Mark Rothko - Sin título (Verde sobre morado)

Offset-Lithografie Sin título (Verde sobre morado) / 1961/ Mark Rothko.
Copyright @ Kate Rothko Prizel und Christophel Rothko / VEGAP Madrid.
Veröffentlicht vom Thyssen-Bornemisza Museo Nacional.

Obwohl Rothko mit dem Abstrakten Expressionismus in Verbindung gebracht wird, weicht sein Gemälde dem gestischen und spontanen Stil seiner Zeitgenossen aus. In seinem reifen Werk schweben ein oder mehrere rechteckige Formen typischerweise auf der Oberfläche des Hintergrunds, ohne sich davon abzuheben. Die lebendigen, stark verdünnten Farben, die in aufeinanderfolgenden Lasuren aufgetragen werden, umhüllen den Betrachter und ziehen ihn in eine neue Art von Räumlichkeit, die jeglicher messbarer Vorstellung entbehrt. In den 1960er Jahren wich die leuchtende, expansive Farbigkeit der vorhergehenden Dekade in seiner Arbeit einem düsteren, introspektiven Ton – Purpur- und Grautöne, dunkle Grüntöne und Brauntöne. In dem hier behandelten Gemälde offenbart der Begriff der „Abstraktion des Sublimen“, den der Kritiker Robert Rosenblum auf seine Arbeit anwendete, seine volle Bedeutung.

Obwohl er im Allgemeinen mit der Generation der abstrakten Expressionisten der New Yorker Schule assoziiert wird, hörte Rothko schon sehr früh auf, sich mit seinen Kollegen die gestische und spontane Natur ihrer Malerei zu teilen. Zu Beginn der 1950er Jahre hatte Mark Rothko bereits eine persönliche abstrakte Sprache entwickelt, die er in den folgenden zwanzig Jahren einem Prozess der Verfeinerung und Vereinfachung unterzog. Seine Leinwände – meist großformatig, weil er glaubte, dies schaffe beim Betrachten ein größeres Gefühl von Intimität – sind in mehrere rechteckige Farbfelder unterteilt, mehr oder weniger horizontal, offen und lebendig, die in keinem Zusammenhang mit Geometrie stehen und in einem Unbestimmtheitsraum zu schweben scheinen. Die Farben, in aufeinanderfolgenden, dünnen Lasuren aufgetragen – als wären es Aquarelle statt Ölfarben – enthüllen niemals die Pinselstriche und reduzieren die Textur der Malerei auf ein absolutes Minimum.

Rothko verstand seine Werke als Dramen, als Darstellung einer zeitlosen Tragödie. Seine Gemälde, von großer geistiger Intensität durchdrungen, hüllen den Betrachter in starke Emotionen ein und laden ihn zum Nachdenken und Meditieren ein. Robert Rosenblum beschrieb seine Malerei als die „Abstraktion des Sublimen“ und verband sie mit der romantischen Tradition der nordischen Länder. Laut diesem Autor suchen Rothkos Gemälde, wie die von Friedrich ein Jahrhundert zuvor, „das Heilige in einer profanen Welt“.

Rothko glaubte, dass reine Farbe der beste Weg sei, Gefühle auszudrücken, und in diesem Sinn lassen sich eine Verbindung zu den mystischen Abstraktionstheorien Kandinskys herstellen. Wie Kandinsky glaubte Rothko, dass Farbe unmittelbar auf die Seele wirkt und tiefe Gefühle beim Betrachter hervorrufen könne. In den frühen 1960er Jahren wurden die kräftigen, leuchtenden Töne seiner früheren Gemälde, die eine Art expansive Ausstrahlung erzeugten, durch düstere Farben ersetzt, wie Purpur-, Grau- und Dunkelgrüntöne sowie Braun, mit denen Rothko rätselhafteren, ja ehrfurchtgebietenderen Werken gestaltete.

Im Jahr 1961, dem gleichen Jahr, in dem Rothko *Green on Purple* (Thyssen-Bornemisza Museum) malte, fand im Museum of Modern Art eine bedeutende Retrospektive des Künstlers statt – die erste Einzelausstellung dieses New Yorker Museums, die einem Künstler der New York School gewidmet war. Rothko, der die Installation seiner Werke immer sorgfältig überwacht hat – er legte großen Wert darauf, wie Betrachter sie erleben – schuf eine sehr intensive und dramatische Präsentation, bei der die Gemälde dicht beieinander platziert und die Beleuchtung stark diffundiert war, was den Wandel in seiner Arbeit vorwegnahm und einen Spiegel des depressiven Zustands darstellte, in dem er sich befand. Zwar ist es nicht sicher belegt, doch bemerkt Gail Levin, dass *Green on Purple* wahrscheinlich nach dem Abschluss der genannten Ausstellung gemalt wurde und als eines der frühesten Beispiele für die Entwicklung von Rothkos Malerei zu dunkleren, opakereren Tönen gilt.

Jeffrey Weiss sprach von dem Widerspruch zwischen der Anziehung, die wir Rothkos Gemälden entgegenbringen – sie laden zu längerer Kontemplation ein – und der Schwierigkeit, sie zu entschlüsseln. Paradoxerweise strebte Rothko stets danach, verstanden zu werden, überzeugt davon, dass „die Entwicklung des Werks eines Malers eine Reise durch die Zeit hin zu Klarheit ist: zur Beseitigung aller Hindernisse zwischen Maler und Idee, und zwischen Idee und Betrachter“; und für ihn bedeute „das Erreichen dieser Klarheit einfach Verstehen zu sein“.

Ein großer Sammlerwert.

Das Plakat misst 68 x 89 cm.

Alle Plakate wurden von Kunstliebhabern für Kunstliebhaber ausgewählt.

Das Plakat wird in einem starren Kartonröhren versandt.

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