Agathe Toman - CLOUD #7 2/15

Dieses Werk gehört zur "GETEILTEN SAMMLUNG" der Künstlerin.
Fotografie auf Fine-Art-Glanzpapier mit körniger Struktur gedruckt. Fotografiert in Rom, Italien. Frühling 2026

Das Foto wird Ihnen gerollt zugesandt; es ist nicht gerahmt, und es wird eine Echtheitzertifikat beigefügt, ausgefüllt und von der Künstlerin unterschrieben. Nummeriertes Werk, handsigniert, Vorder- und Rückseite. Drucktechnikdigigraphie in hochwertiger pigmentierter Fine-Art-Qualität.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s vertreten.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Abstammung, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach dem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris spürte Agathe vor neun Jahren den Bedarf, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
In den Landes von Les Landes, wo sie seit dreizehn Jahren lebt, hat sich Agathe heute als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene etabliert, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s gelistet, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren schnellen Aufstieg und ihre Akzeptanz in renommierten Kunstkreisen bezeugt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere der Art Paris, führten zu immensem Erfolg und festigten ihre Präsenz in zahlreichen Privatsammlungen weltweit.

Agathes Palette bevorzugt tiefe Schwarztöne und Blautöne, eine dezente, sich bewegende Chromatik. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben in einer überwältigenden Intensität, die darauf abzielen, Verbindungen zu verborgenen Dingen herzustellen und den Betrachter aus dem Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Kraft aus, die Echo auf ihre eigenen Erfahrungen schenkt.
Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic realisiert, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überfluten uns mit ruhigen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unseren Ursprung darstellt.
Hunderte von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Charakter, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Band mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihr künstlerisches Schaffen hinaus ist Agathe auch tief in die Beschäftigung mit der Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse vertieft, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erkundung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die sich in neuen Schichten widerspüren.

Agathe trennt Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie fokussiert ihre Arbeit auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Denkachsen finden sich nicht nur in ihrer Kunst, sondern sind integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren renommierten Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L'Œil und Elle, was ihren beachtlichen Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein globales Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster in die Komplexität der menschlichen Erfahrung, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, indem sie Dialoge zwischen Geist und Materie webt. Ich hinterfrage ihre Funktionsweisen in ihrer Umwelt, die Verbindungen, die sie herstellen, und die Schwingungen, sowohl wahrnehmbar als auch unaussprechlich, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und die Beziehung zwischen dem Individuum und seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine bestimmte Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einladen und einen Weg zum Unbewussten öffnen.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Werke: entschieden abstrakt, in Monochromen, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit coexists, das Blau im Kontakt mit Schwarz knistert oder allein leuchtet. Wir befinden uns in der Gegenwart/Abwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeglicher Nachahmung, die reine Emotionen hervorruft, das Erwachen des Unsichtbaren provoziert; meine Werke werden so zu Spiegeln dieser verborgenen inneren Aspekte.

Eine akribische Abstimmung zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohlestiften, dem Kugelschreiber und Farbstoffen, durch das Ablegen der Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine zunehmende Einzigartigkeit.
Ich arbeite so daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu beeinflussen und von mir darin zu investieren, damit das Ich erwacht.

Es gibt immer etwas, das man nicht geahnt hat. Etwas Unerwartetes. Diese unaussprechlich intensiven, angeregt, subtile Träume, die uns gefesselt und überwältigt zurücklassen. Wasser, Gravitation, Rinde, diese Allgegenwärtigkeit transformieren den Beobachter mit ihrer Kraft. Das Auftauchen einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyriquesche Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Portraits von Teilen meines Selbst.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materalisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere sich darin verschmelzen lassen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich treffen und nicht mehr zwei getrennte Identitäten sind. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Jetzt. Ich betrachte sie als lebendige Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns schaffen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, erweckt das Werk durch eine Alchemie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich lade zu einem Weg hin zu einer neuen Sicht auf das eigene Sein, auf die Welt und auf andere ein.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, entstehen psychische Resonanzen, die übereinstimmen und sich zu einer gemeinsamen Sinfonie stimmen; ein Dialog beginnt sich einzuleben, ein Rhythmus spürbar wird. Eine Anamorphose der Seele zeichnet sich ab, ein unaussprechliches Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen stimulieren und dass die Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert, und das Ergebnis dieses Treffens.

"Seelisches Leiden hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der Subjektivierungssymbolisierung entzogen ist. Wir leiden unter dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch eingeschrieben zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder wegen bestimmter Gedanken, sondern auch weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, kein Hören, kein Aufnahmeventil gefunden haben und so umherirren." René Roussillon - Manuel de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.