Agathe Toman - CLOUD #4 - 9/15

Dieses Werk ist Teil der „SHARED COLLECTION“ des Künstlers.
Kunstfotografie mit Körnung. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.
Die Fotografie wird Ihnen gerollt zugesendet, sie ist nicht gerahmt, und es wird ein Echtheitszertifikat beigelegt, das vom Künstler ausgefüllt und unterschrieben ist. Nummeriertes Werk, handsigniert, vorne und hinten. Hochwertiger Digitaldruck in Fine-Art-Pigmentdruckqualität.
Agathe Toman, Künstlerin, ist seit 2021 bei Sotheby's gelistet.

Biografie des Künstlers :
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine multidisziplinäre französische Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach Studien an der renommierten Schule der Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, vor neun Jahren, spürte Agathe die Notwendigkeit, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
Seit dreizehn Jahren in den Landes ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, die sowohl auf nationaler als auch auf internationaler Ebene geschätzt wird.


Bei Sotheby's seit 2021 gelistet, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren schnellen Aufstieg und ihre Akzeptanz in prestigeträchtigen Kunstkreisen bezeugt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere bei Art Paris, haben ihr großen Erfolg eingebracht und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.


Die Palette von Agathe fördert die tiefgründigen Nuancen von Schwarz und Blau, ein diskreter Chromatismus in Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben mit einer überwältigenden Intensität, die dazu neigen, Verbindungen zu verborgenen Dingen wiederherzustellen und den Betrachter aus dem Sichtbaren zu transportieren. Die Leinwand übt eine Kraft aus und bietet das Echo ihrer eigenen Erfahrungen.

Seine Zeichnungen, die mit einem Bic-Stift gemacht wurden, sind von einer destabilisierten Anziehungskraft geprägt.
Die Fotografien von Agathe sind durch ihre kaleidoskopischen Abstraktionen verwirrend; sie überwältigen uns mit ruhigen Empfindungen, einer Reminiszenz an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unser Anfang war.
Seine Hunderte von Gedichten unterstreichen sein Universum mit einer Lyrik, die sein Werk charakterisiert. Eine erste Sammlung mit dem Titel „Du musst wieder lernen zu lächeln“ erscheint im Winter 2024.


Abgesehen von ihrer künstlerischen Praxis ist Agathe auch tief in das Studium der Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse eingebunden, das sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erforschung bereichert ihren konzeptuellen Prozess, sodass sie sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst integrieren kann, die von neuen Schichten durchdrungen ist.

Agathe trennt ihre Kunst nicht von ihren gesellschaftlichen Engagements. Sie konzentriert ihr Werk auf zentrale Themen wie psychische Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Schwerpunkte sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind ein wesentlicher Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.


Seine Arbeit wurde in mehreren renommierten Publikationen wie Forbes, L'Oeil und Elle anerkannt und gefeiert, was seine bedeutende Wirkung im Bereich der zeitgenössischen Kunst unterstreicht.


Jacqui Ottoman fasziniert und inspiriert weiterhin ein weltweites Publikum, indem sie durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität der menschlichen Erfahrung öffnet, so wie sie diese wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.


MA VISION :
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper und webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich hinterfrage ihre Funktionsweisen in ihrer Umgebung, die Verbindungen, die sie eingehen, und die Schwingungen, sowohl spürbare als auch unaussprechliche, die daraus entstehen.
Ich erforsche Themen wie Identität, Erinnerung, die menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke sind von emotionaler Tiefe und einer gewissen Spannung durchdrungen, die den Betrachter zu introspektiver Reflexion einladen und einen Weg zum Unbewussten eröffnen.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Werke: entschieden abstrakt, in Monochromen, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Helligkeit koexistiert, das Blau knistert beim Kontakt mit Schwarz oder leuchtet allein. Wir befinden uns im Zustand von Lichtabwesenheit und -präsenz.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeder Nachahmung, die reine Emotion hervorrufend, das Erwachen des Unsichtbaren provozierend; meine Werke werden so zu Spiegeln dieser inneren, nicht offengelegten Aspekte.

Eine minutiöse Vertrautheit zwischen meinen Händen und den Pigmenten, Kohle, dem Kugelschreiber und den Malmitteln, durch das Auftragen der Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine gesteigerte Einzigartigkeit.
Ich arbeite so daran, die Bewegung der Materie festzulegen, die Dichte des Lichts, ihm einen Teil von mir einzuhauchen, zum Erwachen eines Ichs.

Es gibt immer etwas Unerwartetes. Etwas Unerwartetes. Dieses unbeschreibliche, intensiv konzentrierte, subtil angefachte Element, das uns fesselt und überwältigt. Wasser, Schwerkraft, Rinde – diese allgegenwärtigen Elemente verändern den Betrachter mit ihrer Kraft. Das Entstehen eines unverwechselbaren Eindrucks, einer lyrischen Abstraktion – meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen meines Selbst.
Ich sage, dass meine Kreationen »Materialisierungen psychischer Zustände« sind, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere einladen, darin zu verschmelzen.
Ihr Wert liegt nicht im Ästhetischen, sondern in den Schwingungen, die meine Werke im Betrachter auslösen. Zwei Empfindungen begegnen sich, zwei getrennte Individualitäten verschmelzen. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Unmittelbare. Ich betrachte es als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen uns und in uns schaffen.

Der Betrachter wird dadurch selbst zum Schöpfer und haucht dem Werk in einer Alchemie psychischer Resonanzen Leben ein.

Ich ermutige zu einer Reise hin zu einer neuen Vision des eigenen Seins – sich selbst, der Welt und anderen gegenüber.

Lässt sich der Betrachter nun ein, vereinen sich psychische Resonanzen zu einer einzigen Symphonie, ein Dialog beginnt, ein Rhythmus wird spürbar. Ein anamorphotisches Bild seiner Seele erscheint, ein flüchtiges Spiegelbild. Es ist ein poetisches Erlebnis.
Eine intensive und kraftvolle Präsenz. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke die menschlichen Geister schärfen, die Seelen schärfen und dass die Emotionen darin Widerhall finden, dass Worte darin erklingen.
Wichtig ist, was das Werk in uns auslöst und welches Ergebnis diese Begegnung bringt.

Das psychische Leiden ist mit allem verbunden, was dem Prozess der subjektiven Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder auf eine psychische Eintragung wartet. Der Mensch leidet nicht nur wegen der Ereignisse oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, kein Gehör, keinen Empfang gefunden haben und so in der Irre bleiben.

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