Anton Kaestner - #377 - S - " Glass Sea 2 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
Mein zweites Glasgemälde, ein aus Marokko im Jahr 1994 wiederverwendetes Glas.
#377 - S - " Glass Sea 2 ".

Acrylspray auf einer 3 mm Glasscheibe.
Dieses Bild ist kein Druck. Es handelt sich um ein originales Werk mit Mehrfachschichtung, dessen glänzende, glossy Ausstrahlung fast an den Auftrag von Harz erinnert und einzigartig ist.
Transparenz beim Druck.

Maße: Inch 8,9 * 10 * 0,12 / 22,5 * 25,5 * 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird unrahmt geliefert.
Auf der Rückseite eine winzige Kerbe; sie gehört zum Werk.
Rahmen von hochwertiger deutscher Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 60€ inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
#Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden überall in Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Soloausstellung: Genf 18.–28. Juni 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und kulturellen Fülle meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein vorerst verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, dominierend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst fühlte ich mich zur gegenständlichen Malerei und zum abstrakten Expressionismus hingezogen.
Im Laufe der Zeit, obwohl ich mich selbst als Atheisten betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie meine Erforschung der menschlichen Existenz und der tieferen Wahrheiten von Natur und Leben widerspiegeln.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort klar.
Über drei Jahrzehnte hinweg verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten bis Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Überall, wo ich hinkam, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und ließ mich von der kreativen Energie jedes Ortes tragen.
Trotz des Schwerpunkts auf meine Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, still in mir brodelnd. Fast 30 Jahre lang wurde Malerei zu einer Form geheimer Meditation – ein Weg, mich von der Welt zu lösen und auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.

Ich habe stets große Zufriedenheit am Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, bei der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen erleben kann. Durch meine Kunst habe ich immer gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich völlig dem Malen. Ich gründete mein Atelier in Paris und begann, mich völlig meiner Kunst zu widmen. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in privaten Sammlungen in ganz Europa ein Zuhause, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Atelier in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen unverwechselbaren Zugang zur Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite aus recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perspex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal fragilen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk schon während der Entstehung sehe. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles geht, um den Verstand zu überlisten – den Verlauf, die Schichten und Spiegelwirkungen zu lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber Klarstellung: In meinen Bildern trifft Zufall niemals die Entscheidungen; höchstens stellt er Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, verleihen jedem Werk jedoch eine „asketische“ Qualität: Ich freue mich, wenn ich unverrückbare Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und im Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern die Erfahrung des Seins. Weder „raster Konsum“ noch „Intellektualisierung/ intellektuelles Besitzdenken“, sondern Bewusstseinserweiterung und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten. Meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Innersten des Lebens“, nach dem, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zum Sein, noch Ende noch Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erinnert, bleibt sie doch größtenteils abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erkennen kann, die sich mit jedem neuen Betrachter unterscheidet. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Wechselspiel von Licht, Farbe und Textur, auch die missing parts, erfordert nur Empathie. Hoffentlich regt das Spiel zwischen „Details für die Nähe“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz für das Ganze“ die Betrachter dazu an, sich auf ihre eigenen introspektiven Reisen zu begeben.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Kreation ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Für mich ist Malerei eine tägliche Handwerkskunst, eine Erforschung, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.“

Über die Kohärenz in meiner Praxis
In der Landschaft der zeitgenössischen Kunst, in der Konzept und Form gleiches Gewicht haben, strebe ich danach, Arbeiten zu schaffen, die nicht durch Prominenz, sondern durch Präsenz definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht innerhalb von Plexiglas – sind das ruhige Ergebnis einer langen, überlegten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im endgültigen Bild als im stillen Wechselspiel von Gedanke und Prozess, das es entstehen lässt.
Diese Praxis ruht auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist eine Rückzug aus zugeschriebenem Sinn. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und sie als „weder Inhalt, noch Sinn, noch Bedeutung“ habe, hoffe ich, die Erwartung einer narrativen Erklärung sanft zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und zu einer direkteren Art des Betrachtens zu gelangen.
Dies führt zur zweiten Absicht: die Primärität der gelebten Erfahrung. In diesen offenen Raum lege ich das, was ich als eine „Erfahrung des Seins“ betrachte. Das Werk wird eher zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch sich veränderndes Licht, transparente Schichten und das schwache Spiegeln des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft bemerke, „lebt, es verändert sich, es sieht.“
Dritte ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle beim Schaffen. Ich setze Bedingungen, überlasse aber das Ergebnis dem Werk und lasse es zu dem werden, was ich als eigenständiges „Objekt für sich“ beschreibe, das erst vollständig offenbart wird, wenn es vollständig ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten werden von einigen sanften Paradoxien getragen, die die Arbeit tragen:

Chance und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufällen“, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, doch die Struktur ist sorgsam aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, etwas zu kommunizieren durch Werke, die ich sinnlos nenne. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Ruhe.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, aber sie richtet sich neugierig auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unersetzlichen Notwendigkeiten“, die in „Stille und Licht“ gefunden werden – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst leise bietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert beständige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als ob es „aus eigenem Antrieb entstanden wäre“. Ich werde von dem angezogen, was sich völlig unausweichlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat.“ Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Qualen und mehr Gelassenheit – eine Informalität, in der Zufall kein Bruch, sondern ein stiller Mitstreiter ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die oft gewählte bescheidene Größe soll Intimität statt Spektakel fördern.
Letztendlich ist dies einfach der Weg eines Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die auf stillen Paradoxien basiert, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Widerstandsfähigkeit werden.

Anton Kaestner