Anton Kaestner - #114 - XXL - " Cy #1 ".

Einzelstück, originale Malerei von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#114 - "Cy #1" - Größe XXL.
Sehr Großformat.

Acrylspray auf eine 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Gemälde ist kein Druck. Es handelt sich um ein Werk, das in mehreren Farbschichten und/oder Sprühschichten gemalt wurde und dessen glänzende, glänzende Oberfläche, nah an der Anwendung einer Harzschicht, einzigartig ist.

Bei Ihren Geboten beachten Sie bitte, dass dieses Werk in sehr großem Format gerahmt geliefert wird, mit einem schwarzen, matten Rahmen, bereit zum Aufhängen. Wert des Rahmens allein 250€ inkl. MwSt.

Abmessungen: Zoll 47,2 x 34,3 x 0,12 / 120 x 87 x 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird mit einem Aluminiumrahmen der deutschen Marke Nielsen geliefert, Ausführung matt-schwarz (Zoll 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm), oder einem anderen Rahmen derselben Serie nach Wahl des Käufers.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Die Lieferung ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein Maler, Bildhauer und Autor aus der Schweiz mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf 18.–28. Juni 2026.

"Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich inmitten der natürlichen Schönheit und kulturellen Reichtümer meiner Heimat auf. Kreativität hatte in meiner Familie einen hohen Stellenwert, und mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, hat mit seinem Einfluss den Samen dafür gelegt, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern. Zunächst zog mich die nicht-gegenständliche Malerei und der abstrakte Expressionismus an. Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheisten sehe, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung menschlicher Existenz, Melancholie und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben resonierten.
Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten bis Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont, brachten mich mit einer Vielzahl kultureller Einflüsse in Kontakt. Wo immer ich war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und ließ mich von der kreativen Energie jedes Ortes leiten.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war Kunst immer ein Teil von mir, leise unter der Oberfläche kochend. Fast dreißig Jahre lang wurde das Malen zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, mich von der Welt abzulösen und mein inneres Selbst zu fokussieren.
Ich habe immer große Zufriedenheit im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst habe ich stets gehofft, anderen eine ehrliche Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.
2021, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich dem Malen vollständig verschrieben. Ich gründete mein Studio in Paris und widmete mich ganz meiner Kunst. Ende 2023 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand ihren Platz in privaten Sammlungen in ganz Europa, besonders in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen unverwechselbaren Ansatz zur Kunst, der sich von traditionellen Maltechniken entfernte: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas, einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal fragilen Oberfläche.
Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses—etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles geht, um die Vernunft zu überbrücken! – den Ausgang, die Schichten und Spiegelungen, die ich schaffe, leiten und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Dieser Ansatz, der mit dem Offenlegungs-/Fixierungsprozess der Fotografie korreliert, ist fordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, verleihen jedem Werk jedoch eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich „unverrückbare Notwendigkeiten“ erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern das Erlebnis des Seins. Weder „raster Konsum“ noch „Intellektualisierung/ intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten, meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, das Lebendige, wie es der französische Science-Fiction-Meister Alain Damasio ausdrücken würde.
Während meine Arbeit gelegentlich Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas hervorrufen mag, bleibt sie doch fast völlig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erhaschen kann, was bei jedem neuen Betrachter unterschiedlich ist. Jedes Werk wirkt wie ein dezenter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, von den fehlenden Teilen ebenfalls, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird das Spiel zwischen "Details für Nahsicht" und "Distanz für das Ganze" die Zuschauer dazu anregen, sich auf ihre eigenen introspektiven Reisen zu begeben.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben und möchte bescheiden bleiben darüber, was erreicht werden kann. Einfach gesagt, finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Hinterfragens und Wachstums. Jedes neue Schaffen ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, zwingt mich, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei bedeutet für mich tägliches Handwerk, Erkundung, ein Weg, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: « Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen. »

Anton Kaestner