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The evolution of Modern Art, brought to you by {name}

Kai Brückner

San Sebastian, Spagna. Il regno del surf. Vanno e vengono aspettando l'onda perfetta. E alcuni di loro osservano le due auto cadute dal cielo e incagliate nell'oceano di fronte. Una scena surreale ma anche molto, molto reale.

"Mirages" – Cose improbabili in luoghi improbabili; un omaggio alle auto americane del passato, un omaggio a Stephen Shore e a quell'iconica cultura americana.
Cadillac, Chevrolet Dodge, auto americane d'epoca degli anni '70 cadute sulle spiagge di San Sebastian in Spagna, furgoni dei gelati di fronte alla spiaggia di Brighton in Inghilterra, vecchi camper Buffalo arrivati ​​da chissà dove, nell'oceano di fronte a Monterey in California o parcheggiati "sognando la California" a Los Angeles.
I surfisti sembrano disinteressati, altri sono curiosi, altri ancora non se ne curano affatto... e tu da che parte stai?

In collaborazione con Catawiki abbiamo scelto dei prezzi di riserva molto bassi: nei A2 e A3 100 euro, nei formati XXL 150 euro. Dove non c'è il prezzo di riserva la base d'asta è di 1 euro.



Come spesso mi succede, per scattare fotografie come questa sono rimasto immobile, accovacciato e nascosto, per molto molto tempo, anche più di un'ora.
Un'ora con la macchina fotografica in mano, senza mai staccarla dagli occhi, un'ora ad aspettare che passassero le persone giuste, o gli automezzi più soddisfacenti al mio gusto.
E succede che quando arrivano le persone giuste in contemporanea passano veicoli che le coprono e quindi bisogna rifare tutto e aspettare ancora, oppure quando passano gli automezzi che mi intrigano la luce cambia e appiattisce tutta la scena... altro tempo sprecato e altro di attesa nell'attesa.
Tutto il mio lavoro si basa sull'attesa, a volte è estenuante, ma quando la magia accade, come in questo caso, allora penso che ne sia valsa la pena.

Immagini banali? Insignificanti?
Quello che sò è che queste Opere Fotografiche sono molto complesse e anche molto intriganti. Molto.

La Fotografia è la mia visione artistica del mondo.
Unica, originale e inimitabile.
È solo mia.

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Spedisco personalmente questa fotografia in una scatola super protettiva (progettata e realizzata a mano da me) tramite UPS - DHL - TNT - BRT in un giorno lavorativo.


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CARTE FINE ART
Fotografia ad alta risoluzione. Edizione limitata di 50 copie.
La qualità delle carte Fine Art è altissima, le immagini qui presenti non possono riprodurre appieno la vera bellezza della carta fotografica (la finitura, lo spessore etc etc.), che si esprime al massimo quando una stampa la si vede dal vero, la si prende in mano e allora si che si  rimane senza parole.


IL MIO LAVORO
Tutto il mio lavoro si basa sull'attesa, a volte è estenuante, ma quando la magia accade, come in questo caso, allora penso che ne sia valsa la pena.
Queste Opere Fotografiche sono il magico risultato di una grande ricerca ininterrotta che dura da oltre trent'anni, e di un lavoro sia intellettuale che manuale.


SOGGETTI E SCENOGRAFIE
Le fotografie vedono paesaggi a volte riconoscibili e altre volte no, luoghi e "scenografie" apparentemente banali o insignificanti, ma che in realtà vengono completamente trasformati dalla mia visione artistica del mondo.
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FOTOGRAFIE CHE HANNO TROVATO CASA
Le mie Fotografie hanno trovato casa in ogni angolo del mondo, dagli Stati Uniti d'America a Hong Kong, passando per tutta l'Europa fino all'Islanda, al Regno Unito e a Taiwan.


TECNICA
Mi chiamo Roberto Cavalli alias #contengospazio, Artista e Fotografo con oltre trent'anni di passione ed esperienza.
Tutte le mie Opere Fotografiche nascono da fotografie scattate da me personalmente, senza l'ausilio della Intelligenza Artificiale (AI).
Scatto personalmente ogni fotografia e poi le rielaboro personalmente in post-produzione.
Come sempre, tutte le mie Opere Fotografiche sono originali (non copie di altre Opere o imitazioni), in Edizione Limitata, con certificato e firma sul retro.

DESIGN & ARREDO
Le mie Fotografie hanno la particolarità di arredare egregiamente ogni ambiente; il forte impatto visivo e l'originalità sono la caratteristica di ogni mia fotografia, inclusa questa.
Nelle immagini allegate, puoi vedere la simulazione di questa fotografia disposta in diverse cornici, in diversi formati e in diversi ambienti (casa, lavoro ecc. ecc.), giusto per avere un'idea più precisa di un possibile risultato finale.
Il bordo (bianco o nero) serve a proteggere la fotografia, che verrà poi coperta dalla cornice o dal passe-portout.

SPEDIZIONI IN UN GIORNO IN TUTTO IL MONDO
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PAROLE CHIAVE NELLE MIE FOTOGRAFIE
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SAN SEBASTIAN
San Sebastián è una rinomata destinazione per il surf, soprattutto grazie alla spiaggia della Zurriola, frequentata da surfisti provenienti da tutto il mondo. La città, situata nei Paesi Baschi, offre onde adatte sia ai principianti che ai più esperti, ed è sede di numerose scuole di surf. 
Perché San Sebastián è una meta amata dai surfisti:
Spiaggia della Zurriola:
Questa spiaggia è il cuore pulsante del surf a San Sebastián, con onde che si infrangono regolarmente e attirano surfisti di ogni livello. 
Scuole di surf:
Ci sono diverse scuole di surf a San Sebastián che offrono lezioni e noleggio attrezzatura, rendendo facile per chiunque provare questo sport. 
Atmosfera surfistica:
La città ha un'atmosfera vivace e amichevole, con un'importante comunità di surfisti che contribuisce a rendere l'esperienza ancora più speciale. 
Località:
San Sebastián è situata in una posizione strategica, con facile accesso ad altre rinomate località per il surf nei Paesi Baschi, come Zarautz. 
Clima e onde:
Il clima oceanico della regione offre condizioni favorevoli per il surf durante tutto l'anno, con onde adatte a diversi stili. 
Oltre alla Zurriola, altre spiagge come La Concha e Ondarreta, pur essendo più turistiche, offrono anche la possibilità di praticare sport acquatici come il surf. 
In breve, San Sebastián è una destinazione completa per gli amanti del surf, combinando onde di qualità con un'atmosfera accogliente e una ricca cultura locale. 



MUSCLE CAR
Le automobili iconiche americane rappresentano un pezzo importante della storia dell'industria automobilistica e della cultura popolare statunitense. Tra i modelli più celebri troviamo la Ford Model T, la Chevrolet Corvette, la Ford Mustang, e la Cadillac Eldorado. Questi veicoli non solo hanno segnato epoche, ma sono diventati simboli di libertà, potenza e stile americano. 
Ecco alcuni modelli iconici e le loro caratteristiche:
Ford Model T: 
Fu la prima auto prodotta in massa, rivoluzionando il concetto di mobilità.
Rappresenta un'epoca di cambiamento e progresso nell'industria automobilistica.
Chevrolet Corvette: 
Sinonimo di auto sportive americane, la Corvette è celebre per il suo design accattivante e le elevate prestazioni.
È un'icona del sogno americano, incarnando potenza e stile.
Ford Mustang: 
Definisce il concetto di muscle car americana, con un design aggressivo e prestazioni elevate.
La sua popolarità è rimasta intatta nel corso degli anni, diventando un'icona del marchio Ford e dell'industria automobilistica statunitense.
Cadillac Eldorado: 
Auto di lusso che rappresenta il meglio dell'eleganza americana.
È un'icona di stile e status, con un design distintivo e finiture di alta qualità.
Chevrolet Camaro: 
Altra muscle car iconica, apprezzata per il suo design muscoloso e le prestazioni sportive.
È un'auto che esprime potenza e passione per la guida, diventando un simbolo dell'industria automobilistica americana.
Questi sono solo alcuni esempi delle tante automobili americane che hanno lasciato un segno nella storia. Ogni modello ha una sua storia e un suo fascino, contribuendo a creare il mito dell'auto americana. 


FOTOGRAFIA A COLORI
Dall'inizio del mezzo, i fotografi hanno desiderato colorare le loro immagini monocromatiche, con la pittura a mano di fotografie stampate un metodo ampiamente utilizzato durante il 19 ° secolo.

Nastro in tartan, fotografia del 1861 di Thomas Sutton e James Clerk Maxwell
Nastro in tartan, 1861 Thomas Sutton / James Clerk Maxwell
L'invenzione della fotografia a colori è stata un argomento molto dibattuto, con Levi Hill, un pastore battista americano, che ha affermato di aver inventato un metodo già nel 1851.
Altri considerano la raffigurazione di un nastro scozzese scattata circa dieci anni dopo, il prototipo. Catturato da Thomas Sutton (l'inventore della fotocamera reflex a obiettivo singolo) ha utilizzato un metodo di colore additivo inventato dal fisico matematico scozzese James Clerk Maxwell, mentre è stato anche in questo periodo che l'inventore Louis Arthur Ducos du Hauron stava formulando una tecnica simile , basato sulla teoria dei tre colori che rimane al centro della stampa oggi.

Isola di Ponza, Paesaggio italiano, 1986 Luigi Ghirri

Il suo metodo prevedeva i filtri di vetro rivestiti di chicchi tinti di fecola di patate e avrebbe costituito le basi per i successivi sviluppi, tra cui il autocromo, inaugurato nel 1907 dai fratelli francesi Auguste e Louis Lumière, gli inventori del Cinématographe. Il autocromo Il processo ha consentito l'acquisizione di immagini colori con un realismo che ha superato quello dei suoi predecessori, diventando rapidamente la forma dominante della fotografia a colori. Tuttavia, era lento e macchinoso e richiedeva lunghe esposizioni che rendevano impossibile l'acquisizione di immagini in movimento

Staithes Harbour, 1915 (immagineutocromatica) John Cimon Warburg / Getty Images.

Nel 1936, Kodak ha rivoluzionato la fotografia a colori con il rilascio dell'ormai leggendario Kodachrome. Un film a inversione di colore, ha permesso di catturare immaginiltamente dettagliate nella piena, espressiva, cromaticità, rendendolo estremamente popolare tra i fotografi commerciali nella seconda metà del XX secolo. Tuttavia, i fornitori di stili più `` seri '', come il fotogiornalismo, continuerebbero in gran parte a rifiutare il fascino delle immagini colori, considerandolo ostentato, privo di autenticità e come un ostacolo nella loro battaglia in corso affinché il loro mezzo sia considerato un autentico forma d'arte.

New York, 1952 fotografia di Ernst Haas State of Ernst Haas.

Un'eccezione era austriaca Ernst Haas, che, sebbene non sempre riconosciuto come tale, è stato in prima linea nel primo movimento del colore e ha contribuito a gettare le basi per coloro che lo hanno seguito. Inizialmente lavorando esclusivamente in bianco e nero, la sua incursione nell'immaginario cromatico iniziò con l'acquisto della sua prima Leica, poco dopo la sua inaugurazione nell'agenzia Magnum nel 1949.

Un fotografo poliedrico, il suo lavoro ha attraversato sia commerciale (è stato il primo a fotografare il "Malboro Man") e fotogiornalismo, sebbene sia nella sua street photography dove il suo uso del colore è più profondo. Immagini di una città magica, una serie di foto a colori di New York, è un ottimo esempio del suo virtuosismo. Il suo uso di angoli insoliti, tempi di otturazione lenti e riflessi, danno un ritratto parzialmente astratto e seppia della città che in seguito sarebbe diventata la sua casa, e riflette la personalità di spirito libero di Haas, mostrando anche le capacità artistiche del mezzo .

Fotografia a colori, Navajo Nation, Arizona 1970 fotografia di Ernst Haas Estate of Ernst Haas
New York, 1952 fotografia di Ernst Haas Estate of Ernst Haas
 
Saul Leiter, un contemporaneo di Haas, è stato un altro importante colorista dei primi anni, i suoi ritratti delle strade che circondano la sua casa di Manhattan negli anni '50 e '60, sono davvero straordinari ed esemplificano l'approccio artistico per il quale è diventato in seguito famoso.

Possedeva l'occhio di un pittore per il colore e, come Haas, flirtava con l'astratto, usando angoli, compressione e, spesso, scattando attraverso finestre le cui superfici erano invariabilmente vetrate da vapore, pioggia o riflessi. Tuttavia, in contrasto con il dinamismo insito nella New York di Haas, Leiter ha cercato rari momenti di serenità, un approccio che rispecchiava la sua stessa reticenza, anche se sarebbero passati decenni prima che ottenesse il riconoscimento che meritava così tanto.

Fotografia a colori, Taxi, New York, USA, 1957 fotografia di Saul Leiter
Snow, New York, 1960 Fondazione Saul Leiter
 
Finestra - New York, 1957 Fondazione Saul Leiter

È William Eggleston, che è ampiamente considerato come la figura più importante nella fotografia a colori. Considerato il padre di quello che ora è conosciuto come il Movimento colore americano, il suo contributo all'accettazione dello stile non può essere sopravvalutato, tuttavia, senza il suo amico meno noto e contemporaneo William Christenberry, la storia avrebbe potuto essere molto diversa.

Dalla metà degli anni '1950, Christenberry ha utilizzato la sua macchina fotografica Kodak Brownie per catturare immagini vernacolari e spesso inquietanti dei paesaggi e delle strutture fatiscenti del suo stato natale dell'Alabama, con considerazione per la forma e il colore informati dal suo background multidisciplinare.

Fotografia a colori, Red Building in Forest, Contea di Hale, Alabama, 1974 William Christenberry
 
Negozio TB Hicks (dettaglio), Newbern, Alabama, 1991 William Christenberry

Ha incontrato il collega meridionale Eggleston nei primi anni '1960 e la coppia è diventata rapidamente amici intimi. All'epoca, Eggleston lavorava esclusivamente in bianco e nero, ispirato dai grandi umanisti Robert Frank e Henri Cartier Bresson, nonché dalle immagini vernacolari dell'era della depressione di Walker Evans. Ma, a metà degli anni '1960, e grazie soprattutto all'influenza di Christenberry, iniziò a sperimentare con il colore, una decisione che avrebbe cambiato per sempre il mezzo.

Il suo stato d'origine del Tennessee (dove rimane fino ad oggi) era, quasi esclusivamente, il suo obiettivo, sebbene, nonostante la sua ovvia connessione con l'area, il suo approccio evitasse deliberatamente la narrativa.

Fotografia a colori, Senza titolo, fotografia del 1971 di William Eggleston Eggleston Artistic Trust
 
Senza titolo, da The Democratic Forest, 1983-1986 fotografia di William Eggleston Eggleston Artistic Trust

William Eggleston possedeva la straordinaria capacità di trasformare ciò che sembrava banale (un tavolo vuoto in una tavola calda, una bicicletta arrugginita abbandonata su un marciapiede) in incantevoli e, a tratti, surreali istantanee della vita suburbana in rapida modernizzazione nel profondo sud.

All'inizio degli anni '70, iniziò a sperimentare con la stampa a trasferimento di colore, un processo che consentiva all'utente il controllo sulla luminosità del colore. Ciò ha permesso a Eggleston di esaltare i toni già saturi che pervadevano le sue immagini, rendendole così ancora più suggestive; la sua rappresentazione del 1973 di una lampadina solitaria contro un soffitto rosso sangue è stata la sua prima creazione utilizzando il processo, ed è senza dubbio una delle sue più iconiche, permeata di un palpabile senso di presentimento che incarna il suo talento anomalo.

Fotografia a colori, Senza titolo, fotografia del 1973 di William Eggleston  Eggleston Artistic Trust

Allo stesso tempo, un gruppo di fotografi dal pensiero libero stava esplorando il colore, e sebbene forse fossero entrambi influenzati e incoraggiati da Eggleston, erano figure chiave nel movimento del colore a pieno titolo.

Stefano Shore è un esempio notevole, i suoi ritratti della vita ordinaria negli anni '70 in America hanno catturato lo zeitgeist del periodo. Allo stesso modo Joel Meyrowtiz, che ha catturato la squisita e mutevole carnagione di Cape Cod, nel Massachusetts, in una serie di ritratti che sono stati rilasciati nel photobook Luce del Capo nel 1979, oggi considerato uno dei più influenti del XX secolo.

Fotografia di paesaggi nuotatori nel Parco nazionale di Yosemite, California, USA Stephen Shore
 
Cape Light, Cape Cod, Stati Uniti 1979 Joel Meyrowtiz

Un'altra figura chiave del movimento dei colori americano era Elena Levitt: le sue candide raffigurazioni della New York degli anni '1970, catturano le complessità della vita quotidiana e mostrano una comprensione del colore che rivaleggia con quella dei suoi contemporanei maschi più famosi.

All'inizio degli anni '1980 il predominio della monocromia era svanito ed è emersa una nuova ondata di influenti fotografi a colori, in particolare Joel Sternfeld e Martin Parr.

Boy with Bubble, 1972 fotografia di Helen Levitt
New Brighton, Regno Unito da 'The Last Resort', 1983-85  Martin Parr /Magnum Photos

Fotografia a colori, Mclean, Virginia, dicembre 1978 - Da American Prospects  Joel Sternfield

Oggi il predominio della fotografia a colori è tale che è difficile immaginare il mezzo senza di esso. Il suo innegabile potere è forse articolato in modo più efficace da uno dei suoi primi campioni, Ernst Haas:

“Il colore è gioia. Non si pensa alla gioia. Uno è portato da esso ”.

Fine Art Baryta Photographique II 310g - Signed - 11/50

Roberto Cavalli - Mirages, Fallen from the sky #562

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Fine

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Excellent condition

Good

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2020+

1980-1990

2000-2010

Subject

Fine art photography

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Portrait

Nature

Landscape

Photojournalism

Architecture

Still life

Cityscape

Documentary photography

Pop Culture

Military and war

Seascape

Summer scene

Style

Conceptual art

Modern

Expressionism

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Technique

Digital print

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Other

Polaroid

Mixed media

Photogravure

Photolithography

Mixed technique

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