Luca Giordano (1632 - 1705), Aus der Werkstatt von - Circoncisione di Gesù

Workshop von LUCA GIORDANO
(Napoli, 1632 – 1705)
Circoncisione di Gesù
Olio su tela, cm. 48 x 38

NOTE: Veröffentlichung Catalogo opere della collezione Intermidiart. Opera non firmata. Certificato di Garanzia e Lecita Provenienza. Opera senza cornice:

Presentiamo in catalogo uno splendido dipinto a olio su tela, autentico gioiello pittorico eseguito con notevole perizia tecnica, raffigurante La Circoncisione di Gesù, episodio narrato nel Vangelo secondo Luca, nel quale der neonato viene sottoposto al rito della circoncisione e riceve formalmente il proprio nome.
L'opera non si limita a illustrare un evento storico-religioso, ma sviluppa un articolato programma iconografico ricco di riferimenti teologici e simbolici, pienamente riconducibile alla cultura figurativa della Controriforma. Die Komposition organisiert sich in eine asymmetrische Pyramidenstruktur, in der das Licht diagonal durch den Tempel hindurch die Blickachse des Beobachters vom Vordergrund zum Mittelpunkt der Szene führt.
Im Zentrum des dramatischen Aufbaus erscheint Jesuskind, auf einer quadratischen Steinstruktur ausgebreitet. In der christlichen Ikonografie nimmt dieses Element eine besonders dichte Bedeutung an: Es repräsentiert nicht nur den ritualen Tisch des Tempels, sondern ist eine klare Vorahnung des Leidens, die sowohl den Altar des eucharistischen Opfers als auch den Stein des Grabes visuell ankündigt. Die Nacktheit des neugeborenen Kindes, die die Zerbrechlichkeit des Fleisches deutlich macht, betont zudem das Geheimnis der Inkarnation und bekräftigt, dass Gott die menschliche Natur vollkommen angenommen hat und daher dem physischen Leiden unterliegt.
Auf der rechten Seite der Komposition vollzieht sich die Erfüllung des mosaischen Gebots. Der Priester, gehüllt in feierliche liturgische Gewänder, ist in dem Moment der Ausführung des Ritus erfasst. Die geneigte Haltung und die ausgestreckte Armbewegung drücken die respektvolle Unterwerfung unter das alte Gesetz aus. Hinter ihm beobachten Leviten mit konzentriertem und strengen Auftreten und verkörpern die Tradition und die Rolle der Garant:innen der jüdischen Gemeinde, die das Neugeborene aufnimmt.
Auf der linken Seite konzentriert sich hingegen die emotionale und spirituelle Dimension des Ereignisses. Die Jungfrau Maria ist nicht in einem Zustand der Verzweiflung dargestellt, sondern beugt sich dem Kind entgegen mit geöffneten Händen, eine Geste, die gleichzeitig mütterliche Trauer und bewusstes Opfer ausdrückt. Durch diese Pose deutet der Künstler die Akzeptanz des redemptiven Schicksals Christi an. Josef, etwas weiter hinten und von Schatten umgeben, übernimmt hingegen die symbolische Rolle des stillen Hüters, der den väterlichen Schutz und die Diskretion verkörpert, die seine Figur traditionell kennzeichnen.
Im unteren Teil des Gemäldes erscheinen zwei gegensätzliche Figuren, die als Vermittler zwischen der heiligen Szene und dem Betrachter fungieren. Links kniet eine Frau, von hinten dargestellt, vor dem Altar; ihre Präsenz bildet einen wahren devo- Spiegel für den Gläubigen, der eingeladen ist, geistig an der Veranstaltung durch Anbetung und Kontemplation teilzunehmen. Diese Figur kann auch als Allegorie der Kirche interpretiert werden. Auf der gegenüberliegenden Seite erscheint stattdessen ein geflügelter Putto, ein typisches Element der barocken und rokokantischen Sprachwelt, das eine Note von Dynamik einführt und die irdische Dimension symbolisch mit der himmlischen verbindet, und daran erinnert, dass die dargestellte Handlung von Gottes Wille geleitet wird.
Aus dogmatischer Sicht entspricht die Circoncision dem Moment, in dem Jesus den Namen verliehen wird, und vor allem dem ersten Ausfluss seines Blutes zur Erlösung der Menschheit. Die Ikonografie der Leinwand ist somit darauf angelegt, die Geburt Christi untrennbar mit dem Opfer am Kreuz zu verbinden: Die Wunde der Kindheit wird zur Vorankündigung der Passion und zum Versprechen der universellen Erlösung.
Das Werk ist ein vorzügliches Beispiel der neapolitanischen Malerei-Tradition vom Ende des XVII. Jahrhunderts bis zu den ersten Jahrzehnten des XVIII. Jahrhunderts. Die gesamte Komposition ist von einem intensiven Dynamismus getragen, der sich in den Haltungen der Figuren, in den bewegten Falten der Gewänder und in der architektonischen Hintergrundskizze zeigt, die in warmen, dunkleren Tönen getaucht ist. Zur Plastizität der Formen gesellt sich eine geschickte Verwendung von Licht und Farbe, organisiert nach einem diagonalen Verlauf, der das Bewegungsempfinden und die Erzählspannung weiter betont.
Das Werk weist deutliche Ähnlichkeiten mit dem figuralen Sprachmittel von Luca Giordano und seiner produktiven Werkstatt auf, die die Kunstperiode begleitet, die vom vollen Barock zu den ersten rococo-Empfindungen übergeht. Der Erfolg dieser kompositorischen Erfindungen war so groß, dass zahlreiche Repliken und Abwandlungen entstanden, sowohl im Kreis Giordanes, als auch von Künstlern, die zwischen Kampanien und Venetien tätig waren, bestimmt sowohl für religiöse Gebäude als auch für private Sammlungen.
Das Gemälde, aus dem Antiquaire-Markt stammend, mit einer generischen Attribution an die florentinische Schule des XVIII. Jahrhunderts, wurde später auf Anregung der Kritik der Giordano-Mature-Schule zugeordnet. Diese Ausrichtung findet sich in den stilistischen und technischen Merkmalen des Werks, in der Qualität der Maltechnik und in der kompositorischen Anlage, allesamt vollständig kohärent mit den Modellen, die vom neapolitanischen Meister und seinem Umkreis entwickelt wurden.
Was seinen Erhaltungszustand betrifft, präsentiert sich die Leinwand insgesamt in ordentlichen bis guten Zustand, angesichts des Alters des Gemäldes. Die Oberfläche weist eine Patina auf, und es sind verschiedene Risse, kleine Fehlstellen der Farbhaut und lokale Abnutzung sichtbar, insbesondere entlang der Ränder (vor allem am unteren Rand und in der unteren linken Ecke) sowie an den Rändern der Leinwand. Die schutzschicht der Oberfläche erscheint stark vergilbt, getrübt und durch die Zeit oxidiert. Dieses Phänomen neigt dazu, die Farbtöne zu verdunkeln und die Kontraste des ursprünglichen Chiaroscuro teilweise abzutöten.
Das Original-Leinwand hat einen alten Rintelo, der keine Maßnahmen zu benötigen scheint. Der Rahmen könnte zum Zeitpunkt des Rintelo ersetzt worden sein. Die Maße der Leinwand betragen cm. 48 x 38.
Das Gemälde wird ohne Rahmen verkauft, obwohl es durch einen prächtigen goldenen und verarbeiteten Rahmen veredelt ist.

HERKUNFT: Privatsammlung

VERÖFFENTLICHUNG:
 Unveröffentlicht;
 DIE MYTHEN UND DAS TERRITORIUM in Sizilien mit den tausend Kulturen. UNVERÖFFENTLICHTE QUADERIA allgemeines Verzeichnis der Gemälde der Kollektion des Zyklus „Die Mythen und das Territorium“, Verlag Lab_04, Marsala, 2026 (Pdf).

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