Anton Kaestner - #395 - S - " Glass Horizon 1 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
Mein allererstes Glasbild, ein Glas, das 1994 in Marokko recycelt wurde.
#395 - S - " Glass Horizon 1 ".

Sprühacrylat auf Glasplatte (Marokko 1994) aus 3 mm.
Dieses Bild ist keine Drucksache. Es handelt sich um ein originales Werk in mehreren Schichten, dessen glänzende, resinartige Ausführung einzigartig ist.

Abmessungen : Zoll 9,3 * 9,8 * 0,12 / 23,5 * 25 * 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Bild wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von der deutschen Qualitätsmarke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (Zoll 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) empfohlen und beim Versand für zusätzlich 60€ inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und eine Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne 7./10. Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und kulturellen Fülle meines Heimatlandes auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, probierte unzählige Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern aus – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf dich zukommen, dominiierend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst fühlte ich mich zur abstrakten Malerei und zur abstrakten Expressionismus hingezogen.
Mit der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheist sehe, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erkundung des menschlichen Daseins und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz stehen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort klar.
Für über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um den Globus führte, von den Vereinigten Staaten bis Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterte meinen Horizont und setzten mich einer Vielzahl kultureller Einflüsse aus. Wo immer ich war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer ein Teil von mir, still köchelnd unter der Oberfläche. Fast 30 Jahre lang wurde das Malen zu einer Form stiller Meditation – eine Möglichkeit, aus der Welt auszubrechen und sich meinem inneren Selbst zuzuwenden.

Ich habe immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich vollständig dem Malen. Ich gründete mein Atelier in Paris und begann, mich ganz meiner Kunst zu widmen. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in privaten Sammlungen in ganz Europa ein Zuhause, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leeren Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", Ende 2024 in Paris, präsentierte einen unverwechselbaren Zugang zur Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entwicklung sehe. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse “zufällige Experimente” – alles geht, um den Verstand zu überlisten – den Ausgang, die Schichten und Spiegelungseffekte, die ich erschaffe, leiten und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber klar gesagt: In meinen Bildern entscheidet niemals der Zufall; höchstens stellt der Zufall Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenlegungs-/Fixierungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition bereichern sich durch Schichten und Transparenzen, geben jedem Werk jedoch eine „asketische“ Qualität: Ich freue mich, wenn ich „unverzichtbare Notwendigkeiten“ erkenne, d. h. das, was wir zu entdecken wagen, wenn wir in Stille und Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern das Erlebnis des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „intellektualisieren / intellekter Besitz“, sondern Bewusstseinserweiterung und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, das, was Alain Damasio “le vif” nennt. Obwohl Nostalgie schon immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein, noch Ende oder Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas hervorruft, bleibt sie fast völlig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, durch die man die eigene Silhouette erkennen kann, eine für jeden neuen Betrachter unterschiedliche. Jedes Werk wirkt wie ein unauffälliger Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Struktur sowie die fehlenden Teile erfordern nur Empathie. Hoffentlich wird der Zwiespalt zwischen „Details für die Nähe“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz für das Ganze“ die Betrachter dazu anregen, eigene introspektive Reisen zu beginnen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und bleibe demütig gegenüber dem, was erreicht werden kann. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung ist eine Konfrontation mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Entdeckungsreise, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, so perfekt, dass sie uns nicht mehr braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Landschaftsraum der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleichermaßen zählen, suche ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Prominenz, sondern durch Gegenwart definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht im Plexiglas – sind die stillen Ergebnisse einer langen und bewussten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger auf dem finalen Bild als auf dem stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es entstehen lässt.

Diese Praxis ruht auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus der Auferlegten Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und sie „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ haben, hoffe ich, die Erwartung einer Erzählung sanft zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren abzuwenden und hin zu einer direkteren Art des Sehens.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Primärität gelebter Erfahrung. In diesen offenen Raum setze ich das, was ich als eine „Erfahrung des Seins“ betrachte. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert werden muss, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegeln des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie oft erwähnt, „lebt es, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite des Plexiglases, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle beim Schaffen. Ich setze Bedingungen, aber gebe das Ergebnis auf; das Malen soll zu dem werden, was ich ein unabhängiges „Objekt an sich“ nenne, das erst dann vollständig offenbart wird. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten halten einige sanfte Paradoxien fest, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Koinzidenzen“, doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird behutsam aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, etwas zu kommunizieren durch Werke, die ich als sinnlos bezeichne. Vielleicht ist das, was geteilt wird, kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine greifbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwebt in der Arbeit mit, zielt aber kurioserweise auf das Jetzt: Eine Sehnsucht nach den „unverzichtbaren Notwendigkeiten“, die in „Stille und Licht“ gefunden werden – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert stetige Aufmerksamkeit, doch soll er ein Ergebnis liefern, das autonom wirkt, als sei es “von sich aus entstanden”. Mir zieht es zu dem, was sich völlig unausweichlich anfühlt.
In diesem Sinn habe ich das Gefühl gewonnen, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat“. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Schmerz und mehr Gelassenheit – eine Informalität, in der Zufall kein Bruch ist, sondern ein stiller Mitstreiter.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit tendiert zu direkter Erfahrung statt Intellektualisierung. Das bescheidene Format, das ich oft wähle, soll Intimität statt Spektakel fördern.
Am Ende ist dies einfach der Weg eines Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe erkannt, dass eine Praxis, die in stillen Paradoxien gründet, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner