Anton Kaestner - #376 - S - " Glass Sea 1 ".

Unikate, originale Malerei von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
Meine allererste Glasmalerei, ein recyceltes Glas aus Marokko 1994.
#376 - S - " Glass Sea 1 ".

Acrylspray auf 3 mm Glasplatte.
Dieses Bild ist kein Druck. Es handelt sich um ein originales Werk "multi-schichtig" dessen glänzendes, resin-ähnliches Finish einzigartig ist.
Transparenz auf dem Druck.

Maße: Inch 8,7 * 10,4 * 0,12 / 22 * 26,5 * 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Bild wird ohne Rahmen geliefert.
Eine winzige Kerbe befindet sich auf der Rückseite; sie gehört zum Werk.
Rahmen der deutschen Qualitätsmarke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 60€ inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Dazu gehört ein Echtheitszertifikat.
Der Versand ist versichert.

Anton Kaestner ist ein schweizerischer Maler, Bildhauer und Autor, mit Wohnsitz in Paris. Seine Arbeiten werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne 7./10. Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich inmitten der natürlichen Schönheit und kulturellen Fülle meines Heimatlandes auf. Kreativität war in meiner Familie wertvoll, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf dich zukommen, beherrschend und einschüchternd, während kleine Werke deutlich mehr Liebe inspirieren können. Zunächst zog es mich zur nicht-gegenständlichen Malerei und dem abstrakten Expressionismus.
Mit der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheist betrachte, eine Vorliebe für spirituelle Materialien, die mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz stehen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort geebnet.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten über Marokko, Belgien, durch Asien bis nach Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und führten mich einer Vielzahl kultureller Einflüsse zu. Wohin ich auch ging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jeden Ortes auf.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, still köchelnd unter der Oberfläche. Fast dreißig Jahre lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, mich von der Welt zu lösen und mein Innerstes zu fokussieren.

Ich habe stets große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, eine Gelegenheit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben zu reflektieren.

2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich dem Malen vollständig. Ich gründete mein Atelier in Paris und begann, mich ganz meiner Kunst zu widmen. Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit schnell Anerkennung und fand in privaten Sammlungen in ganz Europa, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden, Aufnahme.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Atelier in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Werdegang

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen unverwechselbaren Ansatz in der Kunst, fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf die Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entwicklung sehe. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich erlaube „zufälligen Experimenten“ – alles geht, um den Verstand zu umgehen! – das Ergebnis, die Schichten & Spiegelungen zu lenken, und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber klar gesagt: In meinen Bildern entscheidet niemals der Zufall; höchstens stellt er Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich „unverrückbare Notwendigkeiten“ erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich finden, wenn wir still und hell innehalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern die Erfahrung des Sein. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten, meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Kern des Lebens“, für das, was Alain Damasio „le vif“ nennt. Obwohl Nostalgie schon immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls keinen Grund für ihr Sein, kein Ende und keinen Zweck haben. Obwohl meine Arbeit manchmal an die Transparenz und Leuchtkraft von Bleiglasfenstern erinnert, bleibt sie nahezu vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erkennen kann – sie ist bei jedem neuen Betrachter anders. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel aus Licht, Farbe und Textur sowie die fehlenden Teile erfordern Empathie. Hoffentlich wird der Reiz des Spiels zwischen „Details für die Nähe“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz für das Ganze“ die Betrachter dazu anregen, eigene introspektive Reisen zu unternehmen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und will demütig bleiben, was erreicht werden kann. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im kontinuierlichen Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu anhält, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.

Zur Kohärenz in meiner Praxis

Im Panorama der zeitgenössischen Kunst, wo Konzept und Form gleich viel Gewicht haben, suche ich nach Werk, das nicht durch Dominanz, sondern durch Präsenz definiert wird. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht innerhalb von Plexiglas – sind die leisen Ergebnisse einer langen und sorgfältigen Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im finalen Bild als in dem stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es entstehen lässt.

Diese Praxis fußt auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus der aufgezwungenen Sinngebung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschrieben und als „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ deklariere, hoffe ich, die Erwartung einer Erzählung behutsam zu lösen. Es ist eine Einladung, sich von der Dekodierung zu entfernen und zu einer direkteren Art des Sehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Primacy der gelebten Erfahrung. In diesen offenen Raum versuche ich, das, was ich als „Erlebnis des Seins“ bezeichne, zu legen. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, sondern zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegelbild des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft feststelle, „lebt das Stück, es verändert sich, es sieht.“

Der dritte Punkt ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Der Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle beim Schaffen. Ich setze Bedingungen, gebe aber das Ergebnis auf, lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein „Objekt für sich“ nennen würde, voll offenbart erst, wenn es abgeschlossen ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – geduldiges Warten darauf, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten werden von einigen sanften Paradoxien getragen, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufällen“, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich bedeutungslos nenne, etwas zu kommunizieren. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Stillheit.

Nostalgie der Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie zielt merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverrückbaren Notwendigkeiten“, die in „Stille und Licht“ gefunden werden – ein Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert stetige Aufmerksamkeit, strebt jedoch nach einem Ergebnis, das autonom wirkt, als hätte es sich „aus eigenem Antrieb entwickelt“. Mir liegt an dem, was sich als völlig unausweichlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl entwickelt, dass das „Zeitalter des Informellen“ gerade erst begonnen hat. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Leidenschaften und mehr Gelassenheit – eine Informalität, in der Zufall keine Unterbrechung ist, sondern ein stiller Mitstreiter.

Im Kern ist es die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die bescheidene Wahl des Formates soll Intimität statt Spektakel fördern.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Suche. Ich habe erkannt, dass eine Praxis, die in stillen Paradoxien verwurzelt ist, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen meines Erachtens eine Quelle der Widerstandsfähigkeit werden.

Anton Kaestner