Tijs Dragtsma (1992) - Halfway to the Moon

Halfway to the Moon hält einen einzigen eingefrorenen Moment fest: eine Leiter, die am Vollmond lehnt, und eine winzige menschliche Gestalt, die auf halber Höhe zwischen den Sprossen innezuhalten scheint. Der Mond erfüllt die Dunkelheit mit einem kalten, beständigen Leuchten, während sich alles andere ringsum im Schwarz auflöst.

Dieses Bild enthält weder Farbe noch Druck. Das Leuchten des Mondes besteht aus einzelnen Kratzern, die direkt in das Acrylglas gearbeitet wurden. Was wie Licht erscheint, ist also tatsächlich eine kontrollierte Beschädigung der Oberfläche – eine Oberfläche, die so lange bearbeitet wurde, bis sie Helligkeit einfängt und festhält. Die Leiter, die Figur und der lange Schatten, der sich über den Boden erstreckt, bleiben unberührt: dunkle Formen, die klar aus dem Licht ausgespart sind.

Das Werk braucht keinen Scheinwerfer, um sichtbar zu sein. Das Bild ist stets vorhanden, in der Oberfläche selbst angelegt und auch ohne direktes Licht sichtbar. Direktes Licht macht es nicht erst sichtbar, sondern verstärkt, was bereits da ist: Es schärft das Leuchten des Mondes und die Konturen der Silhouette. Aus verschiedenen Blickwinkeln wirkt das Bild anders, ohne je zu verschwinden. Licht erschafft das Bild nicht. Es schärft es.

Das Motiv zeigt einen stillen, beinahe kindlichen Ehrgeiz, der bis an seine Grenzen getrieben wird: eine Leiter, die an etwas gelehnt ist, das niemals wirklich erreicht werden kann, und eine Figur, die trotzdem weiter hinaufsteigt. Von der anderen Seite des Raumes betrachtet, erscheint der Mond als eine einzige ruhige Kugel. Aus der Nähe zerfällt diese Kugel in ein unruhiges Feld feiner Spuren – ein Beweis dafür, dass die Helligkeit Markierung für Markierung entstanden ist.

Halfway to the Moon setzt die Serie Art with Scratch von Tijs Dragtsma fort, in der Bilder durch kontrollierte Beschädigung der Oberfläche statt durch Farbe oder Druck entstehen. Eine Bildsprache, in der Beschädigung nicht Zerstörung, sondern Struktur bedeutet.

Dieses Werk ist ein Unikat.

„Manche Entfernungen sind nicht dazu bestimmt, überwunden zu werden – nur dazu, sie hinaufzuklettern.“

Über Art with Scratch

Art with Scratch ist ein Werkkomplex, in dem das Bild nicht gezeichnet, sondern freigelegt wird. Linie für Linie in eine tiefschwarze Oberfläche geritzt, tritt jedes Werk durch unzählige präzise Kratzer hervor, die das Licht einfangen und Formen aus der Dunkelheit entstehen lassen.

Aus der Entfernung wirkt das Bild beinahe fotografisch. Kraftvoll, wiedererkennbar und voller Präsenz. Aus der Nähe löst sich das Werk jedoch in ein dichtes Feld einzelner Spuren auf. Fein, fragil und beinahe schwerelos. Was zunächst solide erschien, erweist sich als zartes Geflecht aus Linien – jede eine bewusste Geste, jede unverzichtbar für das Ganze.

Licht erschafft das Bild nicht. Es schärft es. Die schwarze Oberfläche absorbiert das Licht, während die Kratzer es reflektieren. Wenn das Licht über die Oberfläche wandert, beginnt das Bild zu atmen. Aus einem Blickwinkel steht die Figur klar und deutlich vor uns. Aus einem anderen wird sie weicher und versinkt wieder in der Dunkelheit, aus der sie hervorgegangen ist, ohne jemals ganz zu verschwinden. Unter einem gezielten Scheinwerfer wird der Kontrast stärker, und das Bild erhält eine skulpturale, beinahe leuchtende Qualität.

Was dieses Medium so faszinierend macht, ist seine stille Spannung. Das Kratzen ist ein direkter, unumkehrbarer Akt. Jede Linie ist eine Entscheidung, die sich nicht rückgängig machen lässt. Doch das Ergebnis ist nicht hart. Es ist intim, atmosphärisch und voller Bewegung. Härte wird zu Weichheit. Zerstörung wird zu Schöpfung. Abwesenheit wird zu Präsenz.

In Werken wie diesem Porträt ist die Figur nie vollständig festgelegt. Durch das Zusammenspiel von Linie, Licht und Schatten verändert sich das Bild mit der Perspektive und der Atmosphäre. In manchen Momenten scheint das Motiv aus dem Schwarz hervorzutreten. In anderen versinkt es wieder in der Stille. In dieser Bewegung, zwischen Klarheit und Ruhe, wird das Werk lebendig.

Wie jedes Material, das die Zeit berührt, trägt auch die Oberfläche ihr eigenes stilles Leben in sich. Jeder Kratzer birgt einen Moment, einen Atemzug, eine Geste. Gemeinsam ergeben sie nicht nur ein Bild, sondern eine Präsenz, die sich mit jedem Wechsel des Lichts immer wieder neu offenbart.

Über den Künstler

Mein Name ist Tijs Dragtsma, Gründer des TD Fine Art Studio.

Als Künstler treibt mich der ständige Wunsch an, neue Bildsprachen zu erforschen. Ich betrachte Kunst nicht als festgelegten Stil, sondern als ein sich entwickelndes Feld der Entdeckung, in dem Material, Struktur, Licht und Emotion zusammenkommen.

Meine Arbeit beginnt oft mit einer einfachen Frage. Wie kann ein Material auf neue Weise sprechen? Wie kann Härte zu Intimität werden? Wie kann Präzision Emotionen hervorrufen? Diese Suche steht im Mittelpunkt all dessen, was ich erschaffe.

Im TD Fine Art Studio wird jeder Werkkomplex als eigene Welt mit einer eigenen Logik, Atmosphäre und visuellen Identität angegangen. Manche Werke entstehen durch Rhythmus, Wiederholung und Struktur. Andere durch Abwesenheit, Schatten, Reflexion oder Spannung. Sie alle verbindet das gemeinsame Streben nach Originalität, Klarheit und emotionaler Präsenz.

Mich faszinieren Kontraste. Zwischen Stärke und Zerbrechlichkeit. Zwischen Kontrolle und Gefühl. Zwischen dem Sichtbaren und dem, was der Interpretation überlassen bleibt. Mein Ziel ist es nicht einfach, ein Bild zu schaffen, sondern ein Werk, das Aufmerksamkeit fesselt, zum Nachdenken einlädt und sich im Laufe der Zeit immer wieder neu offenbart.

Das TD Fine Art Studio ist der Ort, an dem diese Erkundungen zusammenkommen. Es ist nicht nur ein Atelier, sondern ein sich entwickelndes künstlerisches Universum, geprägt von Neugier, Präzision und dem Anspruch, Werke zu schaffen, die unverwechselbar, bewusst gestaltet und lebendig wirken.

Dieses Inserat enthält KI-generierte Visualisierungen. Bitte betrachten Sie die Originalfotografien, um den tatsächlichen Zustand des Objekts zu beurteilen.