf, viltstiften en krijt ingrijpt om het werk zijn uiteindelijke uiterlijk te geven. Zijn nieuwste werken zijn geïnspireerd door motieven uit de internationale literatuur met een sterk vertellende aard, die hij mixt met citaten en verwijzingen naar meesterwerken uit de kunstgeschiedenis, waarbij zijn ironische kijk en zijn interpretatie, die verbonden is met reflecties over actuele thema’s, niet ontbreken. Het lijkt haast alsof Volker Rossenbach wil benadrukken dat het verleden, ondanks uiterlijke verschillen, uiteindelijk helemaal niet zo ver van het heden verwijderd is. Dit is wellicht de diepere betekenis van de benaming die hij voor zijn kunst heeft gekozen, voor zijn schilderkunstige benadering die bestaat uit de nieuwste mengtechniek, namelijk die van het Narrativisme, waarin de in de loop der jaren bestudeerde artistieke traditie uitgroeit tot vertolker van referenties naar filosofisch-narratieve gedachten van auteurs uit de hele wereld, voor zover deze in harmonie zijn met het moment van uitvoering en tegelijk terug te voeren zijn op de sociologische en persoonlijke observatie van een wereld die te snel lijkt te lopen om stil te kunnen staan en zo de schoonheid van het genieten van het ene moment te kunnen aanschouwen. Deze gedachtegang loopt door het werk “Mystwelt” (Zelfportret op het eiland Myst), waarin Volker Rossenbach zichzelf met de rug naar de camera poseert in een scène die lijkt op het beroemde werk van de Duitse romanticus Caspar David Friedrich met de titel “Wanderer above the Sea of Fog”; anders dan bij de kunstenaar van de 19e eeuw is het werk hier echter verrijkt met metafysische details die symboliseren dat alles, ook als het duidelijk zichtbaar is en niet door een nevelsluier omhuld is, toch een onverklaarbaar geheim kan representeren, tenzij men de geduld en de wil heeft om stil te staan en dieper te kijken dan de oppervlakkige waarneming. De jas herinnert aan de overlappende leegte en volheid in de surrealistische visioenen van René Magritte, terwijl rechts onderaan een van de figuren van Giorgio De Chirico te herkennen is; het werk vormt in feite een synthese van Volker Rossenbachs leven, een lange reis door de kunstgeschiedenis en de meest boeiende literaire werken, waaruit de boodschap van Antoine de Saint-Exupéry in “De kleine prins” voortkomt, namelijk dat het essentiële voor de ogen onzichtbaar is. In het werk “Het Woud der Magische Wezens” verweeft hij de kleurrijke schoonheid van de natuur met de aanwezigheid van tropische dieren zoals de papegaai, toekans en kameleons, en plaatst daarbij het beeld van een schilderes centraal, die vanwege haar vermogen om met pijn te leven, maar ook omdat zij de kunstgeschiedenis van de twintigste eeuw blijvend heeft beïnvloed, als een bijna bovennatuurlijk heldin geldt – ik heb het natuurlijk over Frida Kahlo. Naast haar, in een futuristische wereld, voegt de auteur een soort humanoïde vrouw toe, een projectie van hoe de mens van morgen eruit zou kunnen zien in een context waarin de vitaliteit van de natuur misschien door het gebrek aan respect van de hedendaagse mens is afgenomen. De magie waar de titel naar verwijst, doorkruist de tijd, heft grenzen op en maakt een overkoepelende visie mogelijk die kan uitgroeien tot een waarschuwing om de toekomst meer aandacht te geven en daarbij steeds de harmonie en vitaliteit van het verleden in het oog te houden. “Siddharta” heeft daarentegen een dubbele betekenis, want enerzijds vertegenwoordigt het een visuele synthese van Volker Rossenbachs meesterwerk van Hermann Hesse, waarnaar de titel verwijst, en anderzijds is het uitdrukking van zijn diepere betekenis, waarvoor de korte roman destijds beroemd werd, namelijk de zoektocht naar zichzelf, de zucht om zichzelf te vinden, de trots van het individu tegenover de wereld en de geschiedenis, in een tijd net na de Tweede Wereldoorlog, waarin elke zekerheid en elk referentiepunt verloren gingen door de gruweldaden van de nazi’s. In het werk komt de gehele mystieke en oosterse sfeer tot uitdrukking die de roman kenmerkt, evenals de symboliek van vrijheid en de verwijzing naar de ware, hoogste en spirituele essentie waarop Siddhartha’s inzicht en zelfanalyse waren gebaseerd; Het mystieke aspect van het personage in het centrum van het schilderij wordt nog indrukwekkender door het gebruik van levendige, verzadigde kleuren, wat teruggaat op de hippie-filosofie, waardoor het boek vaak als symbool voor de waarden van een beweging werd beschouwd die de wereld heeft veranderd. Volker Rossenbach sloot in 1969 zijn studie in grafisch ontwerp af en richtte na zijn werk als Art Director en Creative Director voor internationale bureaus zoals Leo Burnett of Grey zijn eigen agentschap op, de E/B/D in Düsseldorf, en zijn werken, waaronder de grote Coca-Cola-campagne van 1976 tot 1978, werden verschillende keren bekroond. Van de eerder experimenteel georiënteerde werken uit zijn prille creatiejaren is hij nu terechtgekomen op een figuurlijkere en traditionelere kijkwijze, hoewel hij altijd zijn neiging heeft behouden om innovatieve en onconventionele uitdrukkingsmiddelen te gebruiken en te mengen; hij kan terugblikken op deelname aan groepen- en solo-exposities in Duitsland.

Tekst: Marta Lock, Italië. Kunsthistoricus en curator.

Dit werk, Birdland-Gambit, maakt deel uit van de reeks portretten met een vogel. De voorstelling is gebaseerd op een tekening van een levend model. Het schilderij is omgeven door een houten kader van eikenhout.

Mijn schilderijen bevinden zich in de volgende landen: VS (New York, Phoenix, Miami, Springfield, Santa Barbara), Canada (Montreal), Singapore, Taipei, Finland, Italië, Frankrijk, Denemarken, België, Nederland, Hongarije, Polen, Roemenië, Oostenrijk, Luxemburg en op vele plaatsen in Duitsland.

Tentoonstellingen nationaal en internationaal.
Meer informatie op rossenbachart in het net