Agathe Toman - CLOUD #2 10/15

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ des Künstlers.
Fotografie, Gelatinpapier der Fine-Art-Glanzasglosigkeit mit Körnung. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.
Die Fotografie wird ungerollt versendet, ungerahmt, und es wird ein Echtheitszertifikat beiliegen, das vom Künstler ausgefüllt und signiert ist. Werk nummeriert, handsigniert, vorne und hinten. Druck als hochwertige Pigment-Di-Graphie im Fine-Art-Verfahren.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent von Malerei über Poesie, Skulptur, Zeichnung bis hin zur Fotografie reicht. Nach Studien an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren Tätigkeit als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, vor neun Jahren, verspürte Agathe das Bedürfnis, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
Heute in den Landes (Les Landes) seit dreizehn Jahren ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene und wird sowohl national als auch international geschätzt.

Bei Sotheby’s seit 2021 geführt, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren raschen Aufstieg und ihre Akzeptanz in prestigeträchtigen Kunsträumen bezeugt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere bei Art Paris, brachten ihr enormen Erfolg und festigten ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit.

Ihre Farbpalette bevorzugt tiefe Schwarz- und Blautöne, eine dezente chromatische Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben von überwältigender Intensität, die darauf abzielen, verborgene Dinge wieder zu verknüpfen und den Betrachter aus dem Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Kraft aus, spiegelt die eigenen Erfahrungen wider.

Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic gefertigt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überwältigen uns mit ruhigen Empfindungen, Erinnerungen an ein vollkommen schwebendes Gewichtslosigkeit, das unser Anfang war.
Hundert Poe­sie­n rhythmisiert ihr Universum mit einem lyrischen Charakter, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihr künstlerisches Schaffen hinaus engagiert sich Agathe auch tief in der Studium der Psychoanalyse in transaktionaler Analyse, das sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Ergründung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, psychologische Dimensionen von großer Tiefe in ihre Kunst zu integrieren, die sich mit neuen Schichten füllt.

Agathe trennt Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie fokussiert ihre Arbeit auf zentrale Themen wie psychische Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Denkansätze sind nicht nur in ihrer Kunst vorhanden; sie bilden einen integralen Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihr Werk wurde in mehreren namhaften Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Œil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst belegt.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein globales Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster in die Komplexität menschlicher Erfahrungen, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, den Verbindungen, die sie eingehen, und den vibrationalen, sowohl fühlbaren als auch unaussprechlichen, die daraus entstehen.
Ich erforsche Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und die Beziehung des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine gewisse Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einlädt und einen Zugang zum Unbewussten eröffnet.

Ich verankere diesen Willen in der Materiä­lität meiner Werke selbst: resolut abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexists, wo Blau bei Kontakt mit Schwarz knistert oder von selbst erleuchtet. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeder Nachahmung, lösen reine Emotionen aus und bewirken das Erwachen des Unsichtbaren; meine Werke werden so zu Spiegeln dieser inneren, nicht offenbarten Aspekte.

Eine sorgsame Verflechtung zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohlestiften, Kugelschreiber und Farben, durch das Absetzen von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis entsteht. Eine gesteigerte Einzigartigkeit.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu verdichten, von mir selbst hineinzuversetzen, um das Erwachen eines Selbst zu bewirken.

Es gibt immer etwas, das man nicht ahnte. Etwas Uvorhergesehenes. Diese unaussprechliche, intensiv zusammengedrückte, subtil entfachte Intensität, die uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde, diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftauchen einer ganz einzigartigen Spur, eine poetische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, dass meine Kreationen „Materialisierungen psychischer Zustände“ sind, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die die anderer dazu einladen, sich darin zu verschmelzen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich treffen und nicht mehr zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Sichtbare. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns, in uns, schaffen.

Der Betrachtende wird selbst zum Schöpfer, erweckt das Werk in einer Alchemie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich gehe auf einen Weg zu einer neuen Sicht auf das Sein, auf sich selbst, auf die Welt und auf andere.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, entstehen psychische Resonanzen, die übereinstimmen und in einer einzigen Symphonie zusammenklingen; ein Dialog beginnt sich einzurichten, ein Rhythmus spürbar wird. Eine Anamorphose der Seele zeichnet sich ab, ein ungreifbares Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass die Gefühle dort ein Echo finden, Worte dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert und das Ergebnis dieses Treffens.

"Psychisches Leid hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der subjektiven Symbolisierung entgleist. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder auf psychische Einspeicherung wartet. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm kein Spiegelbild, kein Echo, keine Zuhörung und kein Aufnahmeort gefunden haben und thus wandering bleibt." René Roussillon - Manual de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.