Eine Skulptur aus Holz - MOBA - Togo (Ohne mindestpreis)

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Dimitri André
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Eine 107 cm hohe Holzskulptur der Moba aus Togo mit dem Titel „A wooden sculpture“, die eine schlanke anthropomorphe Ahnenfigur, vermutlich einen Tchitcheri, darstellt und auf einem modernen Sockel montiert ist.

KI-gestützte Zusammenfassung

Vom Verkäufer bereitgestellte Beschreibung

Anthropomorphe Ahnenfigur der Moba – Tchitcheri

Kultur: Moba (Bimoba)
Herkunft: Savannenregion, Nordtogo
Material: Holz, geschnitzt, naturbelassen, verwitterte hellbraune bis graubeige Oberfläche
Objekttyp: Anthropomorphe stehende Figur, vermutlich Tchitcheri, Ahnen- oder Schutzfigur
Kultureller Kontext: Traditionelle Ahnenverehrung und religiöses Weltbild der Moba in Nordtogo

Beschreibung

Diese außergewöhnlich schlanke und streng vertikale Holzskulptur aus dem kulturellen Umfeld der Moba in Nordtogo verkörpert eine besonders konsequente Form plastischer Reduktion. Ihre langgestreckte, beinahe säulenartige Gestalt wird durch wenige klar definierte Körperpartien gegliedert, deren architektonische Anordnung der Figur eine eindrucksvolle Monumentalität verleiht. Der Kopf bildet einen nahezu zylindrischen Körper, der an der Oberseite leicht abgeflacht ist und dessen Oberfläche keine erkennbaren anatomischen Gesichtszüge aufweist. Augen, Nase, Mund und Ohren fehlen vollständig oder sind infolge der Verwitterung nicht mehr erkennbar. Die vereinfachte Kopfform geht über eine schmale Einschnürung in einen breiten, blockartigen Schulterbereich über. Von diesem hängen zwei lange, schlanke Arme nahezu parallel zum Körper herab. Sie sind ohne detailliert ausgearbeitete Hände geschnitzt und enden in leicht abgerundeten Spitzen. Unterhalb der Schultern verjüngt sich der Rumpf zu einer auffallend schmalen, langgestreckten Mittelachse, die den Eindruck eines übermäßig gestreckten Oberkörpers vermittelt. Im unteren Drittel verbreitert sich die Figur zu einem stark modellierten, geschlossenen Hüft- und Gesäßbereich, aus dem zwei schlanke, leicht gespreizte Beine hervorgehen. Diese enden in spitzen, anatomisch nicht näher ausgearbeiteten Füßen. Die gesamte Skulptur weist eine stark strukturierte, hellbraune bis gräulich-beige Holzoberfläche mit tiefen Längsrissen, kleineren Abplatzungen und deutlichen Verwitterungsspuren auf. Die natürliche Holzmaserung tritt besonders an Kopf, Rumpf und Beinen hervor. Da die ursprüngliche Oberflächenbehandlung weitgehend verloren ist, hebt sich die zugrunde liegende plastische Struktur besonders deutlich ab. Die Figur ist auf einem modernen schwarzen Sockel montiert, der nicht zur ursprünglichen Gestaltung gehört.

Kunsthistorische Analyse

Die Moba leben überwiegend im Norden Togos, insbesondere in der Savannenregion, sowie in angrenzenden Gebieten des heutigen Ghana und Burkina Faso. Ihre traditionelle Holzbildhauerei zählt zu den charakteristischsten Ausdrucksformen der westafrikanischen Savannenkunst. Von besonderer Bedeutung sind die als Tchitcheri bekannten anthropomorphen Figuren, deren formale Gestaltung sich durch eine bemerkenswerte Vereinfachung menschlicher Körperformen auszeichnet. Die Tchitcheri-Tradition umfasst unterschiedliche Größen und Funktionskategorien, die mit Ahnenvorstellungen, familiärem Schutz und der Beziehung zwischen Menschen und übernatürlichen Kräften verbunden sind. Die vorliegende Skulptur weist wesentliche Merkmale dieser Tradition auf: den zylindrischen Kopf ohne detaillierte Gesichtszüge, die blockartigen Schultern, die langen herabhängenden Arme, den stark verlängerten Rumpf und die deutlich voneinander abgesetzten Beine. Besonders charakteristisch ist die konsequente Reduktion des menschlichen Körpers auf wenige grundlegende geometrische Formen. Während der Kopf als geschlossener Zylinder erscheint, bilden Schultern und Arme einen nahezu rechteckigen Oberkörper. Der langgestreckte Rumpf verbindet diesen mit dem breiteren Unterkörper und erzeugt so eine rhythmische Abfolge unterschiedlicher Volumen. Die künstlerische Wirkung beruht nicht auf anatomischer Genauigkeit, sondern vielmehr auf der bewussten Konzentration auf wesentliche Körpermerkmale. Diese Formensprache verleiht der Figur eine zeitlose, beinahe abstrakte Präsenz. Innerhalb der Moba-Kunst lassen sich verschiedene regionale und individuelle Stile beobachten, deren Eigenart sich besonders in den Proportionen, der Gestaltung des Kopfes und der Gliederung des Körpers zeigt. Die vorliegende Skulptur zeichnet sich durch ihre ungewöhnlich ausgeprägte Vertikalität und die starke Verlängerung des Mittelabschnitts aus. Eine genaue Datierung und die Zuordnung zu einer bestimmten Werkstatt bleiben mangels dokumentierter Provenienz ungewiss.

Symbolik

Die anthropomorphen Figuren der Moba stehen in enger Verbindung mit Vorstellungen von Abstammungslinien, familiärer Kontinuität und der Wirksamkeit spiritueller Kräfte. In der traditionellen religiösen Ordnung können Ahnen als fortbestehende Mitglieder einer Gemeinschaft verstanden werden, deren Einfluss auf das Wohlergehen der Lebenden anerkannt und durch rituelle Handlungen gepflegt wird. Chichcheri-Figuren können in diesem Zusammenhang als materielle Bezugspunkte zwischen der menschlichen und der unsichtbaren Welt dienen. Die bewusste Abstraktion der menschlichen Gestalt ist von besonderer Bedeutung. Das Fehlen individueller Gesichtszüge lässt sich so deuten, dass nicht das Porträt einer bestimmten Person im Mittelpunkt steht, sondern vielmehr die überpersönliche Präsenz einer spirituellen oder genealogischen Kraft. Die geschlossene Kopfform und die streng vertikale Körperachse verleihen der Figur eine Aura konzentrierter Ruhe. Die parallel zum Körper gehaltenen langen Arme verstärken den Eindruck von Zurückhaltung und innerer Geschlossenheit. Die ausgeprägte vertikale Ausrichtung könnte symbolisch mit der Verbindung zwischen Erde, menschlicher Existenz und spiritueller Sphäre in Zusammenhang gebracht werden. Solche Deutungen bleiben jedoch kunsthistorische Annäherungen und sollten nicht als definitive lokale Bedeutungszuschreibungen verstanden werden. Die tatsächliche symbolische Funktion einer Chitcheri-Figur hängt wesentlich von ihrer ursprünglichen rituellen Einbindung und ihrem sozialen Kontext ab.

Rituelle Funktion

In der religiösen Tradition der Moba werden verschiedene Kategorien von Chitcheri-Figuren unterschieden, deren Funktionen und soziale Bedeutung variieren können. Besonders bekannt sind die größeren Tchitcheri Sakab, die mit bedeutenden Ahnen und dem Fortbestand von Familienlinien verbunden sind. Daneben gibt es auch kleinere Formen, darunter Tchitcheri Bawoong, die mit persönlichem oder familiärem Schutz in Verbindung stehen können. Die konkrete Einordnung richtet sich jedoch nicht allein nach der äußeren Form, sondern auch nach Größe, Standort, ritueller Pflege und genealogischer Bedeutung. Da weder Maße noch dokumentierte Informationen zur ursprünglichen Verwendung der vorliegenden Skulptur vorliegen, ist eine eindeutige Zuordnung zu diesen Kategorien nicht möglich. Die spitzen Beine könnten darauf hindeuten, dass die Figur ursprünglich in den Boden oder ein anderes Trägermaterial eingelassen war. Eine solche Aufstellung ist für bestimmte Moba-Figuren belegt, lässt sich in diesem Fall jedoch nicht eindeutig nachweisen. Die stark verwitterte Holzoberfläche könnte mit einer längeren Einwirkung der Witterung vereinbar sein. Insbesondere die tiefen Risse, die aufgeraute Textur und die helle Verfärbung entsprechen Veränderungen, die durch klimatische Einflüsse entstehen können. Ob die Skulptur tatsächlich über längere Zeit im Freien aufgestellt war, müsste durch eine Materialanalyse untersucht werden.

Kunsthistorische Einschätzung

Die besondere künstlerische Qualität dieser Moba-Skulptur liegt in der radikalen Vereinfachung der menschlichen Gestalt und der daraus entstehenden monumentalen Wirkung. Trotz ihrer schlanken Silhouette besitzt die Figur eine bemerkenswerte plastische Präsenz. Der zylindrische Kopf, die streng gegliederten Schultern und der langgestreckte Rumpf bilden eine geschlossene Komposition, deren Wirkung durch das ausgewogene Verhältnis von vertikaler Ausdehnung und horizontaler Akzentuierung bestimmt wird. Die breiteren Hüften bilden ein Gegengewicht zum Oberkörper und verleihen der Skulptur eine subtile rhythmische Spannung. Besonders eindrucksvoll ist die Verbindung geometrischer Klarheit mit organischer Materialität. Die stark verwitterte Holzoberfläche bricht die formale Strenge und lässt das Werk als Objekt erscheinen, dessen gegenwärtige ästhetische Wirkung wesentlich durch seine Materialgeschichte geprägt ist. Innerhalb afrikanischer Bildhauertraditionen gehört die Kunst der Moba zu jenen Ausdrucksformen, in denen die Reduktion anatomischer Merkmale eine außergewöhnliche plastische Intensität hervorbringt. Die vorliegende Figur veranschaulicht diesen künstlerischen Ansatz. Ihre Wirkung beruht weder auf dekorativem Reichtum noch auf erzählerischer Ausschmückung, sondern auf der unmittelbaren Präsenz einer auf wenige Grundformen konzentrierten menschlichen Gestalt. Damit verkörpert sie ein wesentliches ästhetisches Prinzip der Tchitcheri-Tradition: die Verbindung von formaler Einfachheit, spiritueller Bedeutung und eindringlicher plastischer Ausdruckskraft.

Literatur

Kerchache, Jacques / Paudrat, Jean-Louis / Stéphan, Lucien: L'art africain. Paris: Citadelles & Mazenod, 1988.
Vogel, Susan Mullin (Hrsg.): Africa Explores: 20th Century African Art. New York: The Center for African Art / München: Prestel, 1991.
Roy, Christopher D. / Wheelock, Thomas G.: Land of the Flying Masks: Art and Culture in Burkina Faso. München: Prestel, 2007.

Die oben genannten Publikationen dienen als allgemeiner kunsthistorischer und vergleichender Bezugsrahmen für afrikanische Bildhauertraditionen und die Kunst der westafrikanischen Savanne. Sie stellen keinen spezifischen Beleg für die vorliegende Moba-Figur dar. Weitere Forschungen zur Tchitcheri-Tradition sollten insbesondere ethnografische Arbeiten berücksichtigen, die sich unmittelbar mit den religiösen Vorstellungen, der Ahnenverehrung und den Skulpturen der Moba befassen.

Urheberrecht und wissenschaftliche Dokumentation
Einige der Informationen und Fotografien wurden mithilfe künstlicher Intelligenz erstellt und beruhen auf veröffentlichten Quellen aus Ethnografie, Archäologie und Kunstgeschichte. Originaltexte und Fotografien können urheberrechtlich geschützt sein. Alle Rechte der jeweiligen Rechteinhaber bleiben vorbehalten.

Inv.-Nr. MAZ33610

Informant: Ouro

Der Verkäufer stellt sich vor

Wolfram Jaenickes Engagement mit afrikanischer Kunst begann nicht im Feld oder auf dem Markt, sondern in einem ruhigeren, inneren Raum – unter Papieren, Büchern und Objekten, die seinem Vater gehörten. Das Archiv über Deutschlands ehemalige Kolonien war nicht darauf angelegt, eine einzige Geschichte zu erzählen; es schlug viele vor. Es lud zur Prüfung ein statt zur Verehrung und lehrte Jaenicke früh, dass Objekte nie stumm sind. Sie tragen Zeit in sich – Bruchstelle und Kontinuität in derselben Form – und sie bitten darum, so sorgfältig gelesen zu werden wie Texte. Seit mehr als einem Vierteljahrhundert wirkt Jaenicke als Sammler, Händler und Vermittler, auch wenn keines dieser Begriffe die Gestalt seiner Praxis ganz erfassen kann. Was früher zu großzügig unter der Rubrik „Tribal Art“ zusammengefasst wurde, erschien ihm nie als ein versiegelter oder historischer Katalog. Es ist vielmehr ein Satz lebender Traditionen, der ständig mit der Gegenwart verhandelt. Seine akademische Ausbildung – Ethnologie, Kunstgeschichte und сравнende Rechtslehre – lieferte eine Grammatik. Die Sprache selbst erlernte er an anderer Stelle. In Mali, Kamerun, Côte d’Ivoire, Burkina Faso, Togo und Ghana kam Wissen langsam hervor, durch wiederholte Begegnungen, die sich zu Beziehungen verdichteten, und durch Vertrauen, das nicht auf einmal, sondern über Jahre aufgebaut wurde. Mali wurde zum Gravitationszentrum dieser Erfahrung. Zwischen 2002 und 2012 lebte und arbeitete Jaenicke in Bamako und Ségou, wo er Tribalartforum leitete, eine Galerie mit Blick auf den Niger. Der Raum widerstand leichter Chronologie. Skulpturen und Keramik teilten den Raum mit Fotografie, und Werke von Malick Sidibé – Bilder von malischer Jugend in den 1970er Jahren, selbstbewusst und ausgelassen – hingen neben älteren rituellen Formen. Die Wirkung war nicht nostalgisch, sondern klärend: Vergangenheit und Gegenwart schlossen sich nicht gegenseitig aus; sie schärften einander. Der Krieg von 2012 beendete dieses Kapitel abrupt, wie Kriege es neigen zu tun. Doch löste er die Arbeit nicht auf. Zusammen mit Aguibou Kamaté rief Jaenicke sich in Lomé, näher an die Orte heran, von denen viele Objekte stammen und auf denen sie weiterreisen. Seit 2018 ist Berlin ein weiterer Punkt auf dieser Karte geworden. Galerie Wolfgang Jaenicke arbeitet nun gegenüber dem Schloss Charlottenburg, unterstützt von einem kleinen Team von Spezialisten. Ihr Schwerpunkt liegt insbesondere auf westafrikanischen Bronzen und Terrakotten – Materialien, die von Erde und Feuer geformt sind, sowie auf Formen des Gedächtnisses, die sich einer leichten Übersetzung widersetzen. Was Jaenickes Praxis auszeichnet, ist nicht nur ihr geografischer Umfang, sondern ihre innere Spannung. Feldforschung geht mit Provenienzforschung einher; Handel wird als untrennbar von Verantwortung betrachtet. In Zusammenarbeit mit Museen und wissenschaftlichen Initiativen wird der Kreislauf nicht als Ausgrabung, sondern als ethischer Prozess dargestellt, der unvollendet bleibt. Ziel ist es, Objekte nicht aus der Welt zu entfernen und abzuschotten, sondern sie innerhalb der Welt lesbar zu halten – ihnen zu ermöglichen, weiter zu sprechen, auch wenn sich die Bedingungen ihrer Rede ändern. ------------ Galerie Wolfgang Jaenicke ist eine in Berlin ansässige Galerie, die sich auf westafrikanische Skulptur, Bronzen, Terrakotten, Masken und zeitgenössische afrikanische Kunst spezialisiert hat. Sie wird von Wolfgang Jaenicke geleitet, dessen Arbeit Sammeln, Handel, Provenienzforschung, Feldforschung und archivische Dokumentation verbindet. Laut dem eigenen Profil der Galerie studierte Jaenicke Ethnologie, Kunstgeschichte und vergleichende Rechtslehre und arbeitet seit mehr als fünfundzwanzig Jahren im Bereich afrikanischer Kunst. Seine Tätigkeiten entwickelten sich durch langfristiges Engagement in Ländern wie Mali, Kamerun, Côte d’Ivoire, Burkina Faso, Ghana und Togo. Anstatt afrikanische Kunst als geschlossene historische Kategorie zu präsentieren, beschreibt er sie als eine fortdauernde kulturelle Tradition, geprägt von lebendigen Gemeinschaften und wandelnden historischen Kontexten. Eine besonders wichtige Phase seiner Karriere war Mali, wo er zwischen ca. 2002 und 2012 in Bamako und Ségou lebte und arbeitete. Dort führte er Tribalartforum, eine Galerie, die historische afrikanische Skulptur mit zeitgenössischer afrikanischer Fotografie verband, darunter Werke von Malick Sidibé. Die politische und militärische Krise in Mali im Jahr 2012 führte zur Schließung dieser Aktivität. Später setzte Jaenicke, gemeinsam mit Aguibou Kamaté, seine Arbeit von Lomé, Togo, aus fort, bevor er eine Galerier Präsenz in Berlin nahe dem Schloss Charlottenburg gründete. Die Galerie legt besonderen Wert auf westafrikanische Bronzen, Terrakotten, Benin- und Ife-bezogene Werke, Nok-Skulpturen, Dogon-Kunst, Baule-Skulpturen, Senufo-Objekte und Yoruba-Material. Ein besonderes Merkmal von Jaenickes öffentlicher Haltung ist sein wiederholter Fokus auf Transparenz der Provenienz und Restitutionsdebatten. In mehreren veröffentlichten Objektakten diskutiert die Galerie ausdrücklich Themen rund um Exportdokumentation, UNESCO-Konventionen, Besitzverhältnisse und den Austausch mit Wissenschaftlern und Restitutionsforschern. Diese Aussagen spiegeln breitere zeitgenössische Debatten über die Zirkulation afrikanischen Kulturerbes, Rechtslage, Sammlerhistorie und Museumsankäufe wider. Die Galerie führt umfangreiche Online-Archive und Kataloge, die Hunderte afrikanischer Objekte dokumentieren, darunter Benin- und Ife-Bronzen, Nok-Terrakotten, Dogon-Skulpturen, Baule-Figuren, Fon-Objekte, Moba-Figuren und weiteres westafrikanisches Material. Für Forschende, die sich für die Geschichte des afrikanischen Kunsthandels interessieren, repräsentiert Jaenicke eine spätere Generation von Händlern im Vergleich zu Persönlichkeiten wie John J. Klejman. Während Klejman dem Nachkriegsmarkt New Yorks der 1950er–1970er Jahre zugehörte, ist Jaenickes Arbeit von gegenwärtigen Anliegen geprägt: Felddokumentation, Provenienzforschung, Restitutionsdiskussionen, digitale Archive und direkte Verbindung mit westafrikanischen Netzwerken und Künstlern. Dieser Text basiert auf KI-Informationen
Übersetzt mit Google Übersetzer

Anthropomorphe Ahnenfigur der Moba – Tchitcheri

Kultur: Moba (Bimoba)
Herkunft: Savannenregion, Nordtogo
Material: Holz, geschnitzt, naturbelassen, verwitterte hellbraune bis graubeige Oberfläche
Objekttyp: Anthropomorphe stehende Figur, vermutlich Tchitcheri, Ahnen- oder Schutzfigur
Kultureller Kontext: Traditionelle Ahnenverehrung und religiöses Weltbild der Moba in Nordtogo

Beschreibung

Diese außergewöhnlich schlanke und streng vertikale Holzskulptur aus dem kulturellen Umfeld der Moba in Nordtogo verkörpert eine besonders konsequente Form plastischer Reduktion. Ihre langgestreckte, beinahe säulenartige Gestalt wird durch wenige klar definierte Körperpartien gegliedert, deren architektonische Anordnung der Figur eine eindrucksvolle Monumentalität verleiht. Der Kopf bildet einen nahezu zylindrischen Körper, der an der Oberseite leicht abgeflacht ist und dessen Oberfläche keine erkennbaren anatomischen Gesichtszüge aufweist. Augen, Nase, Mund und Ohren fehlen vollständig oder sind infolge der Verwitterung nicht mehr erkennbar. Die vereinfachte Kopfform geht über eine schmale Einschnürung in einen breiten, blockartigen Schulterbereich über. Von diesem hängen zwei lange, schlanke Arme nahezu parallel zum Körper herab. Sie sind ohne detailliert ausgearbeitete Hände geschnitzt und enden in leicht abgerundeten Spitzen. Unterhalb der Schultern verjüngt sich der Rumpf zu einer auffallend schmalen, langgestreckten Mittelachse, die den Eindruck eines übermäßig gestreckten Oberkörpers vermittelt. Im unteren Drittel verbreitert sich die Figur zu einem stark modellierten, geschlossenen Hüft- und Gesäßbereich, aus dem zwei schlanke, leicht gespreizte Beine hervorgehen. Diese enden in spitzen, anatomisch nicht näher ausgearbeiteten Füßen. Die gesamte Skulptur weist eine stark strukturierte, hellbraune bis gräulich-beige Holzoberfläche mit tiefen Längsrissen, kleineren Abplatzungen und deutlichen Verwitterungsspuren auf. Die natürliche Holzmaserung tritt besonders an Kopf, Rumpf und Beinen hervor. Da die ursprüngliche Oberflächenbehandlung weitgehend verloren ist, hebt sich die zugrunde liegende plastische Struktur besonders deutlich ab. Die Figur ist auf einem modernen schwarzen Sockel montiert, der nicht zur ursprünglichen Gestaltung gehört.

Kunsthistorische Analyse

Die Moba leben überwiegend im Norden Togos, insbesondere in der Savannenregion, sowie in angrenzenden Gebieten des heutigen Ghana und Burkina Faso. Ihre traditionelle Holzbildhauerei zählt zu den charakteristischsten Ausdrucksformen der westafrikanischen Savannenkunst. Von besonderer Bedeutung sind die als Tchitcheri bekannten anthropomorphen Figuren, deren formale Gestaltung sich durch eine bemerkenswerte Vereinfachung menschlicher Körperformen auszeichnet. Die Tchitcheri-Tradition umfasst unterschiedliche Größen und Funktionskategorien, die mit Ahnenvorstellungen, familiärem Schutz und der Beziehung zwischen Menschen und übernatürlichen Kräften verbunden sind. Die vorliegende Skulptur weist wesentliche Merkmale dieser Tradition auf: den zylindrischen Kopf ohne detaillierte Gesichtszüge, die blockartigen Schultern, die langen herabhängenden Arme, den stark verlängerten Rumpf und die deutlich voneinander abgesetzten Beine. Besonders charakteristisch ist die konsequente Reduktion des menschlichen Körpers auf wenige grundlegende geometrische Formen. Während der Kopf als geschlossener Zylinder erscheint, bilden Schultern und Arme einen nahezu rechteckigen Oberkörper. Der langgestreckte Rumpf verbindet diesen mit dem breiteren Unterkörper und erzeugt so eine rhythmische Abfolge unterschiedlicher Volumen. Die künstlerische Wirkung beruht nicht auf anatomischer Genauigkeit, sondern vielmehr auf der bewussten Konzentration auf wesentliche Körpermerkmale. Diese Formensprache verleiht der Figur eine zeitlose, beinahe abstrakte Präsenz. Innerhalb der Moba-Kunst lassen sich verschiedene regionale und individuelle Stile beobachten, deren Eigenart sich besonders in den Proportionen, der Gestaltung des Kopfes und der Gliederung des Körpers zeigt. Die vorliegende Skulptur zeichnet sich durch ihre ungewöhnlich ausgeprägte Vertikalität und die starke Verlängerung des Mittelabschnitts aus. Eine genaue Datierung und die Zuordnung zu einer bestimmten Werkstatt bleiben mangels dokumentierter Provenienz ungewiss.

Symbolik

Die anthropomorphen Figuren der Moba stehen in enger Verbindung mit Vorstellungen von Abstammungslinien, familiärer Kontinuität und der Wirksamkeit spiritueller Kräfte. In der traditionellen religiösen Ordnung können Ahnen als fortbestehende Mitglieder einer Gemeinschaft verstanden werden, deren Einfluss auf das Wohlergehen der Lebenden anerkannt und durch rituelle Handlungen gepflegt wird. Chichcheri-Figuren können in diesem Zusammenhang als materielle Bezugspunkte zwischen der menschlichen und der unsichtbaren Welt dienen. Die bewusste Abstraktion der menschlichen Gestalt ist von besonderer Bedeutung. Das Fehlen individueller Gesichtszüge lässt sich so deuten, dass nicht das Porträt einer bestimmten Person im Mittelpunkt steht, sondern vielmehr die überpersönliche Präsenz einer spirituellen oder genealogischen Kraft. Die geschlossene Kopfform und die streng vertikale Körperachse verleihen der Figur eine Aura konzentrierter Ruhe. Die parallel zum Körper gehaltenen langen Arme verstärken den Eindruck von Zurückhaltung und innerer Geschlossenheit. Die ausgeprägte vertikale Ausrichtung könnte symbolisch mit der Verbindung zwischen Erde, menschlicher Existenz und spiritueller Sphäre in Zusammenhang gebracht werden. Solche Deutungen bleiben jedoch kunsthistorische Annäherungen und sollten nicht als definitive lokale Bedeutungszuschreibungen verstanden werden. Die tatsächliche symbolische Funktion einer Chitcheri-Figur hängt wesentlich von ihrer ursprünglichen rituellen Einbindung und ihrem sozialen Kontext ab.

Rituelle Funktion

In der religiösen Tradition der Moba werden verschiedene Kategorien von Chitcheri-Figuren unterschieden, deren Funktionen und soziale Bedeutung variieren können. Besonders bekannt sind die größeren Tchitcheri Sakab, die mit bedeutenden Ahnen und dem Fortbestand von Familienlinien verbunden sind. Daneben gibt es auch kleinere Formen, darunter Tchitcheri Bawoong, die mit persönlichem oder familiärem Schutz in Verbindung stehen können. Die konkrete Einordnung richtet sich jedoch nicht allein nach der äußeren Form, sondern auch nach Größe, Standort, ritueller Pflege und genealogischer Bedeutung. Da weder Maße noch dokumentierte Informationen zur ursprünglichen Verwendung der vorliegenden Skulptur vorliegen, ist eine eindeutige Zuordnung zu diesen Kategorien nicht möglich. Die spitzen Beine könnten darauf hindeuten, dass die Figur ursprünglich in den Boden oder ein anderes Trägermaterial eingelassen war. Eine solche Aufstellung ist für bestimmte Moba-Figuren belegt, lässt sich in diesem Fall jedoch nicht eindeutig nachweisen. Die stark verwitterte Holzoberfläche könnte mit einer längeren Einwirkung der Witterung vereinbar sein. Insbesondere die tiefen Risse, die aufgeraute Textur und die helle Verfärbung entsprechen Veränderungen, die durch klimatische Einflüsse entstehen können. Ob die Skulptur tatsächlich über längere Zeit im Freien aufgestellt war, müsste durch eine Materialanalyse untersucht werden.

Kunsthistorische Einschätzung

Die besondere künstlerische Qualität dieser Moba-Skulptur liegt in der radikalen Vereinfachung der menschlichen Gestalt und der daraus entstehenden monumentalen Wirkung. Trotz ihrer schlanken Silhouette besitzt die Figur eine bemerkenswerte plastische Präsenz. Der zylindrische Kopf, die streng gegliederten Schultern und der langgestreckte Rumpf bilden eine geschlossene Komposition, deren Wirkung durch das ausgewogene Verhältnis von vertikaler Ausdehnung und horizontaler Akzentuierung bestimmt wird. Die breiteren Hüften bilden ein Gegengewicht zum Oberkörper und verleihen der Skulptur eine subtile rhythmische Spannung. Besonders eindrucksvoll ist die Verbindung geometrischer Klarheit mit organischer Materialität. Die stark verwitterte Holzoberfläche bricht die formale Strenge und lässt das Werk als Objekt erscheinen, dessen gegenwärtige ästhetische Wirkung wesentlich durch seine Materialgeschichte geprägt ist. Innerhalb afrikanischer Bildhauertraditionen gehört die Kunst der Moba zu jenen Ausdrucksformen, in denen die Reduktion anatomischer Merkmale eine außergewöhnliche plastische Intensität hervorbringt. Die vorliegende Figur veranschaulicht diesen künstlerischen Ansatz. Ihre Wirkung beruht weder auf dekorativem Reichtum noch auf erzählerischer Ausschmückung, sondern auf der unmittelbaren Präsenz einer auf wenige Grundformen konzentrierten menschlichen Gestalt. Damit verkörpert sie ein wesentliches ästhetisches Prinzip der Tchitcheri-Tradition: die Verbindung von formaler Einfachheit, spiritueller Bedeutung und eindringlicher plastischer Ausdruckskraft.

Literatur

Kerchache, Jacques / Paudrat, Jean-Louis / Stéphan, Lucien: L'art africain. Paris: Citadelles & Mazenod, 1988.
Vogel, Susan Mullin (Hrsg.): Africa Explores: 20th Century African Art. New York: The Center for African Art / München: Prestel, 1991.
Roy, Christopher D. / Wheelock, Thomas G.: Land of the Flying Masks: Art and Culture in Burkina Faso. München: Prestel, 2007.

Die oben genannten Publikationen dienen als allgemeiner kunsthistorischer und vergleichender Bezugsrahmen für afrikanische Bildhauertraditionen und die Kunst der westafrikanischen Savanne. Sie stellen keinen spezifischen Beleg für die vorliegende Moba-Figur dar. Weitere Forschungen zur Tchitcheri-Tradition sollten insbesondere ethnografische Arbeiten berücksichtigen, die sich unmittelbar mit den religiösen Vorstellungen, der Ahnenverehrung und den Skulpturen der Moba befassen.

Urheberrecht und wissenschaftliche Dokumentation
Einige der Informationen und Fotografien wurden mithilfe künstlicher Intelligenz erstellt und beruhen auf veröffentlichten Quellen aus Ethnografie, Archäologie und Kunstgeschichte. Originaltexte und Fotografien können urheberrechtlich geschützt sein. Alle Rechte der jeweiligen Rechteinhaber bleiben vorbehalten.

Inv.-Nr. MAZ33610

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Der Verkäufer stellt sich vor

Wolfram Jaenickes Engagement mit afrikanischer Kunst begann nicht im Feld oder auf dem Markt, sondern in einem ruhigeren, inneren Raum – unter Papieren, Büchern und Objekten, die seinem Vater gehörten. Das Archiv über Deutschlands ehemalige Kolonien war nicht darauf angelegt, eine einzige Geschichte zu erzählen; es schlug viele vor. Es lud zur Prüfung ein statt zur Verehrung und lehrte Jaenicke früh, dass Objekte nie stumm sind. Sie tragen Zeit in sich – Bruchstelle und Kontinuität in derselben Form – und sie bitten darum, so sorgfältig gelesen zu werden wie Texte. Seit mehr als einem Vierteljahrhundert wirkt Jaenicke als Sammler, Händler und Vermittler, auch wenn keines dieser Begriffe die Gestalt seiner Praxis ganz erfassen kann. Was früher zu großzügig unter der Rubrik „Tribal Art“ zusammengefasst wurde, erschien ihm nie als ein versiegelter oder historischer Katalog. Es ist vielmehr ein Satz lebender Traditionen, der ständig mit der Gegenwart verhandelt. Seine akademische Ausbildung – Ethnologie, Kunstgeschichte und сравнende Rechtslehre – lieferte eine Grammatik. Die Sprache selbst erlernte er an anderer Stelle. In Mali, Kamerun, Côte d’Ivoire, Burkina Faso, Togo und Ghana kam Wissen langsam hervor, durch wiederholte Begegnungen, die sich zu Beziehungen verdichteten, und durch Vertrauen, das nicht auf einmal, sondern über Jahre aufgebaut wurde. Mali wurde zum Gravitationszentrum dieser Erfahrung. Zwischen 2002 und 2012 lebte und arbeitete Jaenicke in Bamako und Ségou, wo er Tribalartforum leitete, eine Galerie mit Blick auf den Niger. Der Raum widerstand leichter Chronologie. Skulpturen und Keramik teilten den Raum mit Fotografie, und Werke von Malick Sidibé – Bilder von malischer Jugend in den 1970er Jahren, selbstbewusst und ausgelassen – hingen neben älteren rituellen Formen. Die Wirkung war nicht nostalgisch, sondern klärend: Vergangenheit und Gegenwart schlossen sich nicht gegenseitig aus; sie schärften einander. Der Krieg von 2012 beendete dieses Kapitel abrupt, wie Kriege es neigen zu tun. Doch löste er die Arbeit nicht auf. Zusammen mit Aguibou Kamaté rief Jaenicke sich in Lomé, näher an die Orte heran, von denen viele Objekte stammen und auf denen sie weiterreisen. Seit 2018 ist Berlin ein weiterer Punkt auf dieser Karte geworden. Galerie Wolfgang Jaenicke arbeitet nun gegenüber dem Schloss Charlottenburg, unterstützt von einem kleinen Team von Spezialisten. Ihr Schwerpunkt liegt insbesondere auf westafrikanischen Bronzen und Terrakotten – Materialien, die von Erde und Feuer geformt sind, sowie auf Formen des Gedächtnisses, die sich einer leichten Übersetzung widersetzen. Was Jaenickes Praxis auszeichnet, ist nicht nur ihr geografischer Umfang, sondern ihre innere Spannung. Feldforschung geht mit Provenienzforschung einher; Handel wird als untrennbar von Verantwortung betrachtet. In Zusammenarbeit mit Museen und wissenschaftlichen Initiativen wird der Kreislauf nicht als Ausgrabung, sondern als ethischer Prozess dargestellt, der unvollendet bleibt. Ziel ist es, Objekte nicht aus der Welt zu entfernen und abzuschotten, sondern sie innerhalb der Welt lesbar zu halten – ihnen zu ermöglichen, weiter zu sprechen, auch wenn sich die Bedingungen ihrer Rede ändern. ------------ Galerie Wolfgang Jaenicke ist eine in Berlin ansässige Galerie, die sich auf westafrikanische Skulptur, Bronzen, Terrakotten, Masken und zeitgenössische afrikanische Kunst spezialisiert hat. Sie wird von Wolfgang Jaenicke geleitet, dessen Arbeit Sammeln, Handel, Provenienzforschung, Feldforschung und archivische Dokumentation verbindet. Laut dem eigenen Profil der Galerie studierte Jaenicke Ethnologie, Kunstgeschichte und vergleichende Rechtslehre und arbeitet seit mehr als fünfundzwanzig Jahren im Bereich afrikanischer Kunst. Seine Tätigkeiten entwickelten sich durch langfristiges Engagement in Ländern wie Mali, Kamerun, Côte d’Ivoire, Burkina Faso, Ghana und Togo. Anstatt afrikanische Kunst als geschlossene historische Kategorie zu präsentieren, beschreibt er sie als eine fortdauernde kulturelle Tradition, geprägt von lebendigen Gemeinschaften und wandelnden historischen Kontexten. Eine besonders wichtige Phase seiner Karriere war Mali, wo er zwischen ca. 2002 und 2012 in Bamako und Ségou lebte und arbeitete. Dort führte er Tribalartforum, eine Galerie, die historische afrikanische Skulptur mit zeitgenössischer afrikanischer Fotografie verband, darunter Werke von Malick Sidibé. Die politische und militärische Krise in Mali im Jahr 2012 führte zur Schließung dieser Aktivität. Später setzte Jaenicke, gemeinsam mit Aguibou Kamaté, seine Arbeit von Lomé, Togo, aus fort, bevor er eine Galerier Präsenz in Berlin nahe dem Schloss Charlottenburg gründete. Die Galerie legt besonderen Wert auf westafrikanische Bronzen, Terrakotten, Benin- und Ife-bezogene Werke, Nok-Skulpturen, Dogon-Kunst, Baule-Skulpturen, Senufo-Objekte und Yoruba-Material. Ein besonderes Merkmal von Jaenickes öffentlicher Haltung ist sein wiederholter Fokus auf Transparenz der Provenienz und Restitutionsdebatten. In mehreren veröffentlichten Objektakten diskutiert die Galerie ausdrücklich Themen rund um Exportdokumentation, UNESCO-Konventionen, Besitzverhältnisse und den Austausch mit Wissenschaftlern und Restitutionsforschern. Diese Aussagen spiegeln breitere zeitgenössische Debatten über die Zirkulation afrikanischen Kulturerbes, Rechtslage, Sammlerhistorie und Museumsankäufe wider. Die Galerie führt umfangreiche Online-Archive und Kataloge, die Hunderte afrikanischer Objekte dokumentieren, darunter Benin- und Ife-Bronzen, Nok-Terrakotten, Dogon-Skulpturen, Baule-Figuren, Fon-Objekte, Moba-Figuren und weiteres westafrikanisches Material. Für Forschende, die sich für die Geschichte des afrikanischen Kunsthandels interessieren, repräsentiert Jaenicke eine spätere Generation von Händlern im Vergleich zu Persönlichkeiten wie John J. Klejman. Während Klejman dem Nachkriegsmarkt New Yorks der 1950er–1970er Jahre zugehörte, ist Jaenickes Arbeit von gegenwärtigen Anliegen geprägt: Felddokumentation, Provenienzforschung, Restitutionsdiskussionen, digitale Archive und direkte Verbindung mit westafrikanischen Netzwerken und Künstlern. Dieser Text basiert auf KI-Informationen
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Details

Ethnie/ Kultur
Moba
Herkunftsland
Togo
Material
Holz
Sold with stand
Ja
Zustand
Angemessener Zustand
Titel des Kunstwerks
A wooden sculpture
Höhe
107 cm
Gewicht
4,6 kg
Authentizität
Original/offiziell
Verkauft von
DeutschlandVerifiziert
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Verkaufte Objekte
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Rechtliche Informationen des Verkäufers

Unternehmen:
Jaenicke Njoya GmbH
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