Anton Kaestner - #114 - XXL - " Cy #1 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#114 - " Cy #1 " - XXL-Größe.
Sehr großes Format.

Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Gemälde ist keine Druckreproduktion. Es ist ein Werk, das in mehreren Farbschichten und/oder Sprühbelägen gemalt wurde, dessen glänzende, „glossy“-Oberfläche dem Auftrag einer Harzschicht nahekommt und einzigartig ist.

Bei Ihren Geboten beachten Sie bitte, dass dieses sehr große Werk mit einem mattschwarzen Rahmen geliefert wird, bereits bereit zum Aufhängen. Der Wert des Rahmens allein beträgt 250 € inkl. MwSt.

Abmessungen: Zoll 47,2 x 34,3 x 0,12 / 120 x 87 x 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird mit einem Aluminiumrahmen der deutschen Marke Nielsen geliefert, matte Oberfläche (Zoll 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm), oder einem anderen Rahmen aus derselben Reihe nach Wahl des Käufers.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Dazu gehört ein Echtheitszertifikat.
Der Versand ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke sind in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahlmöglichkeiten finden Sie unter www.antonkaestner.com.

Nächste Solo-Ausstellung – Genf, Januar 2027.

"Biografie
GEBURT IN GENF, SCHWEIZ. ICH WURDE UM DAS NATÜRLICHE SCHÖNHEITSSCHNELLEN UND DIE KULTURELLE REICHHALTIGKEIT MEINES HEIMATLANDS HERUM ERZOGEN. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft wurde.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in Notizbüchern im A4- und später A3-Format. Zuerst zog mich die abstrakte Malerei und der abstrakte Expressionismus an. Im Laufe der Zeit, während ich mich selbst als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung menschlicher Existenz, Melancholie und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz standen.
Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um den Globus führte – von den Vereinigten Staaten bis Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meine Perspektive und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wohin ich auch ging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und spürte die kreative Energie jedes Ortes.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftstätigkeit war die Kunst immer Teil von mir, leise unter der Oberfläche köchelnd. Fast dreißig Jahre lang wurde das Malen zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, mich von der Welt zu lösen und mich meinem inneren Selbst zuzuwenden.
Ich habe immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich stets, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.
2021, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich voll dem Malen verschrieben. Ich gründete mein Atelier in Paris und widmete mich fortan ganz meiner Kunst. Ende 2023 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn und, zu meiner Überraschung, erlangte meine Arbeit rasch Anerkennung und fand Plätze in Privatsammlungen in ganz Europa, insbesondere in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Lebenslauf
Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen eigenständigen Zugang zur Kunst fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite recycelten extrudierten Plexiglases, einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal fragilen Oberfläche.
Dieser Prozess verhindert, dass man das Werk während der Entstehung sieht. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich befürworte. Ich gestatte „zufälligen Experimenten“ – alles geht, um die Vernunft zu überlisten! – das Ergebnis, die Schichten und Spiegelungen zu lenken, und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Dieser Ansatz, der mit dem Offenlegungs-/Fixierungsprozess der Fotografie korrespondiert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich irreduzible Notwendigkeiten erkenne, also das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und licht sind.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern das Erleben des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern die Erweiterung des Bewusstseins und die Erkundung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten. Meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Kern des Lebens“, dem „Vief“, wie der französische SF-Meister Alain Damasio es ausdrücken würde.
Obwohl meine Arbeit manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas evoziert, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, durch die man die eigene Silhouette erkennen kann, bei jedem neuen Betrachter anders. Jedes Werk wirkt wie ein dezenter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird das Spiel zwischen „Detail für Nahwirkung“ und „Distanz für das Ganze“ die Betrachter zu einer eigenen introspektiven Reise anregen.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach ausgedrückt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Hinterfragens und Wachsens. Jedes neue Schaffen ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich eine tägliche Handwerkskunst, eine Entdeckungsreise, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche zu entfachen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.“

Anton Kaestner